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cine – The Conversation
2024-03-13T21:33:31Z
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De redescubrir carreras musicales a impulsar estrellas globales: el auge del ‘biopic’ musical
<figure><img src="https://images.theconversation.com/files/581004/original/file-20240311-21-8q944i.jpg?ixlib=rb-1.1.0&rect=2%2C5%2C1914%2C1072&q=45&auto=format&w=496&fit=clip" /><figcaption><span class="caption">Cuti Carabajal & Pepe Lorente en un fotograma de 'La estrella azul', de Javier Macipe.</span> <span class="attribution"><a class="source" href="https://www.filmaffinity.com/es/filmimages.php?movie_id=351606">FilmAffinity</a></span></figcaption></figure><p>El 23 de febrero se estrenó en España <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film351606.html"><em>La estrella azul</em></a>, ópera prima de Javier Macipe. La película relata el viaje personal del poeta y cantante Mauricio Aznar, líder de la banda <a href="https://www.youtube.com/watch?v=ANTycyiMzUY">Más birras</a>. En plena crisis existencial, el rockero aragonés viajó a Argentina. Allí conoció a Carlos Carabajal, un músico en horas bajas, autor de algunas canciones de folclore muy conocidas en su país. El encuentro cambiaría para siempre la perspectiva del cantante. </p>
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<p><em>La estrella azul</em> está teniendo un inesperado <a href="https://www.elblogdecineespanol.com/?p=73609">éxito en taquilla</a>. La ópera prima del director zaragozano no ha dejado de cosechar buenas críticas desde <a href="https://www.heraldo.es/noticias/ocio-y-cultura/2024/02/22/estrella-azul-festival-san-sebastian-rebordinos-1713283.html">su paso por el Festival de Cine de San Sebastián</a>. </p>
<p>Además, la historia “no oficial” de la banda granadina Los Planetas ha sido adaptada para la gran pantalla en <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film385824.html"><em>Segundo premio</em></a>, de Isaki Lacuesta. El filme ha conseguido la <a href="https://www.rtve.es/noticias/20240309/segundo-premio-isaki-lacuesta-rodriguez-festival-cine-malaga/16007091.shtml">Biznaga de Oro a la Mejor Película Española, y galardones a mejor Dirección y Montaje</a>.</p>
<p><em>La estrella azul</em> y <em>Segundo premio</em> se suman así a una larga lista de películas que han narrado las carreras de diferentes artistas musicales. </p>
<h2>Cuando el cine descubre una carrera musical</h2>
<p>En ocasiones, el cine nos descubre una carrera musical. En una escena de <em>La estrella azul</em>, el actor que interpreta a Mauricio Aznar, Pepe Lorente, se dirige a un funcionario del Ayuntamiento de Zaragoza y le dice: “Dentro de veinte años se hará una película sobre esto y tú vas a quedar fatal”. Y no le falta razón. Algunas películas han servido para sacar a la luz carreras musicales poco populares u olvidadas por el paso del tiempo. </p>
<p>La joya de la corona de películas en este sentido la encabeza el documental <a href="https://www.rtve.es/play/videos/somos-documentales/searching-sugar-man/6752174/"><em>Searching for Sugar Man</em></a>, de Malik Bendjelloul, estrenado en 2012. La ganadora, entre otros premios, del Óscar y el Bafta a Mejor Documental, nos descubre la historia de un misterioso músico estadounidense, Sixto Rodríguez, que triunfó en Sudáfrica, en parte porque sus temas se hicieron populares en la lucha contra el <em>apartheid</em>. </p>
<p>Sin embargo, para Occidente este músico era casi un desconocido. Gracias a <em>Searching for Sugar Man</em>, el cantautor logró la repercusión internacional que no había obtenido en los años 70. El pasado 2023, <a href="https://www.rtve.es/noticias/20230809/muere-sixto-rodriguez-sugar-man/2453723.shtml">Sixto Rodríguez moría</a>. De no ser por el documental, es probable que su carrera hubiera caído en el más absoluto olvido. </p>
<p>Un año después, los hermanos Coen estrenaban <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film634998.html"><em>A propósito de Llewyn Davis</em></a>. Inspirándose <a href="https://www.rollingstone.com/music/music-news/meet-the-folk-singer-who-inspired-inside-llewyn-davis-243730/">en la vida del cantautor de folk Dave Van Rock</a>, los Coen firmaban una de sus películas más íntimas y sosegadas. </p>
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<p>Gracias a ese filme, muchos espectadores descubrieron la trayectoria de un músico que influiría en otros de mayor popularidad, como Joni Mitchell o <a href="https://www.youtube.com/watch?v=2LgFHGBu8NY">Bob Dylan</a>, quien también ha gozado su <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film335274.html">propio <em>biopic</em></a>. </p>
<h2>De las biografías de compositores al auge del <em>biopic</em> musical</h2>
<p>Como género, el <a href="https://dialnet.unirioja.es/servlet/articulo?codigo=8234889"><em>biopic</em> musical</a> tiene dos condiciones claras. En primer lugar, tiene que servir como biografía de algún personaje distinguido. Y, después, debe estar centrado en algún aspecto de sus cualidades musicales. </p>
<p>El séptimo arte se interesó pronto por las biografías de músicos. Las primeras películas de este género llegaron a cartelera en la década de los 40, centrándose en un inicio en las vidas de grandes compositores. </p>
<p>Así, pronto destacan <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film989788.html"><em>Canción inolvidable</em></a>, que aborda la vida del compositor Frédéric Chopin, <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film458343.html"><em>Noche y día</em></a>, <em>biopic</em> de Cole Porter, <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film171305.html"><em>Hasta que las nubes pasen</em></a>, biografía de Jerome Kern, <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film780253.html"><em>Profundamente en mi corazón</em> </a>, sobre el compositor de musicales Siegmund Romberg, y <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film201961.html"><em>La historia de Benny Goodman</em></a>, que abordaba la historia del conocido como “Rey del swing”. Quizá la más representativa de esta época sea <a href="https://www.filmaffinity.com/es/evideos.php?movie_id=681932"><em>Música y lágrimas</em></a> (1953), de Anthony Mann, con James Stewart dando vida a Glenn Miller, una de las grandes leyendas del jazz. </p>
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<p>Junto a <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film735110.html"><em>El trompetista</em></a>, de Michael Curtiz, estrenada en 1959, <em>Música y lágrimas</em> fue uno de los primeros filmes que abordaron la vida de músicos y cantantes de jazz. Otros grandes artistas de este género nacido a finales del siglo XIX en Nueva Orleans también han gozado de su biografía en la gran pantalla. </p>
<p>Es el caso de Billie Holiday en <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film978472.html"><em>El ocaso de una estrella</em></a>, Ray Charles en <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film638110.html"><em>Ray</em></a>, <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film334680.html">Nina Simone</a>, en el título homónimo, Miles Davis en <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film364907.html"><em>Miles Ahead</em></a> o el saxofonista Charlie Parker, cuya vida fue reflejada en uno de los <em>biopics</em> musicales más emocionantes del cine: <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film678361.html"><em>Bird</em></a>, dirigido por Clint Eastwood en 1987.</p>
<p>El listado de artistas musicales que han tenido su adaptación cinematográfica es inabarcable: <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film245613.html"><em>The Doors</em></a>, Eminem en <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film642021.html"><em>8 millas</em></a>, Johnny Cash y June Carter en <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film932791.html"><em>En la cuerda floja</em></a>, Edith Piaf en <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film228749.html"><em>La vida en rosa</em></a> y el grupo de rap <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/N.W.A.">N.W.A.</a> en <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film637318.html"><em>Straight Outta Compton</em></a> son solo algunos ejemplos de un género prolífico. </p>
<p>Quizá el <em>biopic</em> musical más popular de todos los tiempos sea el de Mozart en <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film491709.html"><em>Amadeus</em></a> de Milos Forman, de 1984. Su narración ha llegado a extender como ciertos <a href="https://www.youtube.com/watch?v=zq-oeGfUUuE">hechos no probados sobre la vida (y la muerte)</a> del compositor austriaco. </p>
<h2>En directo desde Wembley</h2>
<p>Sin embargo, hay una película que marca un antes y un después en el auge reciente del género. En 2018, <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film486640.html"><em>Bohemian Rhapsody</em></a> recaudaba 910,8 millones de dólares, convirtiéndose en el <em>biopic</em> musical más visto de la historia. La vida de Freddie Mercury atrajo a millones de espectadores. Algo así no podía pasar inadvertido en Hollywood. </p>
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<p>Tras la película sobre el líder de Queen, le iba a llegar el turno a otras grandes estrellas de la música. Este es el caso de Elton John en <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film148461.html"><em>Rocketman</em></a>, Elvis Presley en <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film589077.html"><em>Elvis</em></a>, Aretha Franklin en <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film911859.html"><em>Respect</em></a> y Bob Marley en la reciente <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film622218.html"><em>Bob Marley: One Love</em></a>. El siguiente en la lista es Michael Jackson, quien también tendrá su propio <a href="https://www.fotogramas.es/noticias-cine/a46453452/michael-jackson-pelicula-biopic-nino-protagonista-actores-rey-pop/"><em>biopic</em>, previsto para 2025</a>. </p>
<p>El furor de este género también ha repercutido en la ficción televisiva. En los últimos años, la pequeña pantalla no ha sido ajena al auge del género. Series como <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film624334.html"><em>El amor después del amor</em></a>, sobre la vida de Fito Páez, o <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film363916.html"><em>Bosé</em></a>, sobre Miguel Bosé, se suman a la previa larga lista de títulos centrados en la vida de artistas musicales. </p>
<p>¿Quién será el siguiente artista en protagonizar una serie? De momento, <a href="https://efs.efeservicios.com/texto/julio-iglesias-colaborara-netflix-producir-serie-vida/18011242241">Julio Iglesias ya ha anunciado que contará su vida</a> en Netflix. Vayan pensando en sus artistas favoritos. Viendo el auge del <em>biopic</em> musical, el día menos pensado podrán disfrutar de una película o una serie sobre sus vidas.</p><img src="https://counter.theconversation.com/content/223784/count.gif" alt="The Conversation" width="1" height="1" />
<p class="fine-print"><em><span>Ignacio Lasierra Pinto no recibe salario, ni ejerce labores de consultoría, ni posee acciones, ni recibe financiación de ninguna compañía u organización que pueda obtener beneficio de este artículo, y ha declarado carecer de vínculos relevantes más allá del cargo académico citado.</span></em></p>
El ‘biopic’ musical ha tenido un gran auge en los últimos años. A raíz del estreno de ‘La estrella azul’, se ofrece un recorrido por las películas que han retratado la vida de los artistas musicales.
Ignacio Lasierra Pinto, Profesor de Comunicación Audiovisual, Universidad San Jorge
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2024-03-05T18:04:05Z
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La originalidad en el cine sigue existiendo (a pesar de los ‘remakes’)
<figure><img src="https://images.theconversation.com/files/578874/original/file-20240229-26-qfmsj8.jpg?ixlib=rb-1.1.0&rect=0%2C5%2C1797%2C1191&q=45&auto=format&w=496&fit=clip" /><figcaption><span class="caption">Imagen de 'Oppenheimer', de Christopher Nolan, en la que se recrea un encuentro entre el protagonista del filme y Albert Einstein.</span> <span class="attribution"><a class="source" href="https://www.filmaffinity.com/es/filmimages.php?movie_id=294474">FilmAffinity</a></span></figcaption></figure><p>Cuando en la ceremonia de los Óscar de 1960, <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film800123.html"><em>Ben-Hur</em></a> se alzó con once de las doce estatuillas a las que estaba nominada, pocos recordaron que la cinta de William Wyler (1959) era en verdad un <em>remake</em> de <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Ben-Hur_(pel%C3%ADcula_de_1925)">la versión de 1925 de Fred Niblo</a>. </p>
<p>Muchos menos sabían que esta última era también una revisión del cortometraje homónimo <a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Ben_Hur_(1907_film)">dirigido por Sidney Olcott en 1907</a>, a su vez adaptación de <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Ben-Hur_(novela)">la novela de Lewis Wallace (1880)</a>. Y es que, contra la creencia popular, grandes títulos de la historia del cine han sido <em>remakes</em>, adaptaciones o <em>reboots</em> de títulos previos, subrayando una constante cinematográfica a lo largo de las décadas.</p>
<h2><em>Remakes</em>, <em>reboots</em> y <em>retcons</em></h2>
<p>Conceptualmente, un <em>remake</em> es una versión que se realiza a imagen y semejanza de una película previa, en la que se mantienen intactos prácticamente todos los elementos constituyentes de la primera, desde las tramas a los personajes. Esto llega al paroxismo en versiones como <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film943845.html"><em>Psycho</em></a>, de Gus Van Sant, elaborada plano a plano de forma idéntica a su predecesora, <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film363992.html">la <em>Psicosis</em> de Alfred Hitchcock</a>. </p>
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<figcaption><span class="caption">Comparación de la famosa escena de la ducha en <em>Psicosis</em> y <em>Psycho</em>.</span></figcaption>
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<p>Un <em>reboot</em> (o reinicio), en cambio, ofrece una variación con respecto a la película que homenajea, modificando algunos elementos, bien porque estén superados por el contexto o incluso porque afectan a la sensibilidad de su coyuntura. El <em>reboot</em> se aleja más de su referente, pero sigue manteniendo relación sustancial con la versión inicial. </p>
<p>Un ejemplo de esto son las tres versiones de <em>Spiderman</em> que se han producido en las últimas décadas (la protagonizada por Tobey Maguire, la encarnada por Andrew Garfield y la de Tom Holland). Curiosamente, la última entrega con Holland, <em>Spider-Man: No Way Home</em>, abraza esta triplicidad y reúne a los tres <em>Spiderman</em>, justificando su existencia simultánea en universos paralelos.</p>
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<a href="https://images.theconversation.com/files/578870/original/file-20240229-26-drn68t.png?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=1000&fit=clip"><img alt="Tres actores diferentes visten el uniforme de Spiderman en una instalación industrial." src="https://images.theconversation.com/files/578870/original/file-20240229-26-drn68t.png?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/578870/original/file-20240229-26-drn68t.png?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=273&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/578870/original/file-20240229-26-drn68t.png?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=273&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/578870/original/file-20240229-26-drn68t.png?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=273&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/578870/original/file-20240229-26-drn68t.png?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=343&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/578870/original/file-20240229-26-drn68t.png?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=343&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/578870/original/file-20240229-26-drn68t.png?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=343&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px"></a>
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<span class="caption">Imagen de <em>Spider-Man: No Way Home</em>, en la que, de izquierda a derecha, aparecen como Spiderman Tom Holland, Tobey Maguire y Andrew Garfield.</span>
<span class="attribution"><span class="source">Netflix</span></span>
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<p>A todo ello ha de añadirse el concepto de <em>retcon</em> o retrocontinuidad (del inglés <em>retroactive continuity</em>), que engloba todas las estrategias diseñadas para modificar aspectos incongruentes o no deseados en las tramas de ciertas sagas, con la intención de dar continuidad mediante la adición, sustracción o modificación de aquello indeseable. Así, comienzan a extenderse precuelas y secuelas de forma progresiva, orbitando en torno a una producción original. A este respecto, <em>Star Wars</em> es el ejemplo más significativo, capaz de transformarse y modificar su pretérito y su futuro deliberadamente, para perdurar a lo largo de los años.</p>
<p>En las últimas décadas, especialmente en el siglo XXI, llama la atención el auge de estas adaptaciones, consideradas un síntoma de una crisis de creatividad o ausencia de gallardía a la hora de acometer proyectos novedosos. </p>
<p>Es cierto que la industria siempre ha sido proclive a adaptaciones rebuscadas. Piénsese que <em>Los siete magníficos</em>, de Antoine Fuqua, no es solo una película de 2016, sino <em>remake</em> <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film168098.html">del <em>western</em> dirigido por John Sturges en 1960</a>, <em>reboot</em> a su vez de <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film168398.html"><em>Los siete samuráis</em></a> (1954) de Akira Kurosawa. A pesar de ello, esto no es óbice para que, en los últimos tiempos, esta tendencia se haya hecho más patente.</p>
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<a href="https://images.theconversation.com/files/578884/original/file-20240229-26-ij7v2z.png?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=1000&fit=clip"><img alt="Tres carteles de cine diferentes, de Los siete samuráis y las dos versiones de Los siete magníficos, ilustran los diferentes remakes." src="https://images.theconversation.com/files/578884/original/file-20240229-26-ij7v2z.png?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/578884/original/file-20240229-26-ij7v2z.png?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=338&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/578884/original/file-20240229-26-ij7v2z.png?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=338&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/578884/original/file-20240229-26-ij7v2z.png?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=338&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/578884/original/file-20240229-26-ij7v2z.png?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=424&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/578884/original/file-20240229-26-ij7v2z.png?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=424&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/578884/original/file-20240229-26-ij7v2z.png?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=424&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px"></a>
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<span class="caption">Las diferentes versiones de ‘los siete…’, desde Kurosawa hasta Fuqua.</span>
<span class="attribution"><span class="source">FilmAffinity</span></span>
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<h2>El audiovisual en las últimas décadas</h2>
<p>Tanto en cine como en televisión se ha consolidado la inclinación a reproducir fórmulas de éxito pasadas, a fin de atraer al público y minimizar los riesgos de inversión. </p>
<p>Esto está justificado, parcialmente, en el caso del cine, debido a su coyuntura actual, con <a href="https://theconversation.com/tienen-futuro-las-salas-de-cine-191555">una crisis en las salas</a> y un desplazamiento de los espectadores hacia modos alternativos de consumo audiovisual (plataformas en <em>streaming</em> y productos <em>online</em>). </p>
<p>Sin embargo, esta tendencia también afecta a las series, entornos en los que triunfan producciones como las derivadas de <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film712041.html"><em>Star Wars</em></a> –léase <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film544948.html"><em>The Mandalorian</em></a>, <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film153316.html"><em>Andor</em></a> o <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film600350.html"><em>Ahsoka</em></a>– o la inminente llegada de <a href="https://efe.com/cultura/2023-04-13/warner-bros-discovery-arranca-la-produccion-de-la-serie-de-harry-potter/">la serie de <em>Harry Potter</em></a>. Incluso producciones españolas como <a href="https://www.youtube.com/watch?v=Uafg97czxeQ"><em>La casa de papel</em></a>, <a href="https://www.youtube.com/watch?v=DtAmFIsiC44"><em>Aquí no hay quien viva</em></a>, <a href="https://www.youtube.com/watch?v=kTy-wT2Atqk"><em>Los misterios de Laura</em></a> o <a href="https://www.youtube.com/watch?v=CzFwYkxnYdk"><em>Cuéntame cómo pasó</em></a> disponen de sus respectivos <em>remakes</em>. </p>
<p>Optimizar una fórmula de éxito y asegurar audiencia es, en última instancia, el motivo por el que se apuesta por emular producciones que triunfan. Por ello la taquillera <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Padre_no_hay_m%C3%A1s_que_uno_(franquicia)"><em>Padre no hay más que uno</em></a>, de Santiago Segura, es un <em>remake</em> de la argentina <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Mam%C3%A1_se_fue_de_viaje"><em>Mamá se fue de viaje</em></a>, dirigida por Ariel Winograd, y una de las cuatro versiones de esta película: <a href="https://fr.wikipedia.org/wiki/10_jours_sans_maman"><em>10 jours sans maman</em></a> en Francia, <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film391558.html"><em>10 días sin mamá</em></a> en Italia y <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film355906.html"><em>Mamá se fue de viaje</em></a> en México.</p>
<h2>Éxito de crítica y público</h2>
<p>Habida cuenta del éxito que obtienen, es evidente que la fórmula no ha llegado a saturar el mercado. De <a href="https://www.boxofficemojo.com/year/world/2023/">las diez películas más taquilleras de 2023 a nivel mundial</a>, solo tres de ellas no estaban basadas en productos audiovisuales previos: <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film506593.html"><em>Barbie</em></a> (la número uno), <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film294474.html"><em>Oppenheimer</em></a> (en tercer puesto) y <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film313208.html"><em>Elemental</em></a> (en el décimo).</p>
<p>De hecho, incluso los Premios Óscar han celebrado los <em>remakes</em>. En 2022 entregaron su máximo galardón a <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film193148.html"><em>CODA</em></a>, dirigida por Siân Heder, que no dejaba de ser la versión estadounidense de <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film406924.html"><em>La familia Bélier</em></a>, de Eric Lartigau. Y más de una década antes, el <em>remake</em> de la película hongkonesa <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Infernal_Affairs"><em>Infernal Affairs</em></a> le había dado a Martin Scorsese su primer Óscar gracias a <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film518309.html"><em>Infiltrados</em> (2006)</a>.</p>
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<iframe width="440" height="260" src="https://www.youtube.com/embed/YbbzaS8rcak?wmode=transparent&start=0" frameborder="0" allowfullscreen=""></iframe>
<figcaption><span class="caption">Martin Scorsese nunca había ganado un Óscar hasta que, en la ceremonia de 2007, su película <em>Infiltrados</em> fue galardonada como mejor película, mejor guion adaptado, mejor montaje y, por fin, mejor dirección. En su discurso de agradecimiento, Scorsese se acordaba del film original dirigido por Andrew Lau y Alan Mak, y añadía ‘ese maravilloso cine asiático’.</span></figcaption>
</figure>
<p>En la 96ª edición de los premios de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Estados Unidos, esta inclinación sigue vigente, con nominaciones a <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film213653.html"><em>Spider-Man: Cruzando el Multiverso</em></a>, <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film945258.html"><em>Misión imposible: Sentencia mortal</em></a> o <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film989177.html"><em>Indiana Jones y el dial del destino</em></a>. </p>
<p>Este hecho no es negativo <em>per se</em>, tan solo ilustra la vocación de minimizar los riesgos en taquilla, máxime en un momento delicado para la pervivencia de la industria. </p>
<p>Sin embargo, hay esperanza. Y es de recibo señalar que son muchos los títulos que rompen con esta tendencia ofreciendo guiones originales con enfoques novedosos, muestra de que el cine todavía tiene muchas historias que contar. <em>Anatomía de una caída</em>, <em>Oppenheimer</em>, <em>Pobres criaturas</em>, <em>La zona de interés</em> o <em>Barbie</em>, todas nominadas en la categoría de Mejor Película, siguen la estela de las premiadas en ediciones anteriores (<a href="https://www.filmaffinity.com/es/film506901.html"><em>Todo a la vez en todas partes</em></a> –2023–, <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film816686.html"><em>Nomadland</em></a> –2021– o <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film520465.html"><em>Parásitos</em></a> –2020–), relatos nunca antes llevados a la gran pantalla. </p>
<p>Esto denota que sigue habiendo interés en Hollywood por premiar un cine original que remita a un universo propio, sin reminiscencias pasadas.</p><img src="https://counter.theconversation.com/content/221940/count.gif" alt="The Conversation" width="1" height="1" />
<p class="fine-print"><em><span>Lucía Tello Díaz no recibe salario, ni ejerce labores de consultoría, ni posee acciones, ni recibe financiación de ninguna compañía u organización que pueda obtener beneficio de este artículo, y ha declarado carecer de vínculos relevantes más allá del cargo académico citado.</span></em></p>
Siete de las diez películas más taquilleras de 2023 estaban basadas en contenidos audiovisuales previos. ¿Ha muerto la originalidad en Hollywood?
Lucía Tello Díaz, Doctora y Profesora Titular de Cine. Directora Académica del Máster en Estudios Avanzados en Cinematografía de la Universidad Internacional de La Rioja, UNIR - Universidad Internacional de La Rioja
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2024-02-29T17:44:41Z
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¿Por qué está de moda la ficción criminal española?
<figure><img src="https://images.theconversation.com/files/578685/original/file-20240228-9322-1ljbi.jpg?ixlib=rb-1.1.0&rect=0%2C2%2C1596%2C895&q=45&auto=format&w=496&fit=clip" /><figcaption><span class="caption">Hovik Keuchkerian y Vicky Luengo en un fotograma de la adaptación de 'Reina roja', novela de misterio de Juan Gómez-Jurado.</span> <span class="attribution"><a class="source" href="https://www.filmaffinity.com/es/filmimages.php?movie_id=568341">FilmAffinity/Prime Video</a></span></figcaption></figure><p>Mucho se ha andado desde que, a mediados de los años cincuenta, el escritor y político <a href="https://www.uab.cat/web/nuestros-fondos/fondos-personales-o-institucionales/detall/fondo-rafael-tasis-1345733232440.html?elementid=1345716352449">Rafael Tasis</a> adaptara (y adoptara) en su literatura numerosos estereotipos de los personajes de la narrativa policiaca norteamericana de los años treinta. </p>
<p>La tradición continuó con <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Manuel_de_Pedrolo">Manuel de Pedrolo</a> en la década posterior y propiciaría el auge de autores como <a href="https://ajuntament.barcelona.cat/biblioteques/bibjaumefuster/es/canal/jaume-fuster">Jaume Fuster</a>, <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Juan_Madrid">Juan Madrid</a>, <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Andreu_Mart%C3%ADn">Andreu Martín</a>, <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Manuel_V%C3%A1zquez_Montalb%C3%A1n">Manuel Vázquez Montalbán</a>, <a href="https://www.cervantes.es/bibliotecas_documentacion_espanol/creadores/mendoza_eduardo.htm">Eduardo Mendoza</a> y <a href="https://dbe.rah.es/biografias/8414/juan-benet-goitia">Juan Benet</a> en los años setenta. </p>
<p>Durante décadas las obras escritas en España partían de las convenciones y fórmulas de la ficción <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Hard_boiled"><em>hard-boiled</em></a> estadounidense, el más truculento de los subgéneros de la novela negra. Pero las novelas españolas no eran una simple copia: se centraban tanto en proporcionar una mirada irónica y triste de la sociedad que llegaban a dejar los crímenes investigados en segundo plano. Y una de sus localizaciones favoritas <a href="https://doi.org/10.5209/rev_DICE.2014.v32.47149">era la ciudad de Barcelona</a>.</p>
<p>Desde entonces <a href="https://www.peterlang.com/document/1241349">se han diversificado los argumentos, las maneras de abordarlos y los lugares del crimen</a>, desde grandes ciudades a zonas rurales. Y el número de autores españoles que se leen fuera de nuestras fronteras sigue creciendo. Para hacernos una idea de algunas de las cosas que han hecho esto posible podemos mirar a tres de los autores más reconocidos internacionalmente.</p>
<h2>Pérez-Reverte y la mezcla de maestros</h2>
<p><a href="https://www.perezreverte.com/">Arturo Pérez-Reverte</a>, traducido a más de 40 idiomas, cuenta con numerosas obras versionadas en la gran pantalla, desde <a href="https://www.imdb.com/title/tt4194974/"><em>The Man from Rome</em></a> –basada en la novela <em>La piel del tambor</em>– hasta <a href="https://www.imdb.com/title/tt0142688/"><em>La novena puerta</em></a> –adaptación de <em>El Club Dumas</em>–, dirigida por Roman Polanski. </p>
<p>Pérez-Reverte siempre ha mostrado <a href="http://icorso.com/hemeroteca/maestros.htm">su predilección</a> por escritores como <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Alejandro_Dumas">Alejandro Dumas</a>, <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Joseph_Conrad">Joseph Conrad</a>, <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/John_Dos_Passos">John Dos Passos</a>, <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Agatha_Christie">Agatha Christie</a>, <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/W._Somerset_Maugham">William Somerset Maugham</a> y <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/John_le_Carr%C3%A9">John Le Carré</a>. Su primera incursión en el mundo del misterio y del crimen la realizó en su segunda novela, <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/El_maestro_de_esgrima"><em>El maestro de esgrima</em></a> (1988), al estilo de uno de los maestros del crimen internacional, <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Eric_Ambler">Eric Ambler</a>. En ella, el protagonista se ve envuelto en una situación detectivesca contra su voluntad y sale airoso. </p>
<p>Desde entonces, su novelística está llena de personajes que viven al filo, al estilo de Somerset Maugham, en donde no hay ni héroes totalmente buenos ni malos puros, como ocurre en las novelas de <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Noel_Behn">Noel Behn</a>, Ambler o Le Carré. </p>
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<a href="https://images.theconversation.com/files/578688/original/file-20240228-26-vuawct.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=1000&fit=clip"><img alt="Un hombre con traje se sienta delante de una mesa y lee detenidamente unas cartas." src="https://images.theconversation.com/files/578688/original/file-20240228-26-vuawct.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/578688/original/file-20240228-26-vuawct.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=338&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/578688/original/file-20240228-26-vuawct.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=338&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/578688/original/file-20240228-26-vuawct.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=338&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/578688/original/file-20240228-26-vuawct.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=424&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/578688/original/file-20240228-26-vuawct.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=424&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/578688/original/file-20240228-26-vuawct.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=424&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px"></a>
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<span class="caption">Johnny Deep en <em>La novena puerta</em>, la adaptación que Roman Polanski hizo de la novela de Arturo Pérez-Reverte <em>El club Dumas</em>.</span>
<span class="attribution"><a class="source" href="https://www.filmaffinity.com/es/filmimages.php?movie_id=568341">FilmAffinity</a></span>
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</figure>
<p>Cuando se introduce <a href="http://hdl.handle.net/20.500.12466/4000">en el mundo del espionaje profesional</a>, su protagonista, <a href="https://www.perezreverte.com/falco/">Lorenzo Falcó</a>, es cínico y no actúa siempre según las reglas. Como hacen los espías del británico <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Len_Deighton">Len Deighton</a>, Falcó prefiere jugarse el cuello en una misión a estar en la central de inteligencia, donde los enemigos son más difíciles de distinguir. Proclive a la obsesión, el personaje, al igual que Le Carré, compara el espionaje con una partida de ajedrez. Sabe, como los protagonistas de Ambler, que el peligro puede provenir del Estado para el que trabaja o de las personas de apariencia fina y educada. </p>
<p>Estas y otras características de Pérez-Reverte, que se hacen eco de las grandes firmas del crimen internacional, <a href="https://doi.org/10.24310/mumaedmumaed.8067">ayudan a la internacionalización de sus novelas</a>. </p>
<h2>Lo local es universal, según Dolores Redondo</h2>
<p>En el caso de <a href="https://www.planetadelibros.com/autor/dolores-redondo/000028850">Dolores Redondo</a>, la clave estaría en alejarse de la tradición inmediata y fijarse en los orígenes de la ficción criminal, en tiempos del Imperio romano. En efecto, el género ha contado a lo largo de los siglos con cierta intervención divina o sobrenatural hasta, prácticamente, el comienzo del siglo XX, dando lugar a una <a href="https://www.peterlang.com/document/1241349">confluencia de lo gótico y lo criminal</a>.</p>
<p>El hecho de que la acción de su policiaca <a href="https://www.planetadelibros.com/libro-estuche-trilogia-del-baztan/220899">trilogía del Baztán</a> tenga lugar en una pequeña comunidad del pirineo navarro supuso que varios editores la estimaran demasiado localista. Curiosamente, esta recreación de la sociedad matriarcal vasco-navarra ha sido uno de sus mayores atractivos para los lectores. </p>
<figure class="align-center zoomable">
<a href="https://images.theconversation.com/files/578693/original/file-20240228-22-178em0.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=1000&fit=clip"><img alt="Una mujer policía desciende por una cuesta en el bosque seguida de otros compañeros." src="https://images.theconversation.com/files/578693/original/file-20240228-22-178em0.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/578693/original/file-20240228-22-178em0.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=400&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/578693/original/file-20240228-22-178em0.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=400&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/578693/original/file-20240228-22-178em0.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=400&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/578693/original/file-20240228-22-178em0.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=503&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/578693/original/file-20240228-22-178em0.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=503&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/578693/original/file-20240228-22-178em0.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=503&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px"></a>
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<span class="caption">Marta Etura como Amaia Salazar en la adaptación al cine de <em>El guardián invisible</em>, primera entrega de la Trilogía del Baztán de Dolores Redondo.</span>
<span class="attribution"><a class="source" href="https://www.filmaffinity.com/es/filmimages.php?movie_id=735574">FilmAffinity</a></span>
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</figure>
<p>Para introducirnos en esa atmósfera peculiar, la inspectora Amaia Salazar sirve no solo para resolver los misterios y restablecer la tranquilidad en el valle del Baztán, sino para ejercer de mediadora entre el lector y un mundo en el que la mitología sigue estando presente. Su figura <a href="https://www.peterlang.com/document/1241349">guarda también relación</a> con la tradición iniciada por <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/L._T._Meade">L. T. Meade</a>, pionera en introducir el discurso científico en la ficción criminal a finales del siglo XIX. De hecho, Salazar hace gala de un impresionante currículo en el que se incluyen estancias con el FBI en Quantico y en Nueva Orleans. </p>
<p>Pese a la vinculación estadounidense, Redondo se distancia de las series norteamericanas en las que se resuelven casos con gran celeridad y en las que los investigadores se intercambian notas e informes por encima de un cadáver que, en el mejor de los casos, no deja de desprender gases y olores nauseabundos. </p>
<p><a href="https://doi.org/10.1353/hpn.2022.0009">El trabajo de Amaia Salazar</a>, al contrario que el de muchos de los detectives solitarios masculinos, se apoya en su equipo. Así se ve también en <a href="https://www.planetadelibros.com/libro-la-cara-norte-del-corazon/300666"><em>La cara norte del corazón</em></a>, en la que se conocen los orígenes de la inspectora al tiempo que Redondo adentra al lector en los mundos del vudú y del <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Hoodoo"><em>hoodoo</em></a>. </p>
<p>Su gran recepción se remató con las versiones cinematográficas de la Trilogía del Baztán, mientras que <em>La cara norte del corazón</em>, por su parte, <a href="https://www.elcorreo.com/pantallas/cine/dolores-redondo-salta-20211111202649-ntrc.html?ref=https%3A%2F%2Fwww.elcorreo.com%2Fpantallas%2Fcine%2Fdolores-redondo-salta-20211111202649-ntrc.html">será adaptada para una serie de televisión estadounidense</a>.</p>
<h2>Todo es cinematográfico para Gómez-Jurado</h2>
<p><a href="https://juangomezjurado.com/">Juan Gómez-Jurado</a>, uno de los autores más leídos en castellano y autor de <em>Reina roja</em>, ha colaborado en la adaptación de esta novela para la pequeña pantalla. <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film568341.html">La serie</a> se beneficia del hecho de que las novelas tengan <a href="https://www.elespanol.com/series/amazon-prime-video/20240122/camaras-reina-roja-serie-amazon-antonia-jon-nuevos-quijote-sancho/826167380_0.html">un ritmo y un estilo muy cinematográficos</a>.</p>
<figure class="align-right zoomable">
<a href="https://images.theconversation.com/files/578684/original/file-20240228-22-kt21dh.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=1000&fit=clip"><img alt="Contrapicado de una mujer joven y un hombre detrás de ella que empuña un arma." src="https://images.theconversation.com/files/578684/original/file-20240228-22-kt21dh.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=237&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/578684/original/file-20240228-22-kt21dh.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=750&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/578684/original/file-20240228-22-kt21dh.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=750&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/578684/original/file-20240228-22-kt21dh.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=750&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/578684/original/file-20240228-22-kt21dh.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=943&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/578684/original/file-20240228-22-kt21dh.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=943&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/578684/original/file-20240228-22-kt21dh.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=943&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px"></a>
<figcaption>
<span class="caption">Vicky Luengo y Hovik Keuchkerian como Antonia Scott y Jon, protagonistas de <em>Reina roja</em>.</span>
<span class="attribution"><a class="source" href="https://www.filmaffinity.com/es/filmimages.php?movie_id=568341">FilmAffinity/Prime Video</a></span>
</figcaption>
</figure>
<p>En el libro, esto se aprecia en los capítulos cortos titulados a modo de <em>storyboard</em>: “Un encargo”, “Un flashback”, “Un baile”… Pero, sobre todo, se ve en las referencias a diversas series y películas. De <em>La naranja mecánica</em>, por ejemplo, toma parcialmente el experimento de obligar a alguien a mirar una pantalla y reproducir un carrusel de imágenes entre las que se inserta material gráfico extremadamente violento. Se ríe de <em>CSI: Las Vegas</em> al comentar que un <em>software</em> de medio billón de euros que usan en la novela apareciese hace tiempo en la serie cuando la tecnología estaba a lustros de ser viable. </p>
<p>También menciona al director de cine <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/John_Carpenter">John Carpenter</a>, famoso, entre otras cosas, por su actualización de la fórmula popularizada por <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Howard_Hawks">Howard Hawks</a> de mostrar a grupo pequeño de gente cercada por un número considerable de enemigos. Gómez-Jurado recupera el referente situando el asedio en una cabaña en el bosque de Rascafría. </p>
<p>Pero su estilo también presenta similitudes con autores como <a href="https://www.youtube.com/watch?app=desktop&v=rxdPdkURMDk">Pérez-Reverte</a>, <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Michael_Connelly">Michael Connelly</a> –creador del detective Harry Bosch, también <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film422210.html">con serie propia</a>–, <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Patricia_Highsmith">Patricia Highsmith</a> –y su talentoso asesino Tom Ripley–, <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Sara_Paretsky">Sara Paretsky</a> –cuya brillante detective Warshawski <a href="https://www.peterlang.com/document/1241349">afirma seguir el método de Sherlock Holmes</a>– y, por supuesto, con el personaje creado por <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Arthur_Conan_Doyle">Arthur Conan Doyle</a> y con su némesis, Moriarty. </p>
<p>La clave en estos tres casos radica, por tanto, en una combinación de fórmulas que han demostrado una gran recepción por parte del público a nivel mundial con elementos fácilmente reconocibles de la cultura española. Estos detalles precisos y locales contribuyen, junto a todo lo demás, a recrear la experiencia humana. Y esto, a fin de cuentas, es lo que importa.</p><img src="https://counter.theconversation.com/content/224121/count.gif" alt="The Conversation" width="1" height="1" />
<p class="fine-print"><em><span>Emilio L. Ramón García recibe fondos del Proyecto competitivo subvencionado CIAICO/2022/226 para grupos de investigación consolidados. AICO 2023, de la Conselleria de Educación, Universidades y Empleo correspondientes a la convocatoria establecida en el anexo X de la Resolución de 6 de octubre de 2022, de la Conselleria de Innovación, Universidades, Ciencia y Sociedad Digital (DOGV núm. 9449 de 14.10.2021)</span></em></p>
La adaptación de la novela policiaca de Juan Gómez-Jurado ‘Reina roja’ sirve de excusa para repasar algunos de los grandes éxitos del género literario en España.
Emilio L. Ramón García, Profesor de Literatura, Universidad Católica de Valencia
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2024-02-29T17:44:34Z
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Lo que cuentan las nominadas al Óscar 2024
<figure><img src="https://images.theconversation.com/files/577880/original/file-20240226-16-7nnoo9.jpg?ixlib=rb-1.1.0&rect=6%2C19%2C4243%2C2803&q=45&auto=format&w=496&fit=clip" /><figcaption><span class="caption">Varios ganadores del Óscar en ediciones pasadas muestran sus trofeos.</span> <span class="attribution"><a class="source" href="https://www.shutterstock.com/es/image-photo/joel-cohen-ethan-scott-rudin-80th-87610327">Featureflash Photo Agency/Shutterstock</a></span></figcaption></figure><p><em>Con motivo de la próxima gala de los Premios Óscar, el 10 de marzo, le hemos pedido a diez expertos en los temas que trata cada una de las candidatas a Mejor Película que nos hagan una breve reseña sobre ellas. Estas son sus conclusiones.</em></p>
<hr>
<h2>Escribir sobre los estereotipos en <em>American Fiction</em></h2>
<p>La cuestión de la inclusividad en los Óscar está siendo un debate polémico en los últimos años. Que este año esté <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film779260.html"><em>American Fiction</em></a> entre las diez nominadas a mejor película parece una reflexión tan pertinente y, al mismo tiempo, irónica como lo es el propio film.</p>
<p>Basada en la novela <a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Erasure_(novel)"><em>Erasure</em></a> de Percival Everett, la película plantea cuestiones como la inclusividad real que existe detrás de la representación estereotipada de una comunidad (en este caso la afroamericana) en el arte si dicha representación deja fuera a parte de dicha comunidad e incluso puede resultar ofensiva para quienes no se sienten identificados con ella. </p>
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<a href="https://images.theconversation.com/files/578903/original/file-20240229-22-ly0je2.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=1000&fit=clip"><img alt="Dos hombres y una mujer negros cargan cajas de cartón de mudanza mientras pasean por la calle." src="https://images.theconversation.com/files/578903/original/file-20240229-22-ly0je2.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/578903/original/file-20240229-22-ly0je2.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=400&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/578903/original/file-20240229-22-ly0je2.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=400&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/578903/original/file-20240229-22-ly0je2.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=400&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/578903/original/file-20240229-22-ly0je2.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=503&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/578903/original/file-20240229-22-ly0je2.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=503&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/578903/original/file-20240229-22-ly0je2.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=503&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px"></a>
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<span class="caption">Sterling K. Brown, Jeffrey Wright y Erika Alexander en una imagen de <em>American Fiction</em>, de Cord Jefferson.</span>
<span class="attribution"><a class="source" href="https://www.filmaffinity.com/es/film779260.html">FilmAffinity</a></span>
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<p>Es decir, ¿es una historia “negra” el relato de una familia afroamericana de clase media con una casa en la playa? ¿O solo lo es la de una banda violenta del gueto? “Es primordial escuchar a las voces negras ahora” se dice repetidamente en la película. Pero al mismo tiempo se cuestiona qué deben contar exactamente esas voces y quién tiene la autoridad moral para contar ciertas historias.</p>
<p>Esas son las preguntas que le surgen al protagonista, Thelonious Ellison, para las que la respuesta no puede ser –perdonen el juego de palabras– blanca ni negra. El propio Ellison llega a esa conclusión tras escribir una novela con la estereotipación que él desprecia. Sí, dicha representación no es realmente inclusiva; sí, esas historias pueden ser contadas y consumidas por personas ajenas a esa realidad. Pero también siguen siendo lo que la sociedad demanda. </p>
<p>Quizá, propone <em>American Fiction</em>, la pregunta pertinente no es tanto si la representación es necesaria, o si dicha inclusión es real o forzada, sino el porqué de esa demanda. ¿Podemos acallar nuestras conciencias mientras damos visibilidad a problemas reales pero estereotipados? Cada uno que juzgue por sí mismo.</p>
<p><strong><em><a href="https://theconversation.com/profiles/patricia-san-jose-rico-1515095">Patricia San José Rico</a>, profesora de Filología Inglesa especializada en el estudio del trauma en la literatura afroamericana contemporánea, Universidad de Valladolid.</em></strong> </p>
<hr>
<h2>No es ser inocente, sino probarlo en <em>Anatomía de una caída</em></h2>
<p>Bien podía la directora Justine Triet haber titulado su obra “Anatomía de un proceso” pues toda la cinta encierra una interesante reflexión sobre relevantes conceptos procesales: presunción de inocencia, garantías para entender el proceso y ser entendido en él, relevancia de la actividad probatoria, prueba indiciaria, acusación y defensa, principio <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/In_dubio_pro_reo"><em>in dubio pro reo</em></a> (es decir, ante la duda, a favor del reo)…</p>
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<a href="https://images.theconversation.com/files/577950/original/file-20240226-20-ru3mmd.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=1000&fit=clip"><img alt="Un hombre y una mujer discuten ante unas montañas." src="https://images.theconversation.com/files/577950/original/file-20240226-20-ru3mmd.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/577950/original/file-20240226-20-ru3mmd.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=338&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/577950/original/file-20240226-20-ru3mmd.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=338&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/577950/original/file-20240226-20-ru3mmd.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=338&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/577950/original/file-20240226-20-ru3mmd.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=424&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/577950/original/file-20240226-20-ru3mmd.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=424&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/577950/original/file-20240226-20-ru3mmd.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=424&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px"></a>
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<span class="caption">Swann Arlaud y Sandra Hüller en un fotograma de <em>Anatomía de una caída</em>, de Justine Triet.</span>
<span class="attribution"><a class="source" href="https://www.imdb.com/title/tt17009710/">IMDB</a></span>
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<p>Prácticamente los 150 minutos de <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film108208.html">la película</a> se centran en el juicio a Sandra, no solo juzgada por el hecho que se le imputa sino por todo: por su forma de entender la pareja, por su manera de vivir la maternidad, por sus preferencias sexuales, por su dedicación al trabajo… </p>
<p>Sandra debe demostrar su inocencia en un ejercicio de activa defensa, aunque en los ordenamientos modernos corresponda a la acusación la carga de probar la culpabilidad más allá de toda duda. El proceso contra Sandra se convierte en un lugar donde se analizan todos los aspectos de su vida y peculiar personalidad. Todo parece estar en su contra, porque la acusación sabe que, si no tiene éxito, no se producirá la condena.</p>
<p>Sin embargo, lo que queda probado en el juicio del filme no es su culpabilidad o inocencia, sino otra idea: no es lo que sabemos que somos, sino cómo aparecemos ante el juzgador. </p>
<p><strong><em><a href="https://theconversation.com/profiles/rosa-rodriguez-bahamonde-1054227">Rosa Rodríguez Bahamonde</a>, profesora de Derecho Procesal, Universidad de Las Palmas de Gran Canaria.</em></strong></p>
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<h2>El feminismo neoliberal de <em>Barbie</em></h2>
<p>Como milenial, he crecido jugando con Barbie. Por eso, al igual que muchas mujeres de mi generación, acudí a la sala de cine con curiosidad por comprobar cómo se las habría ingeniado Greta Gerwig, directora y coguionista de la película, para no caer en la perpetuación de un discurso patriarcal a la hora de representar a la muñeca de Mattel. </p>
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<a href="https://images.theconversation.com/files/577871/original/file-20240226-24-yg36tj.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=1000&fit=clip"><img alt="Una mujer vestida de rosa, de espaldas, saluda a un pueblo entero rosa." src="https://images.theconversation.com/files/577871/original/file-20240226-24-yg36tj.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/577871/original/file-20240226-24-yg36tj.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=286&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/577871/original/file-20240226-24-yg36tj.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=286&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/577871/original/file-20240226-24-yg36tj.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=286&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/577871/original/file-20240226-24-yg36tj.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=359&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/577871/original/file-20240226-24-yg36tj.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=359&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/577871/original/file-20240226-24-yg36tj.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=359&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px"></a>
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<span class="caption">Margot Robbie, de espaldas, en un fotograma de <em>Barbie</em>, de Greta Gerwig.</span>
<span class="attribution"><a class="source" href="https://www.filmaffinity.com/es/filmimages.php?movie_id=506593">FilmAffinity</a></span>
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<p><a href="https://www.filmaffinity.com/es/film506593.html">La película</a> sorprende por la capacidad de la directora para humanizar a Barbie, que deja de ser un objeto para convertirse en un sujeto sintiente. Gerwig acaba con el sueño ideal de Barbie, la despoja de su falsa alegría mostrando que los ideales de belleza y forma de vida que proyecta son inalcanzables. </p>
<p>¿Supone esta reconfiguración de Barbie la muerte del sueño americano? Quizás sí, pero lo cierto es que Gerwig no escapa a la reproducción de los ideales postfeministas y neoliberales centrados en la autosuperación y la creencia de que los problemas colectivos han de superarse individualmente. Es una buena película para echar unas risas mientras vemos cómo el capitalismo avanza y se reapropia de los últimos reductos de lucha social, como el feminismo. </p>
<p><strong><em><a href="https://theconversation.com/profiles/maria-medina-vicent-1393611">María Medina-Vicent</a>, profesora de Filosofía y estudiosa de la teoría política feminista, Universitat Jaume I.</em></strong></p>
<hr>
<h2>La banalidad del mal de <em>La zona de interés</em></h2>
<p><a href="https://www.filmaffinity.com/es/film655530.html">La película</a> refleja de forma diáfana el concepto “la banalidad del mal”, acuñado por Hannah Arendt en su libro sobre el nazi <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Adolf_Eichmann">Adolf Eichmann</a>. Lo hace a través de la actitud que adoptan los integrantes de la familia del comandante de Auschwitz durante la segunda guerra mundial, en un hogar idílico que prácticamente comparte pared con el campo de concentración.</p>
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<a href="https://images.theconversation.com/files/578615/original/file-20240228-27-udrucs.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=1000&fit=clip"><img alt="Una mujer observa unas flores mientras se las enseña a un bebé que lleva en brazos." src="https://images.theconversation.com/files/578615/original/file-20240228-27-udrucs.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/578615/original/file-20240228-27-udrucs.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=338&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/578615/original/file-20240228-27-udrucs.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=338&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/578615/original/file-20240228-27-udrucs.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=338&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/578615/original/file-20240228-27-udrucs.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=424&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/578615/original/file-20240228-27-udrucs.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=424&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/578615/original/file-20240228-27-udrucs.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=424&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px"></a>
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<span class="caption">Sandra Hüller en una escena de <em>La zona de interés</em>, de Jonathan Glazer, en el hogar de la familia protagonista pegado al campo de concentración.</span>
<span class="attribution"><a class="source" href="https://www.filmaffinity.com/es/filmimages.php?movie_id=655530">FilmAffinity</a></span>
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<p>El director, Jonathan Glazer, concede todo el protagonismo a la vida cotidiana que transcurre, serena y apacible, a este lado de la alambrada, ignorando los gritos y sonidos de una máquina de tren que se perciben (porque nunca se ven) al otro lado del muro. </p>
<p>La escena de la esposa probándose un vestido de una mujer judía y pintándose los labios con una barra encontrada en el bolsillo de un abrigo de piel, o la diversión de uno de sus hijos pequeños jugando con muelas de oro, dejan patente la indiferencia de la familia, su frialdad y falta de compasión. </p>
<p>La banalidad del mal cobra fuerza igualmente en el comportamiento del marido, Rudolf Hoss, quien, carente de sensibilidad y conciencia moral, abusa sexualmente de una prisionera y se despreocupa por las consecuencias de sus deseos. Como si el exterminio y la incineración –que son sugeridos a través del humo incesante de la chimenea– no tuvieran que ver nada con él. </p>
<p><strong><em><a href="https://theconversation.com/profiles/francisco-javier-blazquez-ruiz-1366061">Francisco Javier Blázquez Ruiz</a>, catedrático de Filosofía del Derecho, Bioética e Inteligencia Artificial, Universidad Pública de Navarra.</em></strong></p>
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<h2>La responsabilidad de conocer el pasado en <em>Los asesinos de la luna</em></h2>
<p>Martin Scorsese nos plantea en <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film970587.html"><em>Los asesinos de la luna</em></a> un drama histórico ubicado en la Oklahoma de los años 20 que cuenta la historia de un <a href="https://www.youtube.com/watch?v=HYllsqLcgik">crimen invisibilizado que se cometió en la nación Osage</a>.</p>
<p>La película muestra algo de lo que la <a href="https://sde.ok.gov/sites/default/files/documents/files/Oklahoma%20Academic%20Standards%20for%20Social%20Studies%205.21.19.pdf">historia de los Estados Unidos no se ha ocupado demasiado</a> y que <a href="https://doi.org/10.2307/j.ctv2r4kxc8">no se enseña</a> de forma generalizada: <a href="https://www.jstor.org/stable/j.ctt46nvt7">la expoliación capitalista y el colonialismo histórico salvaje hacia los pueblos originarios americanos</a>. </p>
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<a href="https://images.theconversation.com/files/577868/original/file-20240226-20-pdp5g8.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=1000&fit=clip"><img alt="Una pareja de un hombre caucásico y una mujer nativa americana se abrazan en medio de un campo." src="https://images.theconversation.com/files/577868/original/file-20240226-20-pdp5g8.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/577868/original/file-20240226-20-pdp5g8.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=337&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/577868/original/file-20240226-20-pdp5g8.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=337&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/577868/original/file-20240226-20-pdp5g8.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=337&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/577868/original/file-20240226-20-pdp5g8.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=423&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/577868/original/file-20240226-20-pdp5g8.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=423&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/577868/original/file-20240226-20-pdp5g8.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=423&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px"></a>
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<span class="caption">Leonardo DiCaprio y Lily Gladstone en un fotograma de <em>Los asesinos de la luna</em>, de Martin Scorsese.</span>
<span class="attribution"><a class="source" href="https://www.filmaffinity.com/es/filmimages.php?movie_id=970587">FilmAffinity</a></span>
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<p>Dar voz a este tipo de historias en la actualidad es parte de un movimiento social y cultural en auge. Sin embargo, sería bueno considerar estos relatos desde una perspectiva <a href="https://www.jstor.org/stable/j.ctv2vr8tm0.9">decolonial</a> y narrarlos, otrora sesgados y minimizados, desde las propias <a href="https://www.jstor.org/stable/26372211">comunidades</a> con la voz de sus integrantes. Ya existen <a href="https://enriquedussel.com/txt/Textos_200_Obras/Filosofias_pueblos_originarios/Escucha_winka-Varios_autores.pdf">ejemplos</a> en otros países del mundo. </p>
<p>La producción de este tipo de películas genera un impacto importante, pero lo es aún más la existencia de una reforma estructural en los currículos escolares de Historia, pues allí sigue existiendo un ensordecedor silencio al respecto.</p>
<p><strong><em><a href="https://theconversation.com/profiles/gonzalo-andres-garcia-fernandez-505572">Gonzalo Andrés García Fernández</a>, historiador especializado en enseñanza de la historia, Universidad de Alcalá.</em></strong></p>
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<h2>La soledad en <em>Los que se quedan</em></h2>
<p>Un profesor cascarrabias, un estudiante problemático y una jefa de cocina que ha perdido a su hijo en la guerra de Vietnam son “<a href="https://www.filmaffinity.com/es/film119599.html">los que se quedan</a>” durante la Navidad de 1970 en la Barton Academy, un internado de élite en Nueva Inglaterra (EE. UU.).</p>
<p>En la historia enseguida se evidencia la soledad de cada personaje, derivada de la carencia de relaciones interpersonales afectivas y significativas. La convivencia obligada de los tres es inicialmente explosiva y está cargada de emociones negativas de rabia y amargura –en el caso del profesor Hunham–, abandono y desamparo –en Angus, el estudiante– y duelo y tristeza –en Mary, la cocinera–. </p>
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<a href="https://images.theconversation.com/files/577873/original/file-20240226-30-ifaevt.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=1000&fit=clip"><img alt="Un adolescente, una mujer y un cincuentón hablan en la calle de noche." src="https://images.theconversation.com/files/577873/original/file-20240226-30-ifaevt.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/577873/original/file-20240226-30-ifaevt.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=400&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/577873/original/file-20240226-30-ifaevt.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=400&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/577873/original/file-20240226-30-ifaevt.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=400&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/577873/original/file-20240226-30-ifaevt.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=503&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/577873/original/file-20240226-30-ifaevt.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=503&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/577873/original/file-20240226-30-ifaevt.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=503&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px"></a>
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<span class="caption">Dominic Sessa, Da'Vine Joy Randolph y Paul Giamatti en un fotograma de <em>Los que se quedan</em>.</span>
<span class="attribution"><a class="source" href="https://www.filmaffinity.com/es/film119599.html">FilmAffinity</a></span>
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<p>Sin embargo, con el paso de los días, en el trato cotidiano y, especialmente, durante el furtivo viaje a Boston del profesor y el estudiante, las personas de esta obligada familia navideña se van abriendo a la comunicación, la empatía, la ayuda, la complicidad y el disfrute conjunto. La soledad va dejando paso al logro de, finalmente, tejer lazos afectivos de amistad, compromiso y preocupación por el bienestar del otro.</p>
<p>La película, hecha con gran sensibilidad, provoca la cercanía con los personajes y nos invita a pensar.</p>
<p><strong><em><a href="https://theconversation.com/profiles/ines-monjas-casares-1307170">Inés Monjas Casares</a>, profesora de Psicología, Universidad de Valladolid.</em></strong></p>
<hr>
<h2>Ser director de orquesta en <em>Maestro</em></h2>
<p>Vivir con un genio no debe ser fácil, y sin duda Leonard Bernstein lo era. Su carismática personalidad y su enorme versatilidad le granjearon no solamente un merecido prestigio sino una popularidad inusual en el universo de la música clásica. Definido como un <a href="https://www.townandcountrymag.com/leisure/arts-and-culture/a45511561/leonard-bernstein-renaissance-man/"><em>hombre del Renacimiento</em></a>, destacó como director orquestal, dotado de una expresividad que, lamentablemente, en <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film608753.html"><em>Maestro</em></a> se torna en un histrionismo muy alejado de la elegancia natural del personaje. </p>
<figure class="align-center zoomable">
<a href="https://images.theconversation.com/files/577865/original/file-20240226-28-bu6z2s.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=1000&fit=clip"><img alt="Un hombre de pelo blanco y con camisa habla gesticulando con las manos." src="https://images.theconversation.com/files/577865/original/file-20240226-28-bu6z2s.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/577865/original/file-20240226-28-bu6z2s.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=450&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/577865/original/file-20240226-28-bu6z2s.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=450&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/577865/original/file-20240226-28-bu6z2s.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=450&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/577865/original/file-20240226-28-bu6z2s.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=566&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/577865/original/file-20240226-28-bu6z2s.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=566&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/577865/original/file-20240226-28-bu6z2s.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=566&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px"></a>
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<span class="caption">Bradley Cooper como Leonard Bernstein en <em>Maestro</em>, también dirigida por él.</span>
<span class="attribution"><a class="source" href="https://www.filmaffinity.com/es/filmimages.php?movie_id=608753">FilmAffinity</a></span>
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<p>Menos conocida es su obra compositiva, que combina lo popular con lo clásico, lo mundano con lo trascendente. Fue también un magnífico <a href="https://youtu.be/cTO77dwm6uk?si=eZLLtqyjxdI0NdX1">pianista</a>, <a href="https://www.youtube.com/playlist?list=PL6DY3I6m2_i8B3Wb3rxPNxXEPavny4QdD">docente</a> y <a href="https://www.goodreads.com/author/list/41906.Leonard_Bernstein">escritor</a>. </p>
<p>La película intenta retratar su ansia de no renunciar a nada en la vida, de explorar todas sus facetas, con el correspondiente impacto en su ámbito personal y en su matrimonio con Felicia Montealegre. Desafortunadamente, este retrato se torna en una injusta caricatura del personaje que desdibuja sus logros. Compensémoslo aprendiendo de sus maravillosos <a href="https://www.youtube.com/playlist?list=PLU0HyYmOgH8Xn06fDThwLDh95igfZpurQ"><em>conciertos para jóvenes</em></a>, que consiguieron generar en el gran público el amor por la música clásica que fue el centro de su vida.</p>
<p><strong><em><a href="https://theconversation.com/profiles/cristina-simon-1479866">Cristina Simón</a>, profesora en IE University, musicóloga e investigadora de la organización de equipos en el mundo de las orquestas.</em></strong></p>
<hr>
<h2>El dilema de <em>Oppenheimer</em></h2>
<p><a href="https://www.filmaffinity.com/es/film294474.html"><em>Oppenheimer</em></a> narra la historia de J. Robert Oppenheimer, un físico teórico cuyo papel fue crucial en el desarrollo de la primera bomba atómica durante del Proyecto Manhattan, un acontecimiento que marcó el comienzo de la era atómica. La película dirigida por Christopher Nolan se inspira en el libro biográfico de 2005 sobre el físico, <a href="https://www.penguinlibros.com/es/libro-de-biografias/314084-libro-prometeo-americano-9788418967986"><em>Prometeo americano</em></a>, escrito por Kai Bird y Martin J. Sherwin.</p>
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<a href="https://images.theconversation.com/files/577869/original/file-20240226-22-gty4lp.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=1000&fit=clip"><img alt="Un hombre con gafas observa a través de un ventanuco una luz blanca." src="https://images.theconversation.com/files/577869/original/file-20240226-22-gty4lp.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/577869/original/file-20240226-22-gty4lp.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=375&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/577869/original/file-20240226-22-gty4lp.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=375&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/577869/original/file-20240226-22-gty4lp.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=375&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/577869/original/file-20240226-22-gty4lp.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=471&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/577869/original/file-20240226-22-gty4lp.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=471&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/577869/original/file-20240226-22-gty4lp.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=471&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px"></a>
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<span class="caption">Cillian Murphy en un fotograma de <em>Oppenheimer</em>, de Christopher Nolan.</span>
<span class="attribution"><a class="source" href="https://www.filmaffinity.com/es/filmimages.php?movie_id=294474">FilmAffinity</a></span>
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<p>Pero además aborda otro aspecto fundamental: la moralidad de los avances científicos. Oppenheimer se vio profundamente afectado por el poder destructivo de sus descubrimientos y comenzó a cuestionarse las implicaciones morales de su creación. <a href="http://large.stanford.edu/courses/2016/ph241/anderson1/">Este dilema</a> lo acompañó el resto de su vida: ¿acaso la bomba sería promotora de vida gracias a la energía nuclear, o se convertirá en el destructor del mundo? </p>
<p>Finalmente, Oppenheimer empleó su posición como asesor jefe en la creada Comisión de Energía Atómica para detener la <a href="https://ethic.es/2021/05/oppenheimer-el-cientifico-hereje-que-lucho-contra-la-bomba-atomica-despues-de-crearla/">expansión de armas nucleares</a>. </p>
<p><strong><em><a href="https://theconversation.com/profiles/victor-javier-llorente-lazaro-1458382">Víctor Javier Llorente Lázaro</a>, investigador en Mecánica de Fluidos y Matemática Aplicada, Universidad de Granada.</em></strong></p>
<hr>
<h2>La mirada masculina en <em>Pobres criaturas</em></h2>
<p>Muchas conversaciones sobre <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film270023.html"><em>Pobres criaturas</em></a> giran alrededor de la pregunta de si el personaje de Bella Baxter es feminista. La película, desde luego, es muchas cosas: visualmente vibrante, entretenida y de una exquisitez estética que, efectivamente, acompaña a Bella en su viaje de asombro y autodescubrimiento. También es verdad que toca varios temas que el movimiento feminista ha reivindicado siempre: poner en evidencia el patriarcado y sus mecanismos, la lucha por la autonomía, la liberación del escrutinio social, etc. </p>
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<a href="https://images.theconversation.com/files/578547/original/file-20240228-28-9d733e.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=1000&fit=clip"><img alt="Una mujer vestida con un traje amarillo y con los labios rojos mira al horizonte." src="https://images.theconversation.com/files/578547/original/file-20240228-28-9d733e.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/578547/original/file-20240228-28-9d733e.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=314&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/578547/original/file-20240228-28-9d733e.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=314&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/578547/original/file-20240228-28-9d733e.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=314&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/578547/original/file-20240228-28-9d733e.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=395&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/578547/original/file-20240228-28-9d733e.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=395&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/578547/original/file-20240228-28-9d733e.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=395&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px"></a>
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<span class="caption">Emma Stone, protagonista de <em>Pobres criaturas</em>, de Yorgos Lanthimos.</span>
<span class="attribution"><a class="source" href="https://www.filmaffinity.com/es/filmimages.php?movie_id=270023">FilmAffinity</a></span>
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<p>Sin embargo, Bella parece ser la enésima víctima de la mirada masculina, no solo de los personajes que la quieren poseer y controlar, sino también –y a pesar de todo– de los creadores de la película. Es una mirada que no ve a Bella como una mujer de carne y hueso, sino que la pone en un pedestal, venerada inicialmente como virgen, más adelante como prostituta feliz y finalmente como <em>femme fatale</em> inalcanzable. Eso sí, siempre empoderada y con agencia.</p>
<p>Este “empoderamiento” recuerda a las representaciones posfeministas del <em>girl power</em> de finales de los años 90 y los 2000. En la retórica posfeminista, la libre elección, como la que ostenta Bella, es simplemente un discurso que oculta nuevas formas de sexualización y cosificación de las mujeres jóvenes (guapas, cis-hetero, blancas y de clase media, por cierto). </p>
<p>Por esto, y muchas otras razones, <em>Pobres Criaturas</em> parece más una fantasía masculina, metida en un –maravilloso– embalaje de película de autor, que un film feminista.</p>
<p><strong><em><a href="https://theconversation.com/profiles/cilia-willem-1473453">Cilia Willem</a>, profesora e investigadora, dirige la Unidad de Igualdad de la Universitat Rovira i Virgili.</em></strong></p>
<hr>
<h2>Sentirse extranjera en <em>Vidas pasadas</em></h2>
<p><a href="https://www.filmaffinity.com/es/film450022.html"><em>Vidas pasadas</em></a> es una película magnífica que contiene emoción, reflexión y también algo de tristeza. Es una película sobre el amor y los espejismos del yo en una situación de migración internacional, sobre las vidas que pudieron ser y no fueron cuando uno se traslada a otro a país y deja el propio atrás.</p>
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<a href="https://images.theconversation.com/files/577949/original/file-20240226-22-7bvm8v.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=1000&fit=clip"><img alt="Un hombre coreano mira a una mujer coreana delante de un tiovivo." src="https://images.theconversation.com/files/577949/original/file-20240226-22-7bvm8v.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/577949/original/file-20240226-22-7bvm8v.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=338&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/577949/original/file-20240226-22-7bvm8v.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=338&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/577949/original/file-20240226-22-7bvm8v.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=338&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/577949/original/file-20240226-22-7bvm8v.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=424&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/577949/original/file-20240226-22-7bvm8v.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=424&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/577949/original/file-20240226-22-7bvm8v.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=424&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px"></a>
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<span class="caption">Yoo Teo y Greta Lee en un fotograma de <em>Vidas pasadas</em>, de Celine Song.</span>
<span class="attribution"><a class="source" href="https://www.filmaffinity.com/es/film450022.html">FilmAffinity</a></span>
</figcaption>
</figure>
<p>La película, a través del personaje de la protagonista, Nora, habla de la experiencia de vivir entre dos mundos: el de origen, donde se creció, se aprendió el lenguaje y la cultura, y al que se perteneció; y el nuevo, el de acogida, al que los migrantes tienen que aprender a adaptarse, mientras, habitualmente, sufren rechazo y son representados de forma negativa, como extraños que no forman parte de la comunidad local y nacional.</p>
<p>Sin embargo, y a pesar de su belleza, <em>Vidas pasadas</em> no habla de la experiencia colectiva de la migración, sino sencillamente de una forma concreta de migrar e integrarse en la nueva sociedad. Es una forma significativa pero minoritaria: por elección y en buena situación económica.</p>
<p>A diferencia de los protagonistas, la mayoría de los inmigrantes en nuestros países son incorporados “en el fondo” de la estructura social, y deben vivir sus historias no solo entre dos mundos, sino desde condiciones de vida y trabajo tremendamente restrictivas y vulnerables.</p>
<p><strong><em><a href="https://theconversation.com/profiles/juan-iglesias-martinez-1167176">Juan Iglesias Martínez</a>, investigador y profesor del Instituto Universitario de Estudios sobre Migraciones, Universidad Pontificia Comillas</em>.</strong></p><img src="https://counter.theconversation.com/content/223240/count.gif" alt="The Conversation" width="1" height="1" />
<p class="fine-print"><em><span>Gonzalo Andrés García Fernández ha recibido fondos públicos de investigación en el marco de las Ayudas Margarita Salas, en los cursos 2022 y 2023. Actualmente, desde el 1 de marzo de 2024, recibe fondos de la Universidad Nacional Autónoma de México en calidad de becario postdoctoral.</span></em></p><p class="fine-print"><em><span>Patricia San José Rico recibe fondos de la Agencia Estatal de Investigación como miembro del proyecto de investigación reconocido "Historia crítica de la literatura étnica norteamericana: una aproximación intercultural VI (PID2019-108754GBI00)". </span></em></p><p class="fine-print"><em><span>Cilia Willem, Cristina Simón, Francisco Javier Blázquez Ruiz, Inés Monjas Casares, Juan Iglesias Martínez, Maria Medina-Vicent, Rosa Rodríguez Bahamonde y Víctor Javier Llorente Lázaro no reciben salarios, ni ejercen labores de consultoría, ni poseen acciones, ni reciben financiación de ninguna compañía u organización que pueda obtener beneficio de este artículo, y han declarado carecer de vínculos relevantes más allá del puesto académico citado.</span></em></p>
Con motivo de la próxima gala de los Premios Óscar, el 10 de marzo, le hemos pedido a diez expertos en los temas que tratan cada una de las candidatas a Mejor Película que nos hagan una breve reseña sobre ellas.
Rosa Rodríguez Bahamonde, Profesora Titular de Derecho Procesal, Universidad de Las Palmas de Gran Canaria
Cilia Willem, Directora Unitat d'Igualtat, Universitat Rovira i Virgili
Cristina Simón, Master en Musicología por la Universidad de La Rioja y Profesora de Comportamiento Organizacional en IE University, IE University
Francisco Javier Blázquez Ruiz, Catedrático de Filosofía del derecho. Bioética e Inteligencia artificial, Universidad Pública de Navarra
Gonzalo Andrés García Fernández, Investigador postdoctoral en el Instituto de Investigaciones sobre la Universidad y la Educación (IISUE) de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), Universidad de Alcalá
Inés Monjas Casares, Profesora colaboradora honorífica en el Departamento de Psicología e investigadora sobre Psicología de la Educación, Universidad de Valladolid
Juan Iglesias Martínez, Profesor e investigador en el Instituto Universitario de Estudios sobre Migraciones, Universidad Pontificia Comillas
Maria Medina-Vicent, Profesora Contratada Doctora (FIlosofía), Universitat Jaume I
Patricia San José Rico, Profesora del Departamento de Filología Inglesa. Especialista en Literatura Afroamericana, Universidad de Valladolid
Víctor Javier Llorente Lázaro, Investigador en Mecánica de Fluidos y Matemática Aplicada, Universidad de Granada
Licensed as Creative Commons – attribution, no derivatives.
tag:theconversation.com,2011:article/222794
2024-02-25T21:46:27Z
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Así podemos enseñar matemáticas a través del cine
<figure><img src="https://images.theconversation.com/files/574686/original/file-20240209-18-9v55ns.jpg?ixlib=rb-1.1.0&rect=31%2C19%2C4179%2C2807&q=45&auto=format&w=496&fit=clip" /><figcaption><span class="caption">Samuel L. Jackson y Bruce Willis en La jungla de cristal III (John McTiernan, 1995)</span> <span class="attribution"><span class="source">IMDB</span></span></figcaption></figure><p>“¿Para qué me sirve a mí esto?” es una pregunta habitual que plantean los estudiantes frustrados cuando se enfrentan a la resolución de un sistema de ecuaciones o al cálculo de un máximo común divisor. </p>
<p>La enseñanza de las matemáticas en secundaria y bachillerato se realiza actualmente a partir de procedimientos. Sabemos, por ejemplo, cómo resolver un determinado tipo de ecuaciones, pero no para qué se aplican. Para entender la utilidad de las matemáticas, es necesario contextualizarlas.</p>
<hr>
<p>
<em>
<strong>
Leer más:
<a href="https://theconversation.com/por-que-los-problemas-de-matematicas-son-un-rollo-y-como-evitarlo-206634">Por qué los problemas de matemáticas son un rollo (y cómo evitarlo)</a>
</strong>
</em>
</p>
<hr>
<p>El cine puede ser un recurso excelente en el que encontrar este tipo de contextos en los que se desarrolla un problema matemático y aprovecharlo para aprender. A veces con escenas en las que aparece descrito explícitamente un problema a resolver, y en otras ocasiones con situaciones sugeridas o imaginadas a partir de lo que vemos. Así lo explico en el libro <a href="https://www.todostuslibros.com/libros/matematicas-a-traves-del-cine_978-84-1352-833-5"><em>Matemáticas a través del cine</em></a>.</p>
<h2>Jugadores de béisbol y fracciones unitarias</h2>
<p>En la película <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film460469.html"><em>Un entrenador de primera</em></a> (Andrew Scheinman, 1994) su protagonista no sabe cómo resolver la siguiente cuestión: </p>
<blockquote>
<p>“Joe y Sam tiene que pintar una casa. El primero lo hace en tres horas, mientras que el segundo necesita cinco. ¿Cuánto tardarán si la pintan juntos?” </p>
</blockquote>
<p>Asistimos entonces a una colección de propuestas de solución de lo más variopinto, hasta que una persona propone utilizar una fórmula cerrada, sin mayor explicación:</p>
<figure class="align-center zoomable">
<a href="https://images.theconversation.com/files/573489/original/file-20240205-23-sfoka9.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=1000&fit=clip"><img alt="" src="https://images.theconversation.com/files/573489/original/file-20240205-23-sfoka9.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/573489/original/file-20240205-23-sfoka9.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=454&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/573489/original/file-20240205-23-sfoka9.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=454&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/573489/original/file-20240205-23-sfoka9.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=454&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/573489/original/file-20240205-23-sfoka9.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=570&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/573489/original/file-20240205-23-sfoka9.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=570&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/573489/original/file-20240205-23-sfoka9.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=570&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px"></a>
<figcaption>
<span class="caption">Fotograma de Un entrenador de primera, de 1994.</span>
</figcaption>
</figure>
<p>Aunque la respuesta es correcta, la memorización de expresiones matemáticas sin mayor explicación o razonamiento no es demasiado útil (¿vamos a aprender una fórmula para cada tipo de ejercicio?). Lo realmente práctico es deducir un procedimiento general. </p>
<p>Una posibilidad es emplear una medida común que describa el trabajo de Joe y de Sam (no 3 y 5 horas). Por ejemplo, cuánto pintaría cada uno en una hora (obviamente 1/3 y 1/5 de casa, respectivamente). Los dos juntos lo harían entonces en: </p>
<figure class="align-left zoomable">
<a href="https://images.theconversation.com/files/573492/original/file-20240205-25-ltb5ss.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=1000&fit=clip"><img alt="" src="https://images.theconversation.com/files/573492/original/file-20240205-25-ltb5ss.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=237&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/573492/original/file-20240205-25-ltb5ss.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=336&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/573492/original/file-20240205-25-ltb5ss.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=336&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/573492/original/file-20240205-25-ltb5ss.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=336&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/573492/original/file-20240205-25-ltb5ss.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=422&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/573492/original/file-20240205-25-ltb5ss.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=422&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/573492/original/file-20240205-25-ltb5ss.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=422&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px"></a>
<figcaption>
<span class="caption">Una persona pinta un tercio de casa en 1 hora y la otra una quinta parte. Juntas pintan 8 quinceavos de casa en una hora: así se puede calcular cuánto tardan en pintarla completa.</span>
</figcaption>
</figure>
<p>Por tanto, si 8/15 es lo que avanzan los dos en una hora, 1/(8/15) = 15/8 es el tiempo en pintar la casa completa, es decir, 1 hora y 52.5 minutos, ya que 15/8 = 1 + 7/8 </p>
<p>Ese tipo de fracciones que se han utilizado, con numerador la unidad, se denominan “unitarias”, y fueron utilizadas por los egipcios tal y como hemos descubierto en algunos papiros. Los investigadores no conocen con certeza para qué las utilizaban, pero una utilidad que se ha encontrado es la de hacer repartos en partes iguales.</p>
<h2>Repartos equitativos</h2>
<p>Supongamos que hemos preparado una fiesta para la que inicialmente contábamos con 77 personas. Se encargaron 77 tartas (o pizzas, o el objeto que se deseé que pueda dividirse en trozos). Por diferentes circunstancias, al final sólo se presentan 60 invitados. Por supuesto el organizador no desea desperdiciar comida, y el sortear las tartas sobrantes no le parece justo para los que no les toque, de modo que decide que a cada uno de los 60 presentes debe corresponderle exactamente la misma cantidad de tarta. ¿Cómo deberíamos repartirlas?</p>
<p>Las fracciones unitarias pueden ayudarnos.</p>
<figure class="align-right zoomable">
<a href="https://images.theconversation.com/files/573495/original/file-20240205-25-c78of0.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=1000&fit=clip"><img alt="" src="https://images.theconversation.com/files/573495/original/file-20240205-25-c78of0.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=237&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/573495/original/file-20240205-25-c78of0.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=188&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/573495/original/file-20240205-25-c78of0.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=188&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/573495/original/file-20240205-25-c78of0.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=188&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/573495/original/file-20240205-25-c78of0.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=236&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/573495/original/file-20240205-25-c78of0.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=236&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/573495/original/file-20240205-25-c78of0.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=236&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px"></a>
<figcaption>
<span class="caption">Para repartir 77 tartas entre 60 personas podemos usar las fracciones unitarias.</span>
</figcaption>
</figure>
<p>Cuando nos enseñan en la escuela a sumar fracciones, nos indican que debemos encontrar el mínimo común múltiplo de los denominadores y luego ir encontrando las fracciones equivalentes a las dadas cuando colocamos en el denominador ese mínimo común múltiplo.</p>
<figure class="align-left zoomable">
<a href="https://images.theconversation.com/files/573496/original/file-20240205-17-coteka.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=1000&fit=clip"><img alt="" src="https://images.theconversation.com/files/573496/original/file-20240205-17-coteka.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=237&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/573496/original/file-20240205-17-coteka.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=231&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/573496/original/file-20240205-17-coteka.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=231&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/573496/original/file-20240205-17-coteka.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=231&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/573496/original/file-20240205-17-coteka.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=291&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/573496/original/file-20240205-17-coteka.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=291&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/573496/original/file-20240205-17-coteka.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=291&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px"></a>
<figcaption>
<span class="caption">Reducción a un mínimo común denominador de la expresión anterior.</span>
</figcaption>
</figure>
<p>Normalmente hacemos esas operaciones mecánicamente, sin pararnos a pensar que representan. El caso es que la anterior operación nos está diciendo que 30 tartas debemos dividirlas a la mitad (véase que ½ es la fracción equivalente a 30/60), 20 en tres partes, 15 en cuatro partes y 12 en cinco partes. Dando un trozo a cada comensal de todos los obtenidos, se reparten de modo exacto e igual todas las tartas. </p>
<p>Quizá con un gráfico lo veamos todavía más claro:</p>
<figure class="align-center zoomable">
<a href="https://images.theconversation.com/files/573498/original/file-20240205-21-kpqmqv.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=1000&fit=clip"><img alt="" src="https://images.theconversation.com/files/573498/original/file-20240205-21-kpqmqv.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/573498/original/file-20240205-21-kpqmqv.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=793&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/573498/original/file-20240205-21-kpqmqv.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=793&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/573498/original/file-20240205-21-kpqmqv.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=793&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/573498/original/file-20240205-21-kpqmqv.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=997&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/573498/original/file-20240205-21-kpqmqv.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=997&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/573498/original/file-20240205-21-kpqmqv.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=997&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px"></a>
<figcaption>
<span class="caption">Gráfico que representa la fracción (30 + 20 + 15 + 12) partido de 60.</span>
</figcaption>
</figure>
<p>En color rojo, las 30 tartas divididas a la mitad; en azul, las 20 tartas divididas en tres trozos iguales; en verde, 15 tartas divididas en cuatro trozos iguales; en amarillo, 12 tartas divididas en cinco partes iguales. En total tenemos 240 trozos, por lo que, repartiendo un trozo de cada color a cada uno de los 60 comensales, todos tendrían la misma cantidad de tarta.</p>
<h2>Soluciones lógicas</h2>
<p>Sin embargo, todos hemos experimentado alguna vez que, al dividir en trozos un alimento (pizzas, por ejemplo), cuantos más cortes hagamos, más comida se desperdicia (por las migas que van formándose, además de que quizá no dispongamos de un procedimiento para hacer tres o cinco partes de manera exacta). Por tanto, sería deseable ir al procedimiento que menor número de cortes necesitara. La descomposición de una fracción en fracciones unitarias no es única. ¿Podríamos encontrar una con menos cortes?</p>
<p>Pensando un poco, enseguida nos percatamos de que la fracción original, 77/60 es mayor que 1. Por tanto, ¿para qué partir tantas tartas, si podemos dar alguna entera a cada invitado?</p>
<figure class="align-right zoomable">
<a href="https://images.theconversation.com/files/573499/original/file-20240205-27-egj60x.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=1000&fit=clip"><img alt="" src="https://images.theconversation.com/files/573499/original/file-20240205-27-egj60x.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=237&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/573499/original/file-20240205-27-egj60x.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=142&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/573499/original/file-20240205-27-egj60x.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=142&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/573499/original/file-20240205-27-egj60x.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=142&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/573499/original/file-20240205-27-egj60x.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=179&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/573499/original/file-20240205-27-egj60x.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=179&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/573499/original/file-20240205-27-egj60x.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=179&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px"></a>
<figcaption>
<span class="caption">Para repartir 77 tartas entre 60 personas sin necesitar de cortarlas todas, podemos repartir 1 tarta completa más y cuarto de tarda y una porción mínima de 1/30.</span>
</figcaption>
</figure>
<p>En este caso, dando a cada invitado una tarta entera y dividiendo 15 tartas en cuatro partes iguales, 2 en treinta partes iguales, también tenemos un reparto igualitario y por tanto justo. Desde luego se hacen menos trozos, pero ¿cómo dividir 2 tartas en treinta partes iguales? </p>
<p>Ese es otro asunto para el que quizá las matemáticas puedan servirnos de ayuda. La discusión que puede seguir a continuación es si existirá algún otro reparto “mejor”, y por supuesto llegar al “óptimo”. La descomposición en fracciones unitarias es posible sea cual sea la fracción a repartir, el planteado no es un ejemplo elegido para que quede “bonito y académico”.</p>
<h2>John McCLane y las ecuaciones</h2>
<p>Bruce Willis nos puede ayudar a contextualizar las <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Ecuaci%C3%B3n_diof%C3%A1ntica">ecuaciones diofánticas</a>. En <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film971189.html"><em>La jungla de cristal III</em></a>, su personaje John McClane tiene que intentar impedir que explote una bomba antes de que termine una cuenta atrás. Para ello necesita poner 4 litros exactos en una balanza y tiene solamente la ayuda de dos garrafas, una de 5 y otra de 3 litros. </p>
<p>Este mismo concepto matemático lo podemos ejemplificar con un ejercicio de medida del tiempo con relojes de arena a través de una escena de <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film615789.html"><em>La habitación de Fermat</em></a>. </p>
<p>Y para problemas de cálculo de probabilidades, ¿qué no habrían dado los jugadores a la ruleta rusa en <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film764534.html"><em>El cazador</em></a> (1978) o los duelistas del <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film277815.html"><em>El bueno, el feo y el malo</em></a> (1968) por ser capaces de calcular sus probabilidades de supervivencia?</p>
<h2>Entrenar el razonamiento</h2>
<p>Si queremos demostrar que las matemáticas son útiles para la vida, el cine es un aliado a través del que encontrar esas situaciones y estimular el razonamiento: el contexto es fundamental para entrenarse en la resolución de problemas. Estas películas nos ofrecen precisamente eso, un contexto sobre el que trabajar.</p>
<p>Ningún ChatGPT puede de momento realizar razonamientos similares. Por ejemplo, para nuestro ejemplo anterior de las 77 pizzas y los 60 invitados, nos responde que 77 pizzas pueden dividirse en un total de 77 x 8 = 616 porciones (asumiendo que cada pizza se corta en 8 porciones iguales). Luego, para repartir equitativamente entre 60 personas, dividiríamos 616 por 60, lo que nos da aproximadamente 10.27 porciones por persona.</p>
<p>Y prosigue su argumento diciendo que, como no se puede repartir una fracción de una porción de pizza, se podría redondear hacia abajo o hacia arriba. En el primer caso, cada persona recibiría 10 porciones de pizza, lo que equivale a 7 pizzas para cada 60 personas. Si se redondea hacia arriba, cada persona recibiría 11 porciones de pizza, lo que equivale a 8 pizzas para cada 60 personas. Dependiendo de cuánto se quiera que reciba cada persona, hay que decidir entre estas dos opciones. </p>
<p>Toda una salida por la tangente, porque se dijo bien claro que queríamos partes iguales para todos. Desde luego, un escriba egipcio del siglo XVI antes de nuestra era no hubiera respondido tan rápido, pero sí mejor.</p><img src="https://counter.theconversation.com/content/222794/count.gif" alt="The Conversation" width="1" height="1" />
<p class="fine-print"><em><span>Alfonso Jesús Población Sáez no recibe salario, ni ejerce labores de consultoría, ni posee acciones, ni recibe financiación de ninguna compañía u organización que pueda obtener beneficio de este artículo, y ha declarado carecer de vínculos relevantes más allá del cargo académico citado.</span></em></p>
La utilidad de las matemáticas en la vida real se puede ejemplificar con escenas de películas. Como apoyo esporádico, el cine es muy útil en mostrarnos situaciones en las que ejercitar el razonamiento.
Alfonso Jesús Población Sáez, Profesor Titular en Dpto. Matemática Aplicada, Universidad de Valladolid
Licensed as Creative Commons – attribution, no derivatives.
tag:theconversation.com,2011:article/221164
2024-02-25T21:43:18Z
2024-02-25T21:43:18Z
Las mujeres que quisieron ser directoras de cine en una España que no apostaba por ellas
<figure><img src="https://images.theconversation.com/files/577003/original/file-20240221-26-83koz3.jpg?ixlib=rb-1.1.0&rect=0%2C5%2C1917%2C1399&q=45&auto=format&w=496&fit=clip" /><figcaption><span class="caption">Fotograma del cortometraje 'Carmen de Carabanchel' de Cecilia Bartolomé (1965), realizado durante sus estudios en la Escuela Oficial de Cine.</span> <span class="attribution"><a class="source" href="https://www.cinespagnol.com/films/carmen-de-carabanchel/">Cinespaña</a></span></figcaption></figure><p>Una niña o una joven que a comienzos de la década de 1950 quisiera ser directora de cine en España hubiera sido considerada una soñadora o una excéntrica. Según en qué ambientes, podría haber sido también vista como una rebelde peligrosa a la que más convendría mantener vigilada.</p>
<p>Durante la dictadura franquista solo dos mujeres, <a href="https://www.cervantes.es/bibliotecas_documentacion_espanol/creadores/mariscal_ana.htm">Ana Mariscal</a> y <a href="https://www.cervantes.es/bibliotecas_documentacion_espanol/creadores/alexandre_margarita.htm">Margarita Alexandre</a>, se habían atrevido a emular en la dirección cinematográfica los pasos de sus predecesoras en la España de la Segunda República: <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Helena_Cortesina">Helena Cortesina</a> y <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Rosario_Pi">Rosario Pi</a>. Siempre trabajaron en los circuitos marginales del cine independiente. Siempre con enormes dificultades económicas. Y, casi siempre, con el fantasma de la censura sobre sus espaldas.</p>
<h2>Llega la escuela de cine</h2>
<figure class="align-right zoomable">
<a href="https://images.theconversation.com/files/576996/original/file-20240221-26-tts63c.png?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=1000&fit=clip"><img alt="ORDEN de 26 de febrero de 1947 por la que se aprueba el programa oficial y Reglamento para los cursos y enseñanzas de carácter cinematográfico en el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas." src="https://images.theconversation.com/files/576996/original/file-20240221-26-tts63c.png?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=237&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/576996/original/file-20240221-26-tts63c.png?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=546&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/576996/original/file-20240221-26-tts63c.png?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=546&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/576996/original/file-20240221-26-tts63c.png?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=546&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/576996/original/file-20240221-26-tts63c.png?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=687&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/576996/original/file-20240221-26-tts63c.png?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=687&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/576996/original/file-20240221-26-tts63c.png?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=687&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px"></a>
<figcaption>
<span class="caption">ORDEN de 26 de febrero de 1947 por la que se aprueba el programa oficial y Reglamento para los cursos y enseñanzas de carácter cinematográfico en el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas.</span>
<span class="attribution"><a class="source" href="https://www.boe.es/gazeta/dias/1947/03/02/pdfs/BOE-1947-61.pdf">BOE</a></span>
</figcaption>
</figure>
<p>El <a href="https://www.cultura.gob.es/cultura/areas/cine/mc/fe/colecciones/fondosfilmicos/colecciones-destacadas/escuela-de-cine.html">Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas</a> inició su andadura en 1947. Era el primer centro oficial de enseñanza del cine que abría sus puertas en España. <a href="https://www.boe.es/gazeta/dias/1947/03/02/pdfs/BOE-1947-61.pdf">Su reglamento</a> contenía un artículo expresamente pensado para soñadoras como aquellas: “el elemento femenino será admitido únicamente en la Sección de Interpretación y de Escenotecnia (Vestuario, Moblaje y Maquillaje)”. </p>
<p>Ese artículo discriminatorio había sido calcado de las normas de acceso al prestigioso <a href="https://www.fondazionecsc.it/">Centro Sperimentale di Cinematografia de Roma</a>, creado en 1935 en la Italia de Mussolini. Pronto fue derogado, pero no por ello las mujeres lo tuvieron más fácil para cursar estudios en la especialidad de Dirección. Mucho menos para superarlos. </p>
<p>Únicamente <a href="https://www.cervantes.es/bibliotecas_documentacion_espanol/creadores/molina_josefina.htm">Josefina Molina</a> y <a href="https://theconversation.com/ha-llegado-la-hora-de-cecilia-bartolome-premio-feroz-de-honor-2022-174750">Cecilia Bartolomé</a> consiguieron su diploma como directoras de cine durante el franquismo. Fue en 1969, <a href="https://e-archivo.uc3m.es/bitstream/handle/10016/40051/caza_garcia_SSLAC_2022.pdf?sequence=1&isAllowed=y">no sin experimentar severos problemas con la censura</a> y más de veinte años después de la creación del centro. Por entonces ya se denominaba Escuela Oficial de Cinematografía. </p>
<figure>
<iframe src="https://player.vimeo.com/video/90307973" width="500" height="281" frameborder="0" webkitallowfullscreen="" mozallowfullscreen="" allowfullscreen=""></iframe>
</figure>
<p><a href="https://www.cervantes.es/bibliotecas_documentacion_espanol/creadores/miro_pilar.htm">Pilar Miró</a>, que despuntó como directora de cine junto a Bartolomé y Molina, se había graduado en la especialidad de Guion en 1967. Algunos amigos la habían advertido de que nunca conseguiría el título en la especialidad de Dirección. Ella siguió su consejo sin renunciar a su vocación. La puertorriqueña <a href="https://in-progress.org/matias-bienvenida">Bienvenida Matías</a> se consolidó como cineasta en Estados Unidos tras graduarse en Producción. Solo una estudiante, María Teresa Úbeda Béjar, llegó a matricularse en la especialidad de Cámara, que abandonó un año después de comenzar sus estudios.</p>
<h2>Las matriculaciones</h2>
<p>No obstante, otras mujeres se atrevieron a desafiar las prohibiciones y las convenciones <a href="https://e-archivo.uc3m.es/bitstream/handle/10016/40048/miradas_garcia_JSCS_2021.pdf?sequence=1&isAllowed=y">matriculándose en la especialidad de Dirección de la Escuela de Cine</a>. No fueron muchas, pero se trata de un número suficientemente llamativo. Sus nombres están prácticamente ausentes de las historias tradicionales del cine español. Sin embargo, fueron y son parte importante de ella. Se trata de Perpetua Mambrilla, María Jesús Lampreave, Manuela González-Haba, Mª Elisa Corona, Ángela Asensio de Merlo, Teresa Durán y Dressel, Helena Lumbreras, Kathryn Waldo, Marina Téllez, Ángela Ubreva y María Luz Melcón.</p>
<p>Los cortometrajes que las estudiantes de la Escuela de Cine realizaron como ejercicios de aprendizaje <a href="https://www.cultura.gob.es/dam/jcr:146a1a5b-a275-4708-a11a-911dc95ced60/el-dor--en-casa---por-qu--duele-el-amor.pdf">se conservan en Filmoteca Española</a>. En aquellos trabajos encapsularon su mirada al mundo, su manera de entender el cine, sus anhelos y sus deseos. Con ellos experimentaron e innovaron de un modo similar al que lo hicieron con sus propias vidas. Inventaron modelos de mujer que parecían no existir, que no se dejaban ver, pero que ellas imaginaban y deseaban. </p>
<p><a href="https://www.mostrafilmsdones.cat/project/manuela-gonzalez-haba/">Manuela González-Haba</a>, Ángela Asensio y <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Mar%C3%ADa_Luz_Melc%C3%B3n">María Luz Melcón</a> soñaban también con ser escritoras y publicaron ensayos sobre cine, relatos infantiles y novelas tras cuyos personajes asomaban ellas mismas. <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Helena_Lumbreras">Helena Lumbreras</a> decidió marcharse de España y finalizar sus estudios en Italia, donde se graduó como directora. Seguidamente pasó a la clandestinidad, poniendo su prolífica carrera al servicio de la lucha antifranquista. </p>
<figure class="align-right zoomable">
<a href="https://images.theconversation.com/files/576997/original/file-20240221-30-5v7xd3.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=1000&fit=clip"><img alt="Fotograma de _Encuentro_, cortometraje de Kathryn Waldo de 1964." src="https://images.theconversation.com/files/576997/original/file-20240221-30-5v7xd3.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=237&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/576997/original/file-20240221-30-5v7xd3.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=399&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/576997/original/file-20240221-30-5v7xd3.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=399&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/576997/original/file-20240221-30-5v7xd3.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=399&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/576997/original/file-20240221-30-5v7xd3.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=502&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/576997/original/file-20240221-30-5v7xd3.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=502&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/576997/original/file-20240221-30-5v7xd3.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=502&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px"></a>
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<span class="caption">Fotograma de <em>Encuentro</em>, cortometraje de Kathryn Waldo de 1964.</span>
<span class="attribution"><a class="source" href="https://www.filmaffinity.com/es/filmimages.php?movie_id=726769">FilmAffinity</a></span>
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</figure>
<p>A Kathryn Waldo le dijo un profesor que la Escuela de Cine nunca permitiría que la primera mujer en conseguir el título en Dirección fuera una extranjera (ella era de Nueva York). Después de pasar más de diez años en el centro, fue la primera en graduarse en Producción. Lo hizo en 1969, el mismo año en que Cecilia Bartolomé y Josefina Molina consiguieron su título como directoras de cine. <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Chus_Lampreave">María Jesús “Chus” Lampreave</a> se graduó en Interpretación y se convirtió en una inolvidable actriz. Otras, como Teresa Durán y Dressel, no tuvieron la misma suerte, a pesar de sus deseos, y desaparecieron del panorama profesional.</p>
<h2>La actualidad</h2>
<p>Más de 75 años después de la creación de la primera escuela oficial de cine en España, puede que una niña o una joven que aspire a ser directora de cine no sea considerada soñadora o excéntrica. </p>
<p>Sin embargo, es probable que su familia, <a href="https://www.elmundo.es/cultura/cine/2023/04/15/64397536e4d4d8f8248b45a9.html">sobre todo si pertenece a la clase trabajadora</a>, trate de disuadirla para que busque salidas profesionales “con mayor futuro”. Según el <a href="https://www.cultura.gob.es/dam/jcr:2c367e3c-1b7b-454e-9f64-319d93e59b2e/ensenanzas-del-ambito-cultural-2022.pdf">Anuario de Estadísticas Culturales relativo a las enseñanzas del ámbito cultural (INE, 2023)</a>, las mujeres representan el 54 % del alumnado en los estudios universitarios relacionados con el audiovisual, la imagen y el entorno multimedia. Por otra parte, el <a href="https://cimamujerescineastas.es/informe-cima-2022-las-mujeres-representan-un-37-del-total-de-profesionales-en-el-largometraje/">informe publicado por CIMA (Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales) en 2023</a> establece que la representatividad de las mujeres en la dirección de largometrajes es del 24 %, y del 28 % en producción, guion y sonido, respectivamente. En contrapartida, el porcentaje en cargos de responsabilidad feminizados alcanza el 80 % en diseño de vestuario, 73 % en maquillaje y peluquería y 63 % en dirección artística. </p>
<p>Hoy en día, poca duda cabe sobre la importancia que tiene para las mujeres, como para otras comunidades marginalizadas, contar con referentes históricos. Estos permiten establecer una narrativa común, unir el pasado con el presente y ofrecer modelos positivos de autorrealización. Y ello es clave para conseguir una sociedad más igualitaria. </p>
<p>Como una vez aventuró Walter Benjamin, “nada que haya ocurrido debería considerarse perdido para la historia”. Solo así sabremos que el esfuerzo de Perpetua, Manuela, Angelita, Mª Elisa, Helena, Josefina, Cecilia, y tantas otras, valió la pena.</p><img src="https://counter.theconversation.com/content/221164/count.gif" alt="The Conversation" width="1" height="1" />
<p class="fine-print"><em><span>La autora colabora habitualmente con Filmoteca Española en el comisariado de ciclos y programas cinematográficos y la presentación de películas. Asimismo, ha comisariado en colaboración con Marina Díaz la exposición organizada por Filmoteca Española 'Errantes y perseverantes. El siglo de Margarita Alexandre, Lola Flores y Ana Mariscal'. Algunas de las personas mencionadas en este artículo fueron contactadas en el curso de la investigación con fines puramente académicos y sin recibir contraprestación económica alguna.</span></em></p>
Sus nombres están prácticamente ausentes de las historias tradicionales del cine español. Sin embargo, fueron y son parte importante de ella.
Sonia García López, Profesora titular del Departamento de Comunicación, Universidad Carlos III
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2024-02-13T18:16:12Z
2024-02-13T18:16:12Z
Un monstruo ha venido a vernos: el gran miedo de la industria del cine a la IA
<figure><img src="https://images.theconversation.com/files/575063/original/file-20240212-28-ifps0g.jpg?ixlib=rb-1.1.0&rect=0%2C0%2C6250%2C4123&q=45&auto=format&w=496&fit=clip" /><figcaption><span class="caption">David Verdaguer en su discurso de agradecimiento al recoger el premio al mejor actor protagonista en los Premios Goya 2024 por su interpretación en 'Saben aquell'.</span> <span class="attribution"><a class="source" href="https://www.premiosgoya.com/prensa/notas-de-prensa/palmares-38-premios-goya/">Premios Goya</a></span></figcaption></figure><p>Al recoger su Goya 2024 como mejor actor, David Verdaguer habló del miedo que invadía constantemente a Eugenio, el humorista al que da vida en <em>Saben aquell</em>. “Creo que la mayoría de los que estamos aquí tenemos miedo, pero lo aparcamos para hacer películas”, dijo Verdaguer. Pero si hay algo que genera miedo en este momento en la industria del cine, el monstruo que ha llegado para quedarse, es la inteligencia artificial (IA).</p>
<p>El afán de superarse a la hora de interpretar un papel que mostraba Verdaguer poco tiene que ver con <a href="https://www.npr.org/2023/08/01/1191242175/movie-extras-worry-theyll-be-replaced-by-artificial-intelligence">el miedo que tienen los figurantes de que se grabe su imagen y se use en mil películas</a> sin recibir ningún tipo de compensación económica. Y no solo a ellos afecta el nuevo monstruo. </p>
<p>Hoy en día la IA se utiliza en la industria cinematográfica para redactar guiones, componer música, encontrar las mejores localizaciones para grabar, seleccionar actores, hacerlos rejuvenecer, mejorar el audio o las imágenes, desarrollar <em>software</em> y videojuegos y para los sistemas de recomendación de series y vídeos <em>online</em>. Los resultados de la IA en la industria del cine son tan increíbles que ilusionan y al mismo tiempo asustan a guionistas, compositores, realizadores y directores.</p>
<h2>Breve historia de la IA en la industria del cine</h2>
<p>Ya en la película <em>El Cuervo</em>, en 1994, se pudo recrear digitalmente la presencia de Brandon Lee después de morir. En 2018 el director de cine Oscar Sharp y el tecnólogo creativo de Google, Ross Goodwin, crearon <a href="https://www.wired.com/story/ai-filmmaker-zone-out/"> la película <em>Zone Out</em> en sólo 48 horas</a> para el festival de cine de ciencia ficción de Londres usando el sistema Benjamin AI y miles de horas de películas antiguas y grabaciones de actores profesionales sobre fondo verde. </p>
<p>El resultado final fue poco refinado y, en su mayor parte, carente de sentido, pero la reducción de los tiempos y costes de producción fue innegable y aterradora. Harrison Ford en <em>Indiana Jones y el dial del destino</em> es un claro ejemplo de cómo los actores envejecidos (o fallecidos) pueden ser rejuvenecidos (o resucitados) mediante inteligencia artificial.</p>
<h2>¿Ha llegado el fin del derecho de autor?</h2>
<p>Cualquier empresa que se haya dedicado a la largo de su historia a generar contenidos de todo tipo (textos, imágenes, vídeos, etc.) corre el riesgo de perder su propiedad intelectual y de que se devalúe de golpe su ventaja competitiva, es decir, su capacidad creativa. </p>
<p>Por eso el 27 de diciembre de 2023 <a href="https://www.nytimes.com/2023/12/27/business/media/new-york-times-open-ai-microsoft-lawsuit.html"><em>The New York Times</em> presentó una demanda</a> en el Tribunal Federal de Distrito de Manhattan contra Microsoft y OpenAI, creador de ChatGPT, alegando que OpenAI había utilizado ilegalmente sus artículos como datos de entrenamiento infringiendo sus derechos de autor. Hecho que OpenAI niega defendiendo su uso legítimo y añadiendo además que “<a href="https://theconversation.com/how-a-new-york-times-copyright-lawsuit-against-openai-could-potentially-transform-how-ai-and-copyright-work-221059">sería imposible entrenar a los principales modelos de IA actuales sin materiales protegidos por derechos de autor</a>”. </p>
<p>Claramente esta sentencia hará escuela y determinará si de verdad es posible que el producto de una empresa se base en la propiedad intelectual de otra sin pedir permiso o prever una compensación. Podrá haber una sobresaturación de contenidos generados por IA, lo que dificultará que los creadores humanos destaquen. </p>
<h2>La IA como complemento y no como sustituto</h2>
<p>Todo esto es positivo siempre y cuando la tecnología no sustituya al ser humano, sino que lo complemente. Podemos mencionar algunos ejemplos de fructífera colaboración del humano con la maquina.</p>
<p><a href="https://www.technologyreview.com/2023/06/01/1073858/surreal-ai-generative-video-changing-film/"><em>The Frost</em></a> es una película de 12 minutos en la que cada plano ha sido generado por una IA creadora de imágenes. Para hacerla, la empresa Waymark usó un guión escrito por su productor ejecutivo Josh Rubin, quien también la dirigió, y lo introdujo en el modelo de creación de imágenes DALL-E 2 de OpenAI. </p>
<p><a href="https://www.youtube.com/watch?v=4Q5qstYoYu0"><em>Expanded Childhood</em></a> es otro ejemplo de corto hecho a partir de viejas fotos familiares de su director, Sam Lawton, que DALL-E 2 amplía más allá de sus límites, permitiendo al autor jugar con los recuerdos y las viejas imágenes.</p>
<p><a href="https://tristwolff.medium.com/introducing-dramatron-the-open-source-co-creation-tool-powered-by-gpt-3-29511581300"><em>Dramatron</em></a> es una herramienta para generar guiones a partir de una frase que puede simplificar el trabajo de los escritores de guiones teatrales o cinematográficos sin limitar su creatividad como parte de una experiencia de coescritura. </p>
<p>Aunque hay que ser consciente de que, al utilizar datos históricos, la IA generativa puede amplificar los <a href="https://theconversation.com/como-evitar-que-la-inteligencia-artificial-aprenda-nuestros-prejuicios-142141">sesgos</a> existentes, replicar expresiones consideradas obsoletas o utilizar estereotipos fuera de lugar.</p>
<p>La importancia de valorar <a href="https://www.catarata.org/libro/la-etica-de-la-inteligencia-artificial_149391/">la ética de la IA</a> es cada vez más relevante. Mientras sea una pluma o pincel más en las manos de los autores y las autoras, podremos seguir preservando nuestra autonomía creativa. Y que no sea un monstruo lo que ha venido a vernos.</p><img src="https://counter.theconversation.com/content/223386/count.gif" alt="The Conversation" width="1" height="1" />
<p class="fine-print"><em><span>Sara Degli-Esposti ha recibo fondos del Proyecto "Ingeniería de valores en sistemas de IA - VAE" TED2021-131295B-C31 financiado el Ministerio de Ciencia e Innovación (MCIN) y por la “Unión Europea NextGenerationEU” y el Plan de Recuperación, Transformación y Resiliencia de España (PRTR) a través de la Agencia Estatal de Investigación (AEI) doi: 10.13039/501100011033.
</span></em></p>
David Verdaguer se llevó el Goya por su interpretación del humorista Eugenio. En sus agradecimientos habló del miedo. Uno de ellos, quizá el más poderoso en estos momentos, es que la inteligencia artificial termine con la industria del cine.
Sara Degli-Esposti, Research fellow, Centro de Ciencias Humanas y Sociales (CCHS - CSIC)
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2024-02-11T21:08:12Z
2024-02-11T21:08:12Z
Una mina de oro llamada Bob Marley: así comercia su familia con su legado
<figure><img src="https://images.theconversation.com/files/573869/original/file-20240124-17-ohjhpd.jpg?ixlib=rb-1.1.0&rect=456%2C130%2C4794%2C3343&q=45&auto=format&w=496&fit=clip" /><figcaption><span class="caption">Bob Marley actúa en la celebración de la independencia de Zimbabue en abril de 1980.</span> <span class="attribution"><a class="source" href="https://www.gettyimages.com/detail/news-photo/jamaican-reggae-musician-bob-marley-plays-guitar-as-he-news-photo/1369621696?adppopup=true">William F. Campbell/Getty Images</a></span></figcaption></figure><p>El esperado <a href="https://youtu.be/FPF3V3V5gQk?si=La8CuVN6eu4bvSn0"><em>biopic</em> <em>Bob Marley: One Love</em></a> destacará momentos importantes de la vida del músico jamaicano: su adolescencia en Trench Town, su crecimiento espiritual, <a href="https://www.rollingstone.com/feature/the-night-bob-marley-got-shot-203370/">el atentado contra su vida</a>… <a href="https://w1.mtsu.edu/media/scholar/profile/18">Pero como estudioso de la industria musical</a>, me pregunto si la película es una extensión más de la maquinaria comercial en la que se ha convertido Marley.</p>
<p>Marley murió en 1981, con 36 años. Había alcanzado un éxito sin parangón en el mundo del <em>reggae</em>, y lo hizo desafiando al capitalismo global y hablándole a los oprimidos. </p>
<p>Sin embargo, esta imagen no concuerda con lo que ha sucedido con el nombre y la imagen de Marley desde su muerte. Ahora se pueden comprar <a href="https://shop.bobmarley.com/collections/bags/products/cannabis-print-backpack">mochilas de Bob Marley</a>, <a href="https://shop.bobmarley.com/collections/accessories/products/bob-marley-collage-jigsaw-puzzle">rompecabezas de Bob Marley</a> e incluso <a href="https://shop.bobmarley.com/collections/misc/products/song-pattern-flip-flops">chanclas de Bob Marley</a>.</p>
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<iframe width="440" height="260" src="https://www.youtube.com/embed/FPF3V3V5gQk?wmode=transparent&start=0" frameborder="0" allowfullscreen=""></iframe>
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<p>Antes, la acusación de “<a href="https://theconversation.com/sellout-how-political-corruption-shaped-an-american-insult-220520">venderse</a>” podía amenazar seriamente la credibilidad de un artista. El insulto <a href="https://www.theguardian.com/music/2021/jul/26/why-is-selling-out-ok-now">tiene mucho menos poder</a> en una época en la que la supervivencia de un artista <a href="https://www.gemtracks.com/guides/view.php?title=what-is-a-music-endorsement-deal&id=1011">depende a menudo de acuerdos de patrocinio y licencias</a>. Mientras tanto, si un artista fallece, sus ingresos quedan en manos de otros.</p>
<p>No obstante, cuando un músico tan venerado como Marley –y cuyas canciones estaban impregnadas de mensajes de liberación, antiimperialismo y anticapitalismo– se comercializa tanto, cabe preguntarse cómo ha sucedido y si esto supone una amenaza para su legado artístico.</p>
<h2>Dentro y fuera del disco</h2>
<p>En su lista de celebridades muertas mejor pagadas de 2023, <a href="https://www.forbes.com/sites/marisadellatto/2023/10/30/highest-paid-dead-celebrities-2023-michael-jackson-elvis-presley-whitney-houston/?sh=2f411dd1504b"><em>Forbes</em> situó a Bob Marley en el noveno puesto</a>, justo detrás del exlíder de los Beatles, John Lennon. Según la publicación, Marley ganó 16 millones de dólares. O mejor dicho, sus herederos. </p>
<p>Los negocios de Marley están ahora <a href="https://www.dailystar.co.uk/showbiz/us-showbiz/inside-bob-marleys-fortune-huge-29112952">controlados por miembros de su familia</a>, que han llegado a acuerdos con varios socios para asuntos relacionados con el <em>merchandising</em> y el <em>marketing</em>. Todas las partes involucradas comparten los beneficios. El poder comercial del nombre de Bob Marley genera derechos de autor que perciben los herederos, aunque no se conocen los porcentajes exactos.</p>
<p>Un lanzamiento musical póstumo, en particular, ha sido una mina de oro: el álbum recopilatorio <a href="https://open.spotify.com/album/4qsXcmAgPNSliu6oMQGOQ9"><em>Legend</em></a>. </p>
<p>Publicado en 1984 y con temas fundamentales como <a href="https://www.youtube.com/watch?v=CRkfqH1r714">“Could You Be Loved”</a> y <a href="https://www.youtube.com/watch?v=s7SYBk-nRiQ">“Three Little Birds”</a>, es el álbum de <em>reggae</em> más exitoso de todos los tiempos. Ha vendido más de 15 millones de copias en Estados Unidos y ha permanecido más de 800 semanas no consecutivas en el <a href="https://www.billboard.com/charts/billboard-200/">Billboard 200</a>. </p>
<p>Colectivamente, sus canciones han supuesto más de <a href="https://worldmusicviews.com/bob-marley-the-wailers-lead-spotifys-most-streamed-reggae-artist-for-2023-three-years-in-a-row/">4 000 millones de reproducciones en Spotify</a>, y este éxito fue determinante para que la editorial musical privada Primary Wave, respaldada por inversores como BlackRock, <a href="https://www.billboard.com/music/music-news/primary-wave-acquires-share-bob-marley-publishing-catalog-blackrock-blue-mountain-music-8094231/">destinase más de 50 millones de dólares</a> a comprar una parte del catálogo editorial de Marley en 2018. </p>
<p>Tras la muerte de Marley se han publicado otros álbumes. Entre ellos figuran <em>Natural Mystic</em> (1995); el <em>crossover</em> de pop y hip-hop <em>Chant Down Babylon</em> (1999); <em>Africa Unite</em> (2005); <em>Uprising Live!</em> ¡(2014), que recoge su última aparición en concierto; <em>Legend Remixed</em> (2013); <em>Easy Skanking in Boston ‘78</em> (2015); y el curioso <em>Bob Marley & the Chineke! Orchestra</em> (2022). </p>
<p>El álbum <em>Legend</em> ha ganado más que todos estos lanzamientos posteriores juntos. Pero el material que quedó fuera de ese disco lo dice todo: en <a href="https://www.nytimes.com/2022/06/09/arts/music/chris-blackwell-the-islander.html">su autobiografía de 2022</a>, Chris Blackwell, antiguo director de Island Records, el sello que popularizó la música de Marley, reveló que <em>Legend</em> había sido cuidadosamente adaptado para el público blanco.</p>
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<img alt="Un disco rojo, amarillo y verde con la cara de un hombre contemplativo con rastas." src="https://images.theconversation.com/files/571216/original/file-20240124-27-7nwrye.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/571216/original/file-20240124-27-7nwrye.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=400&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/571216/original/file-20240124-27-7nwrye.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=400&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/571216/original/file-20240124-27-7nwrye.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=400&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/571216/original/file-20240124-27-7nwrye.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=503&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/571216/original/file-20240124-27-7nwrye.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=503&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/571216/original/file-20240124-27-7nwrye.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=503&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px">
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<span class="caption">‘Legend’ es el álbum de reggae más exitoso de todos los tiempos.</span>
<span class="attribution"><a class="source" href="https://www.gettyimages.com/detail/news-photo/still-life-of-a-of-a-limited-edition-record-of-bob-marley-news-photo/78869226?adppopup=true">Bob Berg/Getty Images</a></span>
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<p>Lo consiguió dando prioridad a las canciones centradas en temas de amor y paz, dejando fuera las que tratan sobre la revolucionaria política afrocéntrica de Marley y su visión rastafari del mundo, que sí aparecen en discos como <a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Survival_(Bob_Marley_and_the_Wailers_album)"><em>Survival</em></a>, de 1979.</p>
<p>En la segunda canción de ese álbum, “<a href="https://genius.com/Bob-marley-and-the-wailers-zimbabwe-lyrics">Zimbabwe</a>”, Marley elogia a los luchadores por la libertad del país en su batalla contra el opresivo régimen de Rodesia, declarando: “Todo hombre tiene derecho a decidir su propio destino”. También despotrica contra la explotación y la división en “Top Rankin” y “<a href="https://genius.com/Bob-marley-and-the-wailers-babylon-system-lyrics">Babylon System</a>”. Es más, en “<a href="https://genius.com/Bob-marley-and-the-wailers-survival-lyrics">Survival</a>” alaba los “sueños y esperanzas” y los “medios y formas” del mundo africano. Y “<a href="https://genius.com/Bob-marley-and-the-wailers-wake-up-and-live-lyrics">Wake Up and Live</a>” es una llamada al despertar espiritual y político.</p>
<p>Estos temas no aparecen en <em>Legend</em>. De hecho, ninguno de los temas de <em>Survival</em> aparece.</p>
<p>Cuatro décadas después de su muerte, Bob Marley sigue siendo el artista de <em>reggae</em> más importante del mundo. Pero son sus canciones más ligeras y menos controvertidas las que le han convertido en una superestrella mundial.</p>
<h2>La comercialización de un místico</h2>
<p>Una gran parte de esos 16 millones de dólares de ganancias también proceden del <em>merchandising</em>, que ha diluido aún más la política revolucionaria de Marley. </p>
<p>Gracias a lo que dos escritores llamaron “<a href="https://www.theguardian.com/commentisfree/2014/nov/22/marley-natural-legacy-marley-debate">la disneyficación de todo lo relacionado con Marley</a>”, ahora se puede comprar <a href="https://marleycoffee.com/">café de Bob Marley</a>, <a href="https://www.foodandwine.com/news/ben-and-jerrys-one-love-ice-cream">helado</a> y <a href="https://www.vogue.com/article/bob-marley-marley-natural-beauty-botanicals-jamaica">gel de baño</a>. Además, existe <a href="https://primitiveskate.com/collections/bob-marley">una línea de monopatines de Bob Marley</a> e incluso <a href="https://www.thehouseofmarley.com/">equipos de sonido de Bob Marley de origen sostenible</a>.</p>
<figure class="align-center ">
<img alt="Cajas de colores con dibujos animados de hombres negros fumando" src="https://images.theconversation.com/files/571217/original/file-20240124-25-woxyjy.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/571217/original/file-20240124-25-woxyjy.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=401&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/571217/original/file-20240124-25-woxyjy.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=401&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/571217/original/file-20240124-25-woxyjy.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=401&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/571217/original/file-20240124-25-woxyjy.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=504&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/571217/original/file-20240124-25-woxyjy.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=504&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/571217/original/file-20240124-25-woxyjy.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=504&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px">
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<span class="caption">Cartuchos de nicotina para vapear de la marca Marley se exponen junto a los de Snoop Dogg en la 2022 Vaper Expo de Birmingham, Inglaterra.</span>
<span class="attribution"><a class="source" href="https://www.gettyimages.com/detail/news-photo/disposable-flie-vapes-featuring-snoop-dogg-and-bob-marley-news-photo/1431608678?adppopup=true">John Keeble/Getty Images</a></span>
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<h2>Una marca de cannabis con el nombre de Marley</h2>
<p>La marca de cannabis <a href="https://www.billboard.com/music/music-news/marley-cannabis-brand-launch-6866955/#!">Marley Natural</a> muestra cómo el nombre de Marley se ha entrelazado comercialmente con la América corporativa.</p>
<p>Está financiada por la empresa estadounidense de capital privado <a href="https://www.bbc.co.uk/news/world-latin-america-30110235">Privateer Holdings</a>, a la que la familia Marley se había dirigido para sondear su interés por colaborar en el lanzamiento del producto. Los creadores del logotipo de Starbucks <a href="https://www.hecklerbranding.com/names-by-ha">fueron contratados para diseñar</a> el de Marley Natural, lo que subraya aún más los vínculos comerciales de la empresa. </p>
<p>Aparte del hecho obvio de que estas asociaciones no prestan atención a los mensajes anticapitalistas de Bob Marley, me parece amargamente irónico que una empresa de capital privado se llame a sí misma “privateer”, que significa “corsario”. Los <a href="https://www.rmg.co.uk/stories/topics/golden-age-piracy">corsarios</a> eran barcos con licencia para atacar, implicados en saqueos y asesinatos en todo el Caribe. Se incluirían entre los “viejos piratas” a los que Marley se refería en su lúgubre “<a href="https://www.lyrics.com/lyric/4003768/Bob+Marley/Redemption+Song">Redemption Song</a>”.</p>
<p>Aunque la familia Marley <a href="https://www.businesswire.com/news/home/20210607005453/en/Marley-Natural%C2%AE-Flagship-Cannabis-Retail-Store-to-Open-at-the-Bob-Marley-Museum-in-Jamaica">afirma que Bob habría aprobado</a> la empresa de cannabis, <a href="https://www.theguardian.com/commentisfree/2014/nov/22/marley-natural-legacy-marley-debate">los críticos ven una comercialización masiva indiscriminada</a>.</p>
<p>Las populares canciones y letras del artista también han sido adoptadas como herramientas de <em>marketing</em> para vender productos que guardan poca relación con la música y el mensaje de Marley. </p>
<p>En 2001, su hija Cedella, que dirige parte del patrimonio, lanzó una línea de moda llamada Catch a Fire. El nombre procede del primer álbum internacional de los Wailers, que el grupo publicó en 1973. En él, temas como “Slave Driver”, “Concrete Jungle” y “400 Years” conectan la pobreza del presente con las injusticias del pasado.</p>
<p>¿Pueden las camisetas y otras prendas ayudar a difundir estos mensajes? Tal vez.
Pero es difícil defender que una salsa picante con temática de Marley lo haga.</p>
<h2>La situación de <em>One Love</em></h2>
<p>Criticar cualquier aspecto del legado de Bob Marley puede provocar respuestas defensivas. Los herederos <a href="https://www.billboard.com/music/music-news/bob-marley-75th-birthday-billboard-cover-story-interview-2020-9363748/#!">han presentado durante mucho tiempo</a> la comercialización desenfrenada del nombre y la imagen de Marley como una forma importante de mantener y difundir los ideales del artista.</p>
<p>Sin embargo, creo que es importante asegurarse de que los valores artísticos y culturales de su música no se vean empañados por una comercialización desenfrenada. Aunque muchas de las empresas vinculadas a su nombre supuestamente recaudan <a href="https://bobmarleyfoundation.org/">dinero para la juventud jamaicana</a>, dudo mucho que esto sirva como contrapeso frente a la erosión de los mensajes de Marley.</p>
<p>La película <em>One Love,</em> respaldada por Paramount Pictures, <a href="https://www.imdb.com/title/tt8521778/fullcredits/?ref_=tt_cl_sm">con cuatro Marleys como productores</a>, sin duda ampliará la mitología y la dura realidad de la demasiado breve vida de Bob Marley, <a href="https://www.skincancer.org/blog/bob-marley-should-not-have-died-from-melanoma">truncada por un melanoma</a>. Pero también es un enorme vehículo de <em>marketing</em> para la venta de aún más <em>merchandising</em> oficial.</p>
<p>Por un lado, el hecho de que la gente compre con tanto entusiasmo productos con la cara y las palabras de Marley refleja la profunda conexión que sigue teniendo con sus oyentes. Pero, por otro lado, es difícil relacionar al artista –símbolo del poscolonialismo y el anticapitalismo– con colaboraciones con marcas y empresas de capital riesgo. </p>
<p>Su música significa mucho más. Y sus mensajes antiimperialistas, en un momento en que los belicistas amenazan los derechos humanos básicos en todo el mundo, son quizá más necesarios que nunca.</p><img src="https://counter.theconversation.com/content/222961/count.gif" alt="The Conversation" width="1" height="1" />
<p class="fine-print"><em><span>Mike Alleyne no recibe salario, ni ejerce labores de consultoría, ni posee acciones, ni recibe financiación de ninguna compañía u organización que pueda obtener beneficio de este artículo, y ha declarado carecer de vínculos relevantes más allá del cargo académico citado.</span></em></p>
¿Cómo ha llegado a comercializarse tanto la imagen de un músico cuyas canciones estaban impregnadas de mensajes anticapitalistas y antiimperialistas?
Mike Alleyne, Professor Emeritus of Recording Industry (Popular Music Studies & Music Business), Middle Tennessee State University
Licensed as Creative Commons – attribution, no derivatives.
tag:theconversation.com,2011:article/221474
2024-02-08T17:38:33Z
2024-02-08T17:38:33Z
¿A qué suenan las bandas sonoras nominadas a los Goya 2024?
<figure><img src="https://images.theconversation.com/files/573737/original/file-20240206-22-hub6z5.png?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=496&fit=clip" /><figcaption><span class="caption">Fotogramas de las cinco películas nominadas al Goya a Mejor Música Original. De izquierda a derecha, 'Saben aquell', 'La paradoja de Antares', 'Robot Dreams', 'La sociedad de la nieve' y 'El maestro que prometió el mar'. </span> <span class="attribution"><span class="source">Filmax/Selected Films/BTeam/FilmAffinity</span></span></figcaption></figure><p>La Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España entrega esta semana sus premios cinematográficos, los Goya, para reconocer a las películas que se han estrenado en España en 2023. Son, a su vez, los galardones más prestigiosos que existen para reconocer y fomentar la música en el cine español, concediendo galardones específicos a la Mejor Música Original y a la Mejor Canción Original. </p>
<p>Y precisamente en este artículo vamos a analizar esas bandas sonoras nominadas a Mejor Música Original, que serían:</p>
<ul>
<li><p><a href="https://www.filmaffinity.com/es/film484144.html"><em>La sociedad de la nieve</em></a>, con música del estadounidense Michael Giacchino.</p></li>
<li><p><a href="https://www.filmaffinity.com/es/film399287.html"><em>Robot Dreams</em></a>, con música del barcelonés Alfonso de Vilallonga.</p></li>
<li><p><a href="https://www.filmaffinity.com/es/film120550.html"><em>La paradoja de Antares</em></a>, con música del valenciano afincado en Barcelona Arnau Bataller.</p></li>
<li><p><a href="https://www.filmaffinity.com/es/film808837.html"><em>El maestro que prometió el mar</em></a>, con música de la argentina afincada en Barcelona Natasha Arizu. </p></li>
<li><p><a href="https://www.filmaffinity.com/es/film848364.html"><em>Saben aquell</em></a>, con música de la barcelonesa Andrea Motis. </p></li>
</ul>
<p>Es, sin duda, una selección de artistas de proyección internacional con Barcelona como centro neurálgico compositivo de la actualidad fílmica nacional.</p>
<hr>
<h2>Una experiencia inmersiva en la nieve</h2>
<p>Toda una generación adolescente y veinteañera en los noventa recuerda vivamente la interpretación de Ethan Hawke en <em>¡Viven!</em> (Alive, Frank Marshall, 1993), que narraba la “milagrosa” historia de supervivencia de un grupo de pasajeros tras el accidente del vuelo 571 de la Fuerza Aérea Uruguaya en la cordillera de los Andes en 1972. </p>
<p>Treinta años más tarde, <em>La sociedad de la nieve</em>, de Juan Antonio Bayona, se ha basado en el libro homónimo de Pablo Vierci y el documental homónimo de Gonzalo Arijón para volver a relatar esta historia. </p>
<p>Esta película cuenta, entre sus muchas bondades, con una banda sonora fundamental para la narración compuesta por <a href="https://michaelgiacchino.com/">Michael Giacchino</a>, ganador del Óscar y compositor de la música de películas como <em>Up</em> y <em>Coco</em>.</p>
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<figcaption><span class="caption">Tráiler de <em>La sociedad de la nieve</em>.</span></figcaption>
</figure>
<p>No es habitual en una producción española una banda sonora musical que abarque tanto metraje de película –27 bloques musicales, créditos aparte– ni plantee una riqueza sonora tan descomunal y con tanto mimo por el detalle. Sin duda, Giacchino propone un salto cualitativo y cuantitativo en el papel de la música en el global de una producción nacional que tiene como base tímbrica una pequeña orquesta. </p>
<p>La <a href="https://youtu.be/Vkk_498GcRk?si=vPtub6l9VmycbeZk">intención con la película</a> era plantear una experiencia inmersiva y otorgar a la música un papel fundamental para capturar las emociones y el estado de ánimo de los personajes. El compositor <a href="https://youtu.be/Vkk_498GcRk?si=vPtub6l9VmycbeZk">ha contado</a> que, en sus conversaciones con Bayona, su principal pregunta para afrontar la composición musical de la película era: “¿Cómo te sentirías si fueras esa persona? ¿Cómo te pondrías en su lugar?”. Es más, conceptualizó la banda sonora de <em>La sociedad de la nieve</em> como “la voz emocional de la gente que no pudo bajar de esa montaña”.</p>
<p>Para conseguir este resultado tan espectacular e intimista a la vez, Giacchino planteó su trabajo en orden, es decir, enfrentándose a las diferentes escenas según avanzaba la narración. Así, la música evoluciona con los personajes, mostrando a su vez cómo se desarrollan sus planteamientos, pensamientos y sentimientos sobre la situación concreta por la que están atravesando. </p>
<p>Para ello, se emplearon técnicas tímbricas específicas, como el golpeo de las cuerdas en el piano tras el choque, dándole a la ambientación de los Andes tras el accidente una apariencia de lugar inhóspito y planeta extraño, un tanto alienígena. </p>
<p>Cuando los personajes se enfrentan a la posibilidad de realizar un viaje para buscar ayuda, la banda sonora hace uso de ritmos tradicionales de la región, como el candombe montevideano, relacionado con el toque de tambores, y la inclusión de instrumentos indígenas. También se incluye un coro en lengua mapuche: en primer lugar, mientras se enfoca el sol tras las nubes después de haber comido carne humana por primera vez y, por último y solo con voces femeninas, cuando inician su marcha en busca de ayuda tras la muerte de uno de los protagonistas, Numa. Las letras hacen referencia a la madre tierra y su protección, pese a que esa misma tierra destruye la vida de muchos jóvenes en la cordillera. </p>
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<figcaption><span class="caption">Suite de <em>La sociedad de la nieve</em> (Michael Giacchino, 2023).</span></figcaption>
</figure>
<p>El silencio, además, cumple un papel fundamental: articula tanto el asombro ante el espectáculo paisajístico de los Andes como la terrible situación en la que se hallan los protagonistas. </p>
<p>El carácter intimista y melancólico viene dado por el tema principal de piano, que consiste en notas claramente identificables y acompañadas por la cuerda con carácter incisivo, metáfora de la futura catarsis de los protagonistas, de la que rescatarán la solidaridad, la búsqueda del sentido de la vida y lo implacable de la montaña. </p>
<hr>
<h2>Perfecta sincronización animada</h2>
<p><em>Robot Dreams</em>, <a href="https://www.editorialastronave.com/libro/robot-dreams">basada en el cómic homónimo de Sara Varon</a>, es una película animada que narra la historia de DOG, un perro de Manhattan que “adquiere” un amigo, Robot. Sus peripecias en la ciudad se articulan con la música jazz y ochentera del Nueva York de entonces, hasta que DOG se ve obligado a abandonar a Robot y la película plantea si volverán a reunirse. </p>
<p>Si <em>La sociedad de la nieve</em> opta a dos premios Óscar (Mejor Película Internacional y Mejor Maquillaje y Peluquería), <em>Robot dreams</em> está nominada como Mejor Película de Animación. </p>
<p>Su director, Pablo Berger, decidió colaborar por tercera vez con <a href="https://alfonsovilallonga.net/info">Alfonso de Vilallonga</a>. Cantautor y compositor con una amplia trayectoria como vocalista, Vilallonga es conocido por sus personalísimas bandas sonoras, entre ellas las de <em>Blancanieves</em> y <em>La librería</em>. </p>
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<figcaption><span class="caption">Tráiler de <em>Robot Dreams</em>.</span></figcaption>
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<p>Comenzó a trabajar en la música de <em>Robot Dreams</em> con un copión de animática básico y compuso alguna pieza, que luego debió modificar para ajustarse al tempo de la animación. La composición musical se dilató bastante en el tiempo, aproximadamente un año desde que Vilallonga comenzó a trabajar hasta que se realizó la grabación. Hay que resaltar que en la película no hay diálogos, todo lo que se oye es ruido del ambiente o la banda sonora compuesta para ella.</p>
<p>Según Vilallonga, Berger es muy exigente con la sincronización. El director tenía una idea muy concreta de la banda sonora musical que quería para su película: una sonoridad jazz con piano, batería, bajo y vibráfono, a la que sumar composiciones de Vilallonga para piano y melodías del cantautor. Tanto la instrumentación como el color musical estaban decididos. Con estas directrices, Vilallonga se puso como reto crear algo “original, que sonara nuevo, que sonara a él y a <em>Robot Dreams</em>, algo personal, no una de tantas bandas sonoras impersonales”, como me relató en una entrevista. </p>
<p><audio preload="metadata" controls="controls" data-duration="170" data-image="" data-title="Fragmento de la música de Robot Dreams." data-size="3416396" data-source="BTeam" data-source-url="" data-license="" data-license-url="">
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<div class="audio-player-caption">
Fragmento de la música de Robot Dreams.
<span class="attribution"><span class="source">BTeam</span><span class="download"><span>3,26 MB</span> <a target="_blank" href="https://cdn.theconversation.com/audio/2924/robot-chases-dog-vilallonga-premios-1.mp3">(download)</a></span></span>
</div></p>
<p>Sus ideas se concretaron en la realidad musical del Nueva York de los años ochenta; una época, por cierto, muy cercana al compositor, ya que entonces Vilallonga estudiaba en la escuela de jazz del Berkley College of Music de Boston. </p>
<p>Aún así, alguna pieza plantea sonoridades de los años veinte por expreso deseo del director: claqué, mucho viento y ritmo <em>vintage</em> para esa Nueva York un tanto nostálgica. Además, la banda sonora musical incluye solos para piano que resultan bastante atemporales: “Algunas pueden sonar más a piano pop de los 80 y hay piezas que podrían ser de Federico Mompou o Erik Satie”.</p>
<p>En palabras del propio Vilallonga, “definiría la música de <em>Robot Dreams</em> como un traje a medida muy jazzístico y con un corte a lo Vilallonga para el señor Berger, el cliente de su sastrería con una corbata de teclas de piano y un corte de jazz antiguo”. </p>
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<figcaption><span class="caption">Creación musical para <em>Robot Dreams</em>.</span></figcaption>
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<hr>
<h2>Salir del espacio sin abandonarlo</h2>
<p>No es habitual encontrar películas etiquetadas como ciencia ficción en el repertorio fílmico español. <em>La paradoja de Antares</em> es una de ellas. </p>
<p>La ficción se desarrolla en una única sala, en la que trabaja la astrofísica Alexandra Baeza en una filial española del proyecto SETI (Search for Extra Terrestrial Intelligence, en español “búsqueda de inteligencia extraterrestre”). La protagonista debe decidir entre acompañar a su padre en el hospital en sus últimos momentos de vida o continuar trabajando en posibles descubrimientos extraterrestres fundamentales para el devenir de la humanidad. </p>
<p>Estrenada en el Festival de Sitges, ha sido nominada –únicamente– al premio Goya a la mejor banda sonora. La composición musical de <em>La paradoja de Antares</em> recayó en el compositor <a href="https://arnaubataller.com/about/">Arnau Bataller</a>, quien se formó, como muchos de su generación, en Estados Unidos. </p>
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<figcaption><span class="caption">Un momento de <em>La paradoja de Antares</em>.</span></figcaption>
</figure>
<p>Cursó composición en la University of Southern California, especializándose en música de cine. Allí aprendió dos cuestiones fundamentales: la técnica y la especialización por departamentos, es decir, el oficio; y el valor capital del interés por el trabajo de composición. Esto lo pone en práctica cuando enseña en la Escola Superior de Música de Catalunya (ESMUC), haciendo que el alumnado sea partícipe de su trabajo en las grabaciones de algunas de sus composiciones para cine. </p>
<p>En una charla con él, Bataller me contó que en estos 20 años de carrera su trabajo ha evolucionado en dos aspectos fundamentales. Por un lado, es consciente de la importancia de plantearse qué se necesita para componer, y responder a qué necesita la película para la narrativa en cuestión de estilo, cantidad de música o dónde incorporarla. Ha ido conformando así, con la madurez, una visión de ser más sutil en sus planteamientos compositivos para la imagen. </p>
<p><audio preload="metadata" controls="controls" data-duration="164" data-image="" data-title="Fragmento de la música de La paradoja de Antares en la película." data-size="2632640" data-source="Arnau Bataller" data-source-url="" data-license="" data-license-url="">
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<div class="audio-player-caption">
Fragmento de la música de La paradoja de Antares en la película.
<span class="attribution"><span class="source">Arnau Bataller</span><span class="download"><span>2,51 MB</span> <a target="_blank" href="https://cdn.theconversation.com/audio/2926/02-arnau-bataller-paradoja-sgae.mp3">(download)</a></span></span>
</div></p>
<p>Por otro lado, ha visto una evolución tímbrica y sonora, que en sus primeros años se caracterizó por composiciones para orquesta, y ha evolucionado hacia un sonido menos sinfónico en formaciones más pequeñas, de cámara, con la incorporación de electrónica o instrumentos poco usuales. “Tenemos que saber escuchar la imagen para ver la música” es el manifiesto del compositor.</p>
<p>Bataller siempre trata de que un elemento musical defina la película en la que trabaja, bien sea la textura, un gesto o el timbre. Su máxima es ser parco en temas o sonoridades, con una identidad o unidad muy clara. En ocasiones, lo más importante no es la melodía sino otros parámetros de la música. </p>
<p><audio preload="metadata" controls="controls" data-duration="144" data-image="" data-title="Otro fragmento de la música de La paradoja de Antares dentro de la película." data-size="2313737" data-source="Arnau Bataller" data-source-url="" data-license="" data-license-url="">
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<div class="audio-player-caption">
Otro fragmento de la música de La paradoja de Antares dentro de la película.
<span class="attribution"><span class="source">Arnau Bataller</span><span class="download"><span>2,21 MB</span> <a target="_blank" href="https://cdn.theconversation.com/audio/2928/01-arnau-bataller-paradoja-sgae-online-audio-converter-com.mp3">(download)</a></span></span>
</div></p>
<p>De acuerdo a su autor, la música de <em>La paradoja de Antares</em> es de concepto muy clásica, marcada por melodías y armonías muy sencillas, con una sonoridad grande de orquesta que busca dar una dimensión a la parte narrativa y visual. Destaquemos aquí que esta película se ha hecho con muy poco presupuesto, fue rodada en el estudio del director –simulando ser éste la zona de trabajo de la protagonista en el SETI– y se realizó siguiendo la premisa de hacer creer al espectador que no todo lo que está pasando en la película sucede en esas cuatro paredes. </p>
<hr>
<h2>El presente que busca el pasado</h2>
<p>La exhumación de fosas comunes sirve como telón de fondo para la historia de Antoni Benaiges, un joven maestro de Tarragona que plantea una renovación pedagógica en un pueblo de provincias en la España previa a la Guerra Civil. Antoni inspiró a sus alumnos con la introducción de la imprenta en la escuela, el texto libre y el método natural de lectura y escritura, y les hizo una promesa: llevarles a ver el mar.</p>
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<figcaption><span class="caption">Tráiler de <em>El maestro que prometió el mar</em>.</span></figcaption>
</figure>
<p>La música original de la película ha sido compuesta por <a href="https://www.natiarizu.com/copy-of-b-i-o">Natasha Arizu</a> en su primer trabajo en un largometraje. Tras cursar la carrera de música con especialidad en piano en el conservatorio de Buenos Aires, y un semestre de jazz y piano en la Universidad de Nevada, en Reno, Arizu arribó a Barcelona para cursar un máster de composición de bandas sonoras y música para medios audiovisuales en la ESMUC. </p>
<p>Entre sus profesores se encontraba Arnau Bataller, quien realizó labores de mentoría con Arizu en su ópera prima. Así, parece que en el ámbito de la composición audiovisual, España está por fin creando escuela en el siglo XXI. Creo que es la primera vez que en los Goya maestro y discípula compiten por la misma estatuilla en la categoría de Mejor Música Original. </p>
<p>La propia compositora admite, en una entrevista que le hice: “Mi voz tiene un color intimista, es bastante minimalista, aunque todavía lo estoy buscando y no me podría definir por un estilo en particular porque me gusta experimentar y cada proyecto es diferente”. Tras recibir el guion de la película, Arizu se incorporó al proyecto en fase de postproducción, y la directora –muy detallista y con un buen oído– le planteó la posibilidad de una banda sonora musical con un conjunto instrumental no muy grande, indicando cortes musicales en la película, pero siempre desde una postura flexible. </p>
<p><audio preload="metadata" controls="controls" data-duration="82" data-image="" data-title="Fragmento de la música de El maestro que prometió el mar dentro de la película." data-size="1321720" data-source="Filmax" data-source-url="" data-license="" data-license-url="">
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Fragmento de la música de El maestro que prometió el mar dentro de la película.
<span class="attribution"><span class="source">Filmax</span><span class="download"><span>1,26 MB</span> <a target="_blank" href="https://cdn.theconversation.com/audio/2927/maestro-2-online-audio-converter-com.mp3">(download)</a></span></span>
</div></p>
<p>La instrumentación cuenta con la colaboración de la <a href="https://www.instagram.com/ost.orchestra/">Original Soundtrack Orchestra</a>, una orquesta autogestionada y formada por una casi veintena de músicos jóvenes, en su mayoría también egresados de la ESMUC, que están comenzando en audiovisual. La propia Arizu interpreta las partes de piano. Además, la película cuenta con algunos ensamblados de electrónica para conformar una sonoridad híbrida –por momentos más electrónica, por momentos más orgánica– con la ayuda del bloque de cuerdas. Debido al bajo presupuesto de la producción, se utilizó música pregrabada en el caso de <em>samplers</em>, sintetizadores y el arpa.</p>
<p>La película se divide en dos partes claramente identificables: una revisión del pasado nostálgico del maestro antes de la Guerra Civil; y el presente. Musicalmente también se aprecia esa división. En el pasado se busca un sonido más “inocente y mágico” relacionado con la actividad docente de Antoni y la luz que transmitía a sus alumnos. En el presente, la música articula el desentierro de la memoria, asociado con una temática más oscura. Ambas propuestas se ensamblan tras la captura de Antoni y las sonoridades se mezclan.</p>
<p><audio preload="metadata" controls="controls" data-duration="153" data-image="" data-title="Fragmento de la música de El maestro que prometió el mar dentro de la película." data-size="2451045" data-source="Filmax" data-source-url="" data-license="" data-license-url="">
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<div class="audio-player-caption">
Fragmento de la música de El maestro que prometió el mar dentro de la película.
<span class="attribution"><span class="source">Filmax</span><span class="download"><span>2,34 MB</span> <a target="_blank" href="https://cdn.theconversation.com/audio/2925/maestro-4-online-audio-converter-com.mp3">(download)</a></span></span>
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<p>La música de <em>El maestro que prometió el mar</em> es, en palabras de la compositora, “delicada, intimista, con responsabilidad y respeto para no interferir con la historia y la imagen”. Arizu buscaba “el rol de la música, que apoye, pero de manera sutil”. Su objetivo era “encontrar el espacio y el tono donde la música aporte siempre, no invada, desde un lugar en el que el espectador casi no se dé cuenta”.</p>
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<h2>Música para un tiempo</h2>
<p>“Saben aquell que diu…” era el característico inicio en escena del humorista Eugenio, un fenómeno en la España de los años ochenta con orígenes en locales <em>underground</em> de la Barcelona de entonces. La película de David Trueba, <em>Saben aquell</em>, narra esos inicios de Eugenio en compañía de su esposa Conchita. Ambos construirán el personaje, caracterizado por sus reconocibles gafas oscuras y camisa negra, siempre acompañado por sus cigarrillos y su vaso de tubo, sentado en un taburete.</p>
<p>La banda sonora musical está compuesta por dos bloques claramente diferenciados que se complementan. Por un lado, está la música narrativa que acompaña a los dos protagonistas en su periplo personal y profesional, creada por la cantante, compositora, trompetista y saxofonista <a href="https://andreamotis.com/es/intro/">Andrea Motis</a>. Por otro, los números diegéticos (interpretados dentro de la acción de la película) que retratan la Barcelona de los años 60 y 70: música preexistente y reconocible por la audiencia con el telón de fondo de la Nova Cançó en los años setenta, el movimiento artístico y musical contracultural catalán que impulsó la reivindicación del uso normalizado del catalán.</p>
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<figcaption><span class="caption">Tráiler de <em>Saben aquell</em>.</span></figcaption>
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<p>La música creada por Motis plantea la predominancia del viento metal, sobre todo motivos temáticos protagonizados por el saxo –con alguna concesión al piano– en notas largas, tenidas, en general pausadas, y que se funde con los locales de barrio por donde transitan Eugenio y Conchita, articulando sus difíciles y nocturnos comienzos en Barcelona. </p>
<p>Por ejemplo, la música se presenta en momentos previos a sus actuaciones: cuando Eugenio le regala un colgante con el nombre del grupo que forman, Els dos; cuando se enteran de la muerte de Franco; cuando Conchita descubre el interés del público por Eugenio en sus habituales actuaciones nocturnas; o cuando abren su propio local de copas y actuaciones, Sausalito.</p>
<p>El otro paisaje sonoro fundamental y complementario a este, el contracultural, completa el dibujo del humorista. Durante la primera parte de la película, son comunes las alusiones a canciones que reflejan las necesidades de un cambio político, social y cultural, coincidiendo además con la muerte de Franco en el tiempo fílmico. Conchita interpreta, sola o acompañada por Eugenio, varias canciones en catalán, reconociendo sobre todo “Vinyes verdes vora el mar” o “Amor particular” de Lluís Llach. </p>
<p>El guion hace alusión a cantautores del momento, como Joan Manuel Serrat. De hecho, el agente de Conchita le comenta a su clienta que continúe carrera musical en solitario, ya que es tiempo de mujeres cantautoras empoderadas y reivindicativas como Massiel, María Ostiz y la inconfundible Cecilia. La película incluso recrea la participación del dúo en el II Concurso Nacional de la Canción Española con la canción “<a href="https://www.youtube.com/watch?v=rJsDzRad0sU">La balada del maderero</a>”, con la que quedaron en un nada desdeñable cuarto puesto para representar a España en Eurovisión 1970.</p>
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<figcaption><span class="caption">Escenas de <em>Saben aquell</em> alrededor de Conchita.</span></figcaption>
</figure><img src="https://counter.theconversation.com/content/221474/count.gif" alt="The Conversation" width="1" height="1" />
<p class="fine-print"><em><span>Laura Miranda no recibe salario, ni ejerce labores de consultoría, ni posee acciones, ni recibe financiación de ninguna compañía u organización que pueda obtener beneficio de este artículo, y ha declarado carecer de vínculos relevantes más allá del cargo académico citado.</span></em></p>
Con motivo de los Premios Goya, analizamos las cinco nominadas a Mejor Música Original, una categoría que demuestra que se está creando escuela en España y que esa escuela es muy barcelonesa.
Laura Miranda, Profesora del Departamento de Historia del Arte y Musicología, Universidad de Oviedo
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tag:theconversation.com,2011:article/221941
2024-02-07T22:13:22Z
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Siete películas españolas para hablar el lenguaje cinematográfico
<figure><img src="https://images.theconversation.com/files/573423/original/file-20240205-29-iurnzo.jpg?ixlib=rb-1.1.0&rect=1%2C3%2C1274%2C714&q=45&auto=format&w=496&fit=clip" /><figcaption><span class="caption">José Luis López Vázquez y Geraldine Chaplin en 'Peppermint Frappé', de Carlos Saura.</span> <span class="attribution"><a class="source" href="https://www.imdb.com/title/tt0062113/mediaviewer/rm2487481345/?ref_=tt_md_2">IMDB</a></span></figcaption></figure><p><em>Con motivo de la última edición de los Premios Goya, pedimos a varios de nuestros autores que seleccionasen una película española del siglo XX que mereciese la pena destacar por el uso que hiciese de algún aspecto de la narrativa audiovisual, una película que utilizase de forma efectiva el lenguaje cinematográfico para contar su historia. La historia del cine español, tan rica y variada como la de otras cinematografías, bien valía este repaso. Esta es la selección que han hecho de ello.</em></p>
<hr>
<h2>El plano secuencia de <em>El verdugo</em>, de Luis García Berlanga (1963)</h2>
<p><a href="https://www.filmaffinity.com/es/film411856.html"><em>El verdugo</em></a> es una película paradigmática que ilustra cómo el cine puede retratar la realidad con maestría visual. La crítica a la pena de muerte queda subrayada a través del blanco y negro y del corrosivo guion de Rafael Azcona, mientras su escena final es un escalofriante alegato contra la violencia que, pese a su aparente sencillez formal, entraña una dificultad técnica extraordinaria. </p>
<figure class="align-center zoomable">
<a href="https://images.theconversation.com/files/573404/original/file-20240205-29-o9305y.png?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=1000&fit=clip"><img alt="Dos grupos de personas arrastran a dos seres humanos diferentes por un espacio abierto." src="https://images.theconversation.com/files/573404/original/file-20240205-29-o9305y.png?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/573404/original/file-20240205-29-o9305y.png?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=330&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/573404/original/file-20240205-29-o9305y.png?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=330&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/573404/original/file-20240205-29-o9305y.png?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=330&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/573404/original/file-20240205-29-o9305y.png?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=415&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/573404/original/file-20240205-29-o9305y.png?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=415&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/573404/original/file-20240205-29-o9305y.png?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=415&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px"></a>
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<span class="caption">Fotograma de la última escena de <em>El verdugo</em>, de Luis García Berlanga.</span>
<span class="attribution"><a class="source" href="https://www.imdb.com/title/tt0057643/mediaviewer/rm4134243329/?ref_=tt_md_3">IMDB</a></span>
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<p>Rodada en plano secuencia (una única toma sin cortes), la cámara se aleja del verdugo que debe ajusticiar al reo contra su voluntad. Su fortaleza flaquea ante sus acompañantes, mientras la cámara sigue alejándose, dejando ver la dimensión de una escena dantesca en plano general. La imagen es testigo mudo de la injusticia. Con escenografía desnuda y sin banda sonora, la atención se centra en el forcejeo y en los sollozos. Su angulación picada muestra tanta crudeza que sigue conmoviendo en la actualidad. </p>
<p><em><strong>Seleccionada por Lucía Tello Díaz.</strong></em></p>
<hr>
<h2>La música de <em>Peppermint Frappé</em>, de Carlos Saura (1967)</h2>
<p><a href="https://www.filmaffinity.com/es/film326621.html">Esta película</a> constituye un hito en la carrera de Carlos Saura, uno de los más relevantes cineastas españoles surgidos durante franquismo. Fue la primera vez que colaboró con su futura mujer, Geraldine Chaplin, y con el guionista Rafael Azcona. Fue asimismo la primera ocasión en que rozó la Palma de Oro en Cannes. </p>
<p>Supuso además la consolidación de su estilo: una mezcla de realismo crítico y alegoría que bebía de fuentes tan dispares como Buñuel, Hitchcock o la estética pop de los sesenta. De la película fascina también su ecléctica banda sonora. Cantos tradicionales como el <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Misterio_de_Elche"><em>Misterio de Elche</em></a> se mezclan con la música contemporánea compuesta para la ocasión por Luis de Pablo. Pero los fragmentos más icónicos provienen de las secuencias en las que Chaplin baila al son de “The Incredible Mrs. Perryman”, del popular grupo Los Canarios, y de los perturbadores redobles de los tambores de Calanda con los que finaliza la película. </p>
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<figcaption><span class="caption">Geraldine Chaplin bailando.</span></figcaption>
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<p>La coexistencia de unos sonidos y otros marca el tema subyacente de <em>Peppermint Frappé</em>, que no es otro que la imposible convivencia entre tradición y modernidad en la hipócrita y perversa España franquista. </p>
<p><em><strong>Seleccionada por Gabriel Doménech González.</strong></em></p>
<hr>
<h2>La comunicación con el espectador de <em>Bodas de sangre</em>, de Carlos Saura (1981)</h2>
<p>Lo que mejor define una película es cómo plantea la comunicación con el espectador. Estamos acostumbrados a una comunicación indirecta (el espectador olvida que ve una película) y sentimental (se identifica con los personajes). <em>Bodas de sangre</em>, en cambio, propone una comunicación directa y espectacular. </p>
<p>Directa porque Saura hace visible que estamos en el rodaje del ensayo general de un ballet: los actores se maquillan, se visten, ensayan, cuentan su vida… Espectacular porque la obra de Lorca es aquí una suma de espectáculos: se baila, se canta, se tañe la guitarra, se interpreta sin palabras, se filma la acción con unos planos que solo los ojos de la cámara nos pueden ofrecer. </p>
<p>Y si el clímax es el punto culminante de toda película, Saura nos presenta aquí uno de los más bellos del cine español: el lance violento a navajas bailado a cámara lenta por El Novio (Juan Antonio Jiménez) y Leonardo (Antonio Gades).</p>
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<figcaption><span class="caption">El baile a cámara lenta entre El Novio y Leonardo.</span></figcaption>
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<p><em><strong>Seleccionada por Emeterio Diez Puertas.</strong></em></p>
<hr>
<h2>La profundidad de campo de <em>Calle Mayor</em>, de Juan Antonio Bardem (1956)</h2>
<p><a href="https://www.filmaffinity.com/es/film751438.html"><em>Calle Mayor</em></a> narra la broma pesada que un grupo de amigos deciden gastar a una mujer en una ciudad de provincias. Los amigos de Juan lo convencen para que engañe a Isabel haciéndole creer que está enamorado y se va a casar con ella. </p>
<p>A través de la profundidad de campo se muestra la escena del primer encuentro amoroso en la iglesia. Allí Isabel aparece en primer plano, emocionada por la sospecha de que Juan esté observándola desde detrás de los bancos, mientras Juan espera desafiante al fondo, esperando que ella le devuelva la mirada para iniciar así su cortejo. </p>
<figure class="align-center zoomable">
<a href="https://images.theconversation.com/files/573410/original/file-20240205-17-osxc.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=1000&fit=clip"><img alt="Una mujer en primer plano mientras un hombre la mira desde atrás." src="https://images.theconversation.com/files/573410/original/file-20240205-17-osxc.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/573410/original/file-20240205-17-osxc.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=450&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/573410/original/file-20240205-17-osxc.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=450&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/573410/original/file-20240205-17-osxc.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=450&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/573410/original/file-20240205-17-osxc.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=566&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/573410/original/file-20240205-17-osxc.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=566&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/573410/original/file-20240205-17-osxc.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=566&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px"></a>
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<span class="caption">Fotograma de <em>Calle Mayor</em>, de J. A. Bardem.</span>
<span class="attribution"><a class="source" href="https://www.filmaffinity.com/es/filmimages.php?movie_id=751438">FilmAffinity</a></span>
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</figure>
<p>Más tarde, el uso del montaje paralelo, la iluminación y la música muestran un contraste entre la esperanza radiante y alegre de ella en su habitación y el tormento que vive Juan en la suya, rodeado por sombras distorsionadas cuando se arrepiente de su broma. </p>
<p>Durante el desenlace en el salón de baile, un piano desafinado anticipa la desgracia de Isabel, para quien las luces de la lámpara de techo, antes resplandecientes, terminarán apagándose desde un plano en picado, con la cámara enfocándola desde arriba, que la deja sola.</p>
<p><em><strong>Seleccionada por Mercedes Ontoria Peña.</strong></em></p>
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<h2>El montaje de <em>Canciones para después de una guerra</em>, de Basilio Martín Patino (1971-1976)</h2>
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<a href="https://images.theconversation.com/files/573418/original/file-20240205-29-lawre6.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=1000&fit=clip"><img alt="Cartel de _Canciones para despuaes de una guerra_, de Basilio Martín Patino." src="https://images.theconversation.com/files/573418/original/file-20240205-29-lawre6.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=237&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/573418/original/file-20240205-29-lawre6.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=831&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/573418/original/file-20240205-29-lawre6.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=831&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/573418/original/file-20240205-29-lawre6.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=831&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/573418/original/file-20240205-29-lawre6.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=1045&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/573418/original/file-20240205-29-lawre6.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=1045&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/573418/original/file-20240205-29-lawre6.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=1045&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px"></a>
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<span class="caption">Cartel de <em>Canciones para despuaes de una guerra</em>, de Basilio Martín Patino.</span>
<span class="attribution"><a class="source" href="https://www.filmaffinity.com/es/film627403.html">FilmAffinity</a></span>
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<p><a href="https://www.filmaffinity.com/es/film627403.html">Este documental</a>, hecho en la clandestinidad y estrenado tras la muerte de Franco en 1976, muestra a día de hoy la fuerza que tiene esta forma fílmica para reformularse y reconstruir los relatos que trabajan a partir de lo real. La película, elaborada a partir de materiales de diferente procedencia como fragmentos de otras películas, noticiarios, revistas y músicas populares, trata de cambiar el sentido original de las mismas así como revertirlo a través del montaje. </p>
<p>La obra propone una nueva lectura de la posguerra alejada de la mostrada por el régimen franquista mediante el contraste ofrecido por la imagen y el sonido. Una película que fue incapaz de sortear la censura y que acabó estrenándose durante la transición, abriendo el camino a muchas otras obras que indagan de forma creativa en nuestro pasado y en los discursos oficiales y/o hegemónicos. </p>
<p><em><strong>Seleccionada por Beli Martínez.</strong></em></p>
<hr>
<h2>La narración no convencional de <em>Angustia</em>, de Bigas Luna (1987)</h2>
<figure class="align-right zoomable">
<a href="https://images.theconversation.com/files/573403/original/file-20240205-25-ixxwze.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=1000&fit=clip"><img alt="Cartel de _Angustia _, de Bigas Luna." src="https://images.theconversation.com/files/573403/original/file-20240205-25-ixxwze.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=237&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/573403/original/file-20240205-25-ixxwze.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=886&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/573403/original/file-20240205-25-ixxwze.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=886&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/573403/original/file-20240205-25-ixxwze.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=886&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/573403/original/file-20240205-25-ixxwze.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=1113&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/573403/original/file-20240205-25-ixxwze.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=1113&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/573403/original/file-20240205-25-ixxwze.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=1113&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px"></a>
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<span class="caption">Cartel de _Angustia _, de Bigas Luna.</span>
<span class="attribution"><a class="source" href="https://www.filmaffinity.com/es/filmimages.php?movie_id=136376">FilmAffinity</a></span>
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</figure>
<p>Fue <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film136376.html">este</a> un proyecto largo tiempo acariciado por Bigas Luna y, tal vez, una de las propuestas estéticas más radicales de toda su filmografía. Fascinado por la magia de las salas de cine y obsesionado por encontrar el medio de confundir la realidad del espectador con la ficción narrada en la pantalla, el cineasta decidió juguetear con la manera en la que la historia de su asesino en serie iba ser contada. </p>
<p>En lugar de una estructura narrativa lineal y plana (planteamiento, nudo y desenlace), la trama de <em>Angustia</em> se despliega como en una espiral, donde se suceden diversos planos ficcionales. Así, no solo consigue la identificación del público, sino conducirlo, enmarañándolo física y emocionalmente, hasta un estado hipnótico, casi catártico. Hay, pues, una tridimensionalidad psicológica, un intento de romper la cuarta pared e involucrar al espectador a su pesar en el horror que se despliega ante sus ojos. </p>
<p><em><strong>Seleccionada por Gonzalo M. Pavés.</strong></em></p>
<hr>
<h2>La claustrofobia de <em>Distrito quinto</em>, de Julio Coll (1957)</h2>
<p>Hay ocasiones en las que los espectadores subestiman la calidad del cine español. Sin embargo, existen ejemplos en los que esta cinematografía se anticipó a la americana en varias décadas. Es el caso de <em>Distrito quinto</em>, película moderna en su concepción, que recuerda lo que años más tarde supondría un éxito internacional para Quentin Tarantino: <em>Reservoir dogs</em>. En ambas, un grupo de atracadores que ha huido de un robo de forma independiente se reúne en un espacio claustrofóbico, esperando a recibir el botín y recordando, con <em>flashbacks</em>, qué les ha llevado hasta ese punto.</p>
<p>El cine de Coll conforma un universo personal, con dominio del drama psicológico en películas directas. Es el caso de <em>Distrito quinto</em>, donde su labor no se limita a la colocación de la cámara, sino que abarca también la puesta en escena. Sitúa la acción en un único espacio, donde ambientación, encuadres y movimiento de actores conforman una estructura visual muy dinámica. Todo ello, junto con la música, serán factores que vertebrarán el filme, y posteriormente toda su obra. </p>
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<figcaption><span class="caption">Fragmento de <em>Distrito quinto</em>.</span></figcaption>
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<p><strong><em>Seleccionada por Carmen Rodríguez Fuentes.</em></strong></p><img src="https://counter.theconversation.com/content/221941/count.gif" alt="The Conversation" width="1" height="1" />
<p class="fine-print"><em><span>Las personas firmantes no son asalariadas, ni consultoras, ni poseen acciones, ni reciben financiación de ninguna compañía u organización que pueda obtener beneficio de este artículo, y han declarado carecer de vínculos relevantes más allá del cargo académico citado anteriormente.</span></em></p>
Con motivo de los Premios Goya 2024 echamos la vista atrás, a grandes clásicos del cine español que tienen mucho que decir sobre la narrativa audiovisual.
Lucía Tello Díaz, Doctora. Directora Académica del Máster en Estudios Avanzados en Cinematografía de la Universidad Internacional de La Rioja, UNIR - Universidad Internacional de La Rioja
Beli Martínez, Profesora de Comunicación Audiovisual y Publicidad, Universidade de Vigo
Emeterio Diez Puertas, Profesor Doctor, Universidad Camilo José Cela
Gabriel Doménech González, Profesor Ayudante Específico, Departamento de Comunicación, Facultad de Humanidades, Comunicación y Documentación (UC3M), Universidad Carlos III
Gonzalo M. Pavés Borges, Profesor titular de Historia del cine, cómic y cultura visual, Universidad de La Laguna
María Carmen Rodríguez Fuentes, Profesora de Cine Español, Universidad de Málaga
Mercedes Ontoria Peña, Investigadora predoctoral en Estudios Fílmicos en la Universidad Autónoma de Madrid. Profesora en el Departamento de Lenguas y Literatura, Universidad Nebrija
Licensed as Creative Commons – attribution, no derivatives.
tag:theconversation.com,2011:article/221799
2024-02-01T19:15:00Z
2024-02-01T19:15:00Z
El franquismo en la gran pantalla: historia del NO-DO
<figure><img src="https://images.theconversation.com/files/572491/original/file-20240131-25-kv6g9l.jpg?ixlib=rb-1.1.0&rect=3%2C6%2C1019%2C676&q=45&auto=format&w=496&fit=clip" /><figcaption><span class="caption">Francisco Franco durante una competición de regatas en la bahía de la Concha en San Sebastián, evento también retransmitido en el NO-DO 1028A.</span> <span class="attribution"><a class="source" href="https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Francisco_Franco_durante_una_competici%C3%B3n_de_regatas_en_la_bah%C3%ADa_de_la_Concha_(5_de_8)_-_Fondo_Mar%C3%ADn-Kutxa_Fototeka.jpg">Fondo Marín-Kutxa Fototeka</a>, <a class="license" href="http://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0/">CC BY-SA</a></span></figcaption></figure><p>28 de diciembre de 1895. Salón Indio del Grand Café de París. <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Hermanos_Lumi%C3%A8re">Auguste y Louis Lumière</a> proyectan las primeras imágenes grabadas en movimiento de la historia, bajo el título <a href="https://www.youtube.com/watch?v=J1EdyZtkGXo"><em>La salida de la fábrica Lumière en Lyon</em></a>. </p>
<p>Lo que fue una proyección casi exclusiva para un selecto grupo de unos cuarenta espectadores terminó siendo tan fascinante que, más allá de celebrarse como el nacimiento oficial de la cinematografía, daría paso a un fenómeno popularizado nada más alcanzar el novecientos. El cine dominó buena parte del siglo XX, convirtiéndose en un medio de masas que aunaba cultura, entretenimiento, industria, arte… y sueños. A su vez, devenía en un acto, un lenguaje, una expresión de entendimiento universal que enseguida traspasó las fronteras de aquella Francia que lo vio nacer. </p>
<p>En España, tras las primeras exhibiciones cinematográficas en mayo de 1896, el reinado del cine se desarrolló con dos particulares singularidades a partir de la década de 1930. </p>
<p>Por un lado, se consagró el doblaje al castellano de la producción extranjera. Se creó así una tradición y una profesión <a href="https://adoma.es/qrio-ritaq-1929/">que empezó con el film estadounidense <em>Rio Rita</em></a>. Pero se perdió, a largo plazo, la oportunidad de familiarizarse con otras lenguas y se facilitaron la manipulación y la censura. </p>
<p>Por otro lado, durante casi todo el franquismo se impuso la proyección obligatoria de un informativo cinematográfico. Conocido popularmente como Noticiario Español, o más comúnmente NO-DO, su nombre era acrónimo de la empresa estatal que lo dio a luz: Noticiarios y Documentales, artífice de hasta <a href="https://drive.google.com/file/d/1a6z2GD5i9Bg3cnh0QCrNClRG7z6DUVu3/view?usp=sharing">once creaciones cinematográficas varias</a>.</p>
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<a href="https://images.theconversation.com/files/572494/original/file-20240131-19-6oxoz2.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=1000&fit=clip"><img alt="Cabecera del NO-DO." src="https://images.theconversation.com/files/572494/original/file-20240131-19-6oxoz2.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/572494/original/file-20240131-19-6oxoz2.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=450&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/572494/original/file-20240131-19-6oxoz2.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=450&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/572494/original/file-20240131-19-6oxoz2.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=450&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/572494/original/file-20240131-19-6oxoz2.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=566&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/572494/original/file-20240131-19-6oxoz2.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=566&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/572494/original/file-20240131-19-6oxoz2.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=566&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px"></a>
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<span class="caption">Cabecera del NO-DO.</span>
<span class="attribution"><a class="source" href="https://www.rtve.es/play/videos/nodo/not-231/1467367/">RTVE</a></span>
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<h2>Características e impacto del NO-DO</h2>
<p>La dictadura quiso aprovechar un medio que le permitía superar las limitaciones del analfabetismo y que le servía un público cautivo –antes de cualquier película, su emisión y visionado eran ineludibles en todas las salas de exhibición–. </p>
<p>Se beneficiaba también de la falta de competencia respecto de su mensaje y del potencial técnico y sugestivo del cine. Así pudo moldear a su discreción un imaginario social único e indiscutible en buena parte de la población española. Este mensaje, además, se integraba en un ecosistema mediático bajo control directo o indirecto (Falange, Iglesia, Sindicato Único…) del régimen, tanto respecto de su propiedad como de su mensaje e informaciones.</p>
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Leer más:
<a href="https://theconversation.com/cuando-franco-decidio-controlar-el-cine-espanol-217388">Cuando Franco decidió controlar el cine español</a>
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<p>Ya desde antes y durante la Guerra Civil <a href="https://journals.openedition.org/argonauta/1195">hallamos precedentes</a> de noticiarios cinematográficos orientados a favor de cada bando –tenemos los ejemplos del <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Noticiario_Espa%C3%B1ol"><em>Noticiario Español</em></a> (1931-1938) y <a href="https://www.europeanfilmgateway.eu/search-efg/Laya%20Films/exact?page=0%2C0%2C0"><em>Espanya al dia</em></a> (1937-1938) en la zona republicana y de otro <a href="https://www.youtube.com/playlist?list=PLgM8MmF1-E_NKu_w6O4W25wN3X57lqSFA"><em>Noticiario Español</em></a> en la zona sublevada (1938-1939)–. Pero el NO-DO suponía un paso más, al depender directamente del poder franquista y asumir la exclusividad sobre este ámbito. Emitido <a href="https://www.rtve.es/play/videos/noticiarios-nodo/not-1-introduccion-primer-noticiario-espanol/1465256/">por primera vez el 4 de enero de 1943</a>, se extendió oficialmente <a href="https://www.rtve.es/play/videos/nodo/not-1966/1467587/">hasta tiempos postfranquistas del 25 de mayo de 1981</a>. </p>
<p>Sin embargo, su época gloriosa empezó a declinar en los años sesenta por la competencia de la televisión (<a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Televisi%C3%B3n_Espa%C3%B1ola">TVE</a>, creada en 1956) que poco a poco le disputaría la exclusividad informativa. Su caída final llegó en la segunda mitad de los setenta, tan pronto como su emisión dejó de ser prescriptiva y los televisores se generalizaron ampliamente en los domicilios particulares, condicionando desde el diseño de las casas a las conversaciones de las sobremesas o los horarios y gustos del entretenimiento.</p>
<p>Con periodicidad semanal, cada pieza contaba con 10 minutos casi exactos para dar a conocer sucesos y actualidades nacionales e internacionales, salvo el episodio inaugural que duró poco más de 23 minutos (llamado pregenérico fundacional). </p>
<p>El NO-DO se caracterizó por tener un formato en blanco y negro acompañado de voces en off masculinas. Esto sólo pudo romperse ya durante la transición a la democracia, cuyos vientos de cambio también impactaron en el noticiario. Prueba de ello son el primer episodio emitido en color (<a href="https://www.rtve.es/play/videos/noticiarios-nodo/not-1795/1467325/">20 de junio de 1977</a>) y el primero en contar con una voz en off femenina (<a href="https://www.rtve.es/play/videos/noticiarios-nodo/not-1919/1467327/">10 de diciembre de 1979</a>).</p>
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<a href="https://images.theconversation.com/files/572782/original/file-20240201-23-ixwoou.PNG?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=1000&fit=clip"><img alt="Imagen de un operador de cámara del NO-DO trabajando." src="https://images.theconversation.com/files/572782/original/file-20240201-23-ixwoou.PNG?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/572782/original/file-20240201-23-ixwoou.PNG?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=431&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/572782/original/file-20240201-23-ixwoou.PNG?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=431&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/572782/original/file-20240201-23-ixwoou.PNG?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=431&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/572782/original/file-20240201-23-ixwoou.PNG?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=542&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/572782/original/file-20240201-23-ixwoou.PNG?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=542&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/572782/original/file-20240201-23-ixwoou.PNG?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=542&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px"></a>
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<span class="caption">Imagen de un operador de cámara del NO-DO trabajando.</span>
<span class="attribution"><a class="source" href="https://www.rtve.es/play/videos/nodo/not-1304-conmemorativo-25-anos/1486951/">RTVE</a></span>
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<p>Más allá de este paréntesis final, en los años centrales de funcionamiento, el contenido del NO-DO se correspondía, con precisión cirujana, a la ortodoxia autorizada por el franquismo. </p>
<p>Solamente se abordaba aquello que convenía, interesaba y se podía mostrar de manera desenfadada y sin ideología aparente, pero con una gran misión legitimadora de la causa franquista o, cuando menos, edulcorada de la realidad española y mundial. Esta parcialidad se evidencia en temas como <a href="https://www.youtube.com/watch?v=anbI0kfi_rs">la representación de la mujer</a>, <a href="https://www.youtube.com/watch?v=aBij2feJ9xQ">la diversidad regional reducida al folclore de Coros y Danzas a mayor gloria de Eva Perón</a> o <a href="https://www.youtube.com/watch?v=IjLIcaL74Lg">la celebración de los llamados 25 Años de Paz de Franco</a>. </p>
<p>Aunque había quien se mostraba crítico o inmune a la propaganda, era un medio efectivo para difundir informaciones sesgadas, configurar un pensamiento social homogéneo y adoctrinar y persuadir a su audiencia. Esto lo conseguía mediante unos usos que recuerdan a los realizados por otros totalitarismos contemporáneos como la <a href="https://www.archivioluce.com/archivio-cinematografico-2/#/">Italia fascista</a>, la <a href="https://archive.org/details/diedeutschewochenschau567301941/Die+Deutsche+Wochenschau+(+585+-48-1941).mp4">Alemania nazi</a> o la <a href="https://www.youtube.com/playlist?list=PL3X_JIjPmlKwJ68_QAXJzKPl0v9EdkPVO">Rusia soviética</a>.</p>
<h2>El legado del NO-DO</h2>
<p>El cese de sus emisiones nos lega una doble herencia. Por un lado, hallamos el recuerdo en la memoria colectiva. Todavía a día de hoy, <a href="https://parecequefueayer.espaciolatino.com/Nodo.mp3">su icónica sintonía</a> –obra de Manuel Parada–, la ampulosidad de las voces –con <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Mat%C3%ADas_Prats_Ca%C3%B1ete">Matías Prats Cañete</a> como locutor más emblemático–, los rancios discursos repletos de latiguillos –“<a href="https://www.rtve.es/play/videos/noticiarios-nodo/not-1299/1487016/">su excelencia el Jefe del Estado</a>”– y tópicos –<a href="https://www.rtve.es/play/videos/nodo/not-502/1469616/">la reiterada inauguración de pantanos llevó al gracejo popular a bautizar al dictador como Paco Rana</a>– forman parte del bagaje popular. De hecho, incluso quienes no vivieron directamente aquellas emisiones saben identificarlas como sinécdoque del franquismo (véase, por ejemplo, el caso del programa televisivo de sátira política <a href="https://www.ccma.cat/3cat/cercador/?cerca=Pol%25C3%25B2nia%2520NO-DO"><em>Polònia</em></a>, emitido semanalmente en TV3 desde 2006).</p>
<p><div data-react-class="Tweet" data-react-props="{"tweetId":"1014978978313097217"}"></div></p>
<p>Por otro lado, está su valor como documento histórico. Su extensa y rica producción cinematográfica –1.966 números en una, dos y hasta tres posibles series (A, B, C) resultando en 4.016 episodios totales– <a href="https://www.rtve.es/filmoteca/no-do/">ha sido completamente digitalizada</a> por RTVE y Filmoteca Española. Esto permite a investigadores e investigadoras tomarlo como una fuente de primer orden para el estudio sobre todo del franquismo, pero también de la transición a la democracia, desde múltiples perspectivas. </p>
<p>Precisamente, acerca de estas cuestiones y más, diserta el reciente dossier monográfico “<a href="https://revistes.ub.edu/index.php/filmhistoria/issue/view/2948">80º Aniversario del noticiario del NO-DO (1943-2023)</a>”, publicado por la revista científica <em>FILMHISTORIA Online</em>. Sometido a la imprescindible crítica de fuentes –especialmente necesaria ante un material tan fascinante como sesgado, tan efectivo como parcial–, el NO-DO se nos revela como una potente herramienta para analizar y ejemplificar el estudio de nuestro pasado reciente.</p><img src="https://counter.theconversation.com/content/221799/count.gif" alt="The Conversation" width="1" height="1" />
<p class="fine-print"><em><span>Las personas firmantes no son asalariadas, ni consultoras, ni poseen acciones, ni reciben financiación de ninguna compañía u organización que pueda obtener beneficio de este artículo, y han declarado carecer de vínculos relevantes más allá del cargo académico citado anteriormente.</span></em></p>
Durante décadas los españoles que iban al cine tenían que ver antes de las películas un noticiario creado como instrumento de propaganda del franquismo: el NO-DO.
Jaume Claret, Historiador. Profesor agregado en los Estudios de Artes y Humanidades y director del Máster Universitario de Historia del Mundo Contemporáneo, UOC - Universitat Oberta de Catalunya
Ricard Rosich Argelich, Historiador y profesor. Investigador Predoctoral FPU en Historia Contemporánea. Miembro del Centre d'Investigacions Film-Història y del Centre d'Estudis Històrics Internacionals, Universitat de Barcelona
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tag:theconversation.com,2011:article/221473
2024-01-31T20:59:44Z
2024-01-31T20:59:44Z
El brillante personaje de ‘La Zona de Interés’ de Martin Amis que no aparece en la película
<p>El estreno de la película <em>La zona de interés</em>, de Jonathan Glazer, ha conseguido atraer atención sobre el material de origen del filme: la novela homónima de Martin Amis. Escrita en 2017, <a href="https://www.anagrama-ed.es/libro/panorama-de-narrativas/la-zona-de-interes/9788433979360/PN_906"><em>La Zona de Interés</em></a> hace que Amis retome el tema del Holocausto después de <a href="https://www.anagrama-ed.es/libro/compactos/la-flecha-del-tiempo/9788433974037/CM_546"><em>La flecha del tiempo</em></a> (1991) con un libro ambientado en Auschwitz entre agosto de 1942 y abril de 1943. </p>
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<p>Para Amis era transcendental volver a escribir sobre las atrocidades cometidas por los nazis, porque <a href="https://www.smithsonianmag.com/arts-culture/martin-amis-contemplates-evil-17857756/">estaba convencido de que</a>, aunque los testimonios de los supervivientes perdurarán en los textos escritos y reportajes gráficos, el impacto del Holocausto cambiaría con la desaparición física de las víctimas. </p>
<p>En <em>La Zona de Interés</em>, Amis da por primera vez voz a una víctima del Holocausto, Szmul, el jefe del Sonderkommando, una unidad de trabajo formada por judíos obligados a colaborar con los nazis en la labor de exterminio de su pueblo. </p>
<p>Ellos se encargaban de recibir a los prisioneros cuando llegaban al campo e indicarles que debían ducharse antes de que se les asignara un trabajo y volvieran a reunirse con sus familiares. Una vez que la SS los gaseaba, los Sonders entraban en las cámaras para trasladar los cuerpos a los hornos crematorios. Asimismo, tenían que extraer los dientes de oro y buscar cualquier objeto oculto en los cuerpos. A cambio de ello, tenían unas condiciones de vida un tanto mejores que las de los demás prisioneros. Si se negaban a cumplir con sus obligaciones eran ejecutados. </p>
<h2>La pérdida del alma</h2>
<p>El libro tiene tres narradores: el grotesco Paul Doll, comandante del campo –y protagonista de la muy libre adaptación cinematográfica bajo el nombre real del personaje, Rudolf Höss–; Angelus Thomsen, un seductor nato, sobrino del político nazi Martin Bormann, y Szmul. A pesar de que este último no aparezca en la película, su personaje es una de las más brillantes creaciones del novelista que le dio vida. </p>
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<a href="https://images.theconversation.com/files/572127/original/file-20240130-21-l0kh6m.jpeg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=1000&fit=clip"><img alt="Portada del libro de Martin Amis _La Zona de Interés_." src="https://images.theconversation.com/files/572127/original/file-20240130-21-l0kh6m.jpeg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=237&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/572127/original/file-20240130-21-l0kh6m.jpeg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=986&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/572127/original/file-20240130-21-l0kh6m.jpeg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=986&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/572127/original/file-20240130-21-l0kh6m.jpeg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=986&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/572127/original/file-20240130-21-l0kh6m.jpeg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=1240&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/572127/original/file-20240130-21-l0kh6m.jpeg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=1240&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/572127/original/file-20240130-21-l0kh6m.jpeg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=1240&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px"></a>
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<span class="caption">Portada del libro de Martin Amis <em>La Zona de Interés</em>.</span>
<span class="attribution"><a class="source" href="https://www.anagrama-ed.es/libro/panorama-de-narrativas/la-zona-de-interes/9788433979360/PN_906">Anagrama</a></span>
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<p>Amis <a href="https://elpais.com/cultura/2015/09/20/actualidad/1442765518_101973.html">ha reconocido que es difícil escribir sobre una víctima</a> y por eso el relato de Szmul es el más breve en la novela. El escritor estaba especialmente interesado en explorar una realidad <a href="https://books.google.es/books?id=bBFnAAAAMAAJ&hl=es&source=gbs_book_similarbooks">reiteradamente defendida por los supervivientes</a>: uno no sabe realmente quién es, tanto para bien como para mal, hasta que se encuentra en circunstancias extremas. En la novela Szmul cuenta la historia de un rey que encargó a su mago preferido que creara un espejo mágico que mostrara no su reflejo, sino su alma. Para Szmul ese espejo del que no se puede apartar la mirada es Auschwitz. </p>
<p>En este sentido, es interesante resaltar cómo los otros dos narradores de la novela, Thomsen y Doll, llegan a la misma conclusión: el alma se desnuda cuando se llega a un lugar como Auschwitz. </p>
<h2>Sobrevivir</h2>
<p>Los supervivientes también insisten en el hecho que no se puede juzgar a los que colaboraron con los nazis. ¿<a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Los_hundidos_y_los_salvados#:%7E:text=Cap%C3%ADtulo%202%2D-,La%20zona%20gris,-%3A%20el%20autor">Quién es capaz de señalar a aquellos</a> que tras meses en un gueto, atormentados por el hambre y las humillaciones, presenciando la muerte de los seres queridos, son enviados a un campo de concentración en el que su supervivencia depende de acatar las ordenes que se les dan? </p>
<p>En este sentido, uno de los grandes logros de Amis en la novela es que demuestra que los Sonders eran víctimas y no verdugos, ya que verse forzado a participar en la muerte de los suyos es el tipo de victimización más perversa. Esta degradación total del ser humano <a href="https://www.proquest.com/openview/c16c12ef821cdc4d1ecb42b229a52980/1?pq-origsite=gscholar&cbl=1817128">lleva a la destrucción mental, física y espiritual del individuo</a>. Szmul lo admite cuando afirma que los Sonders, al igual que sus verdugos, han sufrido la <em>Seelenmord</em>, la muerte del alma. </p>
<p>En la novela, Amis imagina y recrea de modo admirable cómo debían sentirse los Sonders al verse obligados a colaborar con los perpetradores. Szmul sabe que no tiene el consuelo de la inocencia, pero aún así se declara “no culpable”. Reconoce que es infinitamente repugnante, pero también se siente inmensamente afligido. </p>
<p>Hannah, la mujer de Doll, que posee la sensibilidad y empatía de la que carece su marido, afirma que nunca ha visto una cara tan triste. A él le asombra que los ojos de la víctima estén muertos. Pero, como dice el propio Szmul, “los ojos son las ventanas del alma, y cuando el alma desaparece, los ojos también se quedan vacíos”. Amis retrata con gran acierto el dolor que le causa al personaje cumplir con sus obligaciones, especialmente cuando llega al campo alguien conocido, como el amigo de sus hijos ya fallecidos, y tiene que mentirle sobre su futuro.</p>
<h2>La recuperación del alma</h2>
<p>El mismo Szmul admite que nunca se acostumbra al horror y las humillaciones, pero intenta mantener la dignidad y darle sentido a su vida. Tiene tres razones para vivir: dar testimonio de lo que ha visto –<a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Sonderkommando">una práctica habitual entre quienes sufrieron el mismo destino</a>–, vengarse moralmente y salvar una vida cada vez que llega un tren. Los Sonders lograban cumplir este objetivo susurrándole a los jóvenes que dijeran al llegar que tenían 18 años y un oficio. Era la única manera de que se libraran de la cámara de gas. </p>
<p>Al final de la novela, Doll, el comandante del campo, ordena al Sonder que asesine a su mujer, Hannah. Pero, en un acto de generosidad, Szmul se niega a matarla porque es la única persona que ha sido amable con él en Auschwitz. Szmul sacrifica su propia vida para salvar otra. Demuestra así que ante circunstancias extremas el ser humano es capaz de lo peor y también de lo mejor. Pocos segundos antes de enfrentarse a su destino, es capaz de mirar a los ojos a Hannah. De ese modo, Amis le devuelve el alma que había perdido.</p>
<p>En sus últimas confesiones, Szmul afirma que el hecho de que en algún momento el diario que ha escondido debajo del arbusto de grosella sea descubierto le da esperanza, porque ello significará que una parte de él seguirá viva. Y esto es precisamente lo que hace Amis en la novela: dar voz a las víctimas para que no olvidemos las atrocidades cometidas por las nazis.</p><img src="https://counter.theconversation.com/content/221473/count.gif" alt="The Conversation" width="1" height="1" />
<p class="fine-print"><em><span>Aída Díaz Bild no recibe salario, ni ejerce labores de consultoría, ni posee acciones, ni recibe financiación de ninguna compañía u organización que pueda obtener beneficio de este artículo, y ha declarado carecer de vínculos relevantes más allá del cargo académico citado.</span></em></p>
La nueva película de Jonathan Glazer adapta muy libremente una novela de Martin Amis en la que se encuentra uno de los mejores personajes de su literatura.
Aída Díaz Bild, Catedrática de Literatura Inglesa, Universidad de La Laguna
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2024-01-31T20:59:38Z
2024-01-31T20:59:38Z
El cine lleva décadas intentando narrar el Holocausto
<figure><img src="https://images.theconversation.com/files/572246/original/file-20240130-23-oxrt1k.jpg?ixlib=rb-1.1.0&rect=0%2C2%2C1920%2C1143&q=45&auto=format&w=496&fit=clip" /><figcaption><span class="caption">Fotograma de _La lista de Schindler_, de Steven Spielberg.</span> <span class="attribution"><a class="source" href="https://www.filmaffinity.com/es/filmimages.php?movie_id=656153">FilmAffinity</a></span></figcaption></figure><p>El 27 de enero de 1945 el Ejército rojo irrumpía en el campo principal del complejo de Auschwitz-Birkenau, el mayor campo de exterminio nazi, la esencia del horror totalitario. <a href="https://www.auschwitz.org/gfx/auschwitz/userfiles/auschwitz/historia_terazniejszosc/auschwitz_historia_i_terazniejszosc_wer_hiszpanska_2010.pdf">Cerca de 1 300 000 seres humanos murieron en sus instalaciones</a>. </p>
<p>En 1947 se constituyó en museo. Y en 1979, la UNESCO lo declaró Patrimonio de la Humanidad por su crucial simbolismo del Holocausto. En la actualidad, continúa siendo un lugar de memoria tan reconocido como significativo, casi de visita obligatoria para entender aquellos hechos. Ahora, entre la guerra en el Donbás y los sucesos que han golpeado tan duramente Oriente Medio, da la sensación de que su recuerdo ha quedado un tanto desdibujado. Pero de sus cenizas surgió el derecho internacional humanitario y la convicción de que nada así podría repetirse.</p>
<p>El siglo XXI se ha convertido en el siglo de la memoria y significación de las víctimas, para que ciertos hitos históricos singulares como éste sean una fuente perpetua de aprendizaje. Auschwitz fue el punto más elevado de la crueldad y el sadismo humanos –contra los judíos principalmente, pero también contra otros muchos colectivos–, pero no deja de impartir tremendas lecciones de humanidad, solidaridad, resiliencia y compromiso, frente al antisemitismo y el racismo. </p>
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<p>De este modo, el reciente estreno de la exitosa y aclamada película <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film655530.html"><em>La zona de interés</em></a>, sobre la mirada de los victimarios, invita a llevar un breve repaso sobre una extensa y valiosa filmografía al respecto.</p>
<h2>Todos los matices</h2>
<p>El trayecto abarca documentales de enorme tristeza como <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film601295.html"><em>Shoah</em></a>, <a href="https://www.imdb.com/title/tt0382515/?ref_=tt_ch"><em>A pesar de Treblinka</em></a>, <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film517544.html"><em>Gueto</em></a> y <a href="https://www.imdb.com/title/tt14131780/?language=es-es"><em>À pas aveugles</em></a>, pero también visiones tiernas y divertidas, en una temática difícil de abordar que intenta hacernos valorar la increíble entereza del espíritu humano a pesar de las brutales condiciones a las que puede ser sometido. </p>
<p>Filmes como la oscarizada <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film594480.html"><em>La vida es bella</em></a>, la encomiable <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film901667.html"><em>El tren de la vida</em></a> e incluso la fallida <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film529047.html"><em>Ilusiones de un mentiroso</em></a> son un reflejo de cómo el cine puede atreverse, desde la comedia y sin frivolizar, a ofrecer un punto de vista nuevo y muy humano de ese trágico pasado. </p>
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<a href="https://images.theconversation.com/files/572250/original/file-20240130-29-bvbixw.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=1000&fit=clip"><img alt="Un niño de espaldas en un espacio industrial observa un tanque." src="https://images.theconversation.com/files/572250/original/file-20240130-29-bvbixw.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/572250/original/file-20240130-29-bvbixw.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=435&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/572250/original/file-20240130-29-bvbixw.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=435&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/572250/original/file-20240130-29-bvbixw.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=435&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/572250/original/file-20240130-29-bvbixw.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=547&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/572250/original/file-20240130-29-bvbixw.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=547&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/572250/original/file-20240130-29-bvbixw.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=547&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px"></a>
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<span class="caption">Fotograma de la película <em>La vida es bella</em>, de Roberto Benigni.</span>
<span class="attribution"><a class="source" href="https://www.filmaffinity.com/es/filmimages.php?movie_id=594480">FilmAffinity</a></span>
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<p>Sin embargo, lo que implicó el horror del nazismo con toda su desnudez criminal queda recogido en toda una suerte de duras y terribles recreaciones de Auschwitz. Como la fría y desgarradora brutalidad que se contempla en <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film321486.html"><em>La zona gris</em></a>, <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film697248.html"><em>El hijo de Saúl</em></a> y <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film279063.html"><em>El informe Auschwitz</em></a>. La última está basada en la suerte real de dos prisioneros eslovacos que huyeron del campo para dejar constancia de su testimonio y el infame tratamiento a los prisioneros. </p>
<p>Casos extraordinarios, como el que retrata la oscarizada <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film656153.html"><em>La lista de Schindler</em></a> –en la que un empresario alemán salva la vida a miles de judíos–, permiten observar que la decencia se puede elegir. Otros, como <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film603499.html"><em>El profesor de persa</em></a>, <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film430514.html"><em>El campeón de Auschwitz</em></a> y <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film123489.html"><em>El superviviente de Auschwitz</em></a>, desvelan que el ingenio, la resiliencia y la casualidad fundamentaron la tabla de salvación de tantos y tantos prisioneros. </p>
<h2>Relatos de infancias</h2>
<p>Centrándose en el exterminio desde el punto de vista infantil, destacan <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film732301.html"><em>Sin destino</em></a>, inspirada en la obra autobiográfica del Premio Nobel de Literatura Imre Kertész; y <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film728544.html"><em>El niño con el pijama de rayas</em></a>, adaptación de la exitosa novela homónima de John Boyne. Igualmente, los efectos que la violencia y las políticas antisemitas tienen en un grupo de niños se tratan en <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film566804.html"><em>Hijos de un mismo Dios</em></a>. </p>
<p>Como no podía ser menos, la figura de Ana Frank sigue siendo un punto de referencia obligado en este tema. Su historia se retrata tanto en la clásica <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film674175.html"><em>El diario de Ana Frank</em></a> como en la original <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film836567.html"><em>Dónde está Anne Frank</em></a>, un filme animado que revela el inmenso legado emocional y humano del personaje real, pasando por las producciones televisivas <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film932523.html"><em>La historia de Ana Frank</em></a> y <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film432074.html"><em>El diario de Ana Frank</em></a>. </p>
<h2>Las grandes decisiones</h2>
<p>Al centrarnos en las altas instancias, podemos destacar filmes controvertidos como <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film651336.html"><em>Amén</em></a>, que aborda el papel del papa Pio XII, conocedor de los hechos, durante el exterminio, aunque la historia busca centrarse más en la figura del verídico oficial de las SS Kurt Gerstein, experto químico, que dio a conocer el exterminio judío. </p>
<p>Producciones como el telefilme <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film767025.html"><em>La solución final</em></a> y la más reciente <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film772620.html"><em>La conferencia</em></a> reconstruyen el momento en el que la alta jerarquía nazi, con <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Reinhard_Heydrich">Reinhard Heydrich</a> y <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Adolf_Eichmann">Adolf Eichmann</a> a la cabeza, concibió en la <a href="https://theconversation.com/las-claves-del-holocausto-en-la-wannseekonferenz-183326">conferencia de Wannsee</a> la línea general para el exterminio judío. </p>
<p>El cine también ha abordado las consecuencias legales del horror. La producción alemana <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film809498.html"><em>El caso Fritz Bauer</em></a> se centra en la figura del fiscal alemán que procesó, en los años 50, a nazis de menor rango implicados en el exterminio –los 1 200 guardianes de Auschwitz habían rehecho sus vidas hasta que 750 de ellos fueron, finalmente, juzgados–. La también teutona <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film521043.html"><em>La conspiración del silencio</em></a> sigue la misma línea.</p>
<h2>Una tragedia continental</h2>
<p>En términos generales, filmografías de diferentes nacionalidades han abordado el tema, ya que fue un hecho histórico que afectó a prácticamente a toda Europa. Así se puede ver en filmes como el ruso <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film714123.html"><em>Sobibor</em></a>, el croata <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film560786.html"><em>Dara iz Jasenovac</em></a> y el español <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film842174.html"><em>El fotógrafo de Mauthausen</em></a>. </p>
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<a href="https://images.theconversation.com/files/572251/original/file-20240130-29-zl16go.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=1000&fit=clip"><img alt="Un hombre demacrado en uniforme hace una fotografía." src="https://images.theconversation.com/files/572251/original/file-20240130-29-zl16go.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/572251/original/file-20240130-29-zl16go.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=400&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/572251/original/file-20240130-29-zl16go.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=400&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/572251/original/file-20240130-29-zl16go.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=400&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/572251/original/file-20240130-29-zl16go.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=503&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/572251/original/file-20240130-29-zl16go.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=503&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/572251/original/file-20240130-29-zl16go.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=503&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px"></a>
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<span class="caption">Fotograma de <em>El fotógrafo de Mauthausen</em>, de Mar Targarona.</span>
<span class="attribution"><a class="source" href="https://www.filmaffinity.com/es/filmimages.php?movie_id=842174">FilmAffinity</a></span>
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<p>Las infames políticas en Hungría, en 1944, quedarían recogidas en <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film269235.html"><em>El cónsul Perlasca</em></a> y <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film462720.html"><em>Al lado del enemigo</em></a>. </p>
<p>A esto habría que añadir la persecución de los judíos franceses o refugiados por parte de las autoridades colaboracionistas de Vichy, como retratan <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film311639.html"><em>Monsieur Batignole</em></a>, <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film313148.html"><em>La llave de Sarah</em></a>, <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film748472.html"><em>La redada</em></a> y <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film642834.html"><em>Korkoro</em></a>, cuyo protagonista es gitano –colectivo que también padeció una persecución implacable–.</p>
<p>Como punto y final, se debe mencionar la película británica <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film977912.html"><em>Negación</em></a>. Se inspira en la demanda por difamación que tuvo lugar en Londres, a instancias del publicista David Irving, negacionista del Holocausto, contra la historiadora <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Deborah_Lipstadt">Deborah Lipstadt</a>. El proceso tuvo una inmensa repercusión porque la legislación inglesa sobre el libelo exige que la carga de la prueba recaiga sobre el acusado (Lipstadt, en este caso) en lugar de sobre el demandante (Irving). Es decir, ella tenía que probar la existencia de la Shoah. Finalmente, la justicia, como cabía esperar, dio la razón a Lipstadt. </p>
<p>Volver, por lo tanto, a Auschwitz es retornar a la inhumanidad que habita en el ser humano pero también a la esperanza y la dignidad del superviviente.</p><img src="https://counter.theconversation.com/content/221831/count.gif" alt="The Conversation" width="1" height="1" />
<p class="fine-print"><em><span>Igor Barrenechea Marañón no recibe salario, ni ejerce labores de consultoría, ni posee acciones, ni recibe financiación de ninguna compañía u organización que pueda obtener beneficio de este artículo, y ha declarado carecer de vínculos relevantes más allá del cargo académico citado.</span></em></p>
Repaso por películas de diferentes épocas y países que han tratado el tema del Holocausto durante la Segunda Guerra Mundial.
Igor Barrenechea Marañón, Profesor y Doctor en Historia Contemporánea, UNIR - Universidad Internacional de La Rioja
Licensed as Creative Commons – attribution, no derivatives.
tag:theconversation.com,2011:article/221378
2024-01-22T21:10:58Z
2024-01-22T21:10:58Z
Este es el visionario radical escocés que está detrás de la película ‘Pobres criaturas’
<p><em>Pobres criaturas</em>, la nueva película del director Yorgos Lanthimos, cuenta la historia de Bella Baxter (Emma Stone), una mujer irrefrenablemente libre que parece tener la mente de una niña. En su proceso de descubrimiento del mundo, Bella se embarca en un exuberante viaje, recorriendo la Europa del siglo XIX y llegando hasta Egipto, experimentando muchas cosas nuevas a medida que su intelecto se desarrolla rápidamente, antes de regresar a casa para enfrentarse a su pasado secreto.</p>
<p>La película está basada en <a href="https://www.anagrama-ed.es/libro/panorama-de-narrativas/-pobres-criaturas-/9788433908254/PN_355">la novela homónima</a> de 1992 del escritor de Glasgow Alasdair Gray. Gray fue un inconformista y polímata –escritor, artista, polemista, disidente y nacionalista cívico– que ejerció una inmensa influencia en la literatura escocesa contemporánea y más allá.</p>
<p>Igual que ver el magnífico espectáculo que ha rodado Lanthimos, leer a Gray es un viaje salvaje e inquietante. Su obra está llena de imaginación progresista, irónica incorrección e intrincada forma literaria.</p>
<p>Gray fue un pensador audaz y creativo, que se atrevió, por ejemplo, a convertir a Dios en un personaje ligeramente desprestigiado. Era un radical que perturbaba el orden establecido, incluso mediante la mezcla de arte visual y literario. Nombrar e impugnar el poder arbitrario y dar testimonio visceral y visiones alternativas de la sociedad contemporánea son cualidades que definen su obra, especialmente <em>Pobres criaturas</em>.</p>
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<h2>Un <em>Frankenstein</em> escocés</h2>
<p>En lugar de presentar una perspectiva única, <em>Pobres criaturas</em> mezcla diferentes documentos –preludios, entradas de diarios, cartas, notas explicativas a pie de página– que, juntos, producen múltiples historias que compiten entre sí. La historia es autorreflexiva; la voz narrativa o la acción se detienen en el acto de escribir o hacer ficción. </p>
<p><em>Pobres criaturas</em> está repleta de alusiones y préstamos de los ricos recursos de la ficción victoriana –el más obvio, <em>Frankenstein</em>– y sus obras de referencia. Abundan los experimentos tipográficos y los juegos de palabras. Por ejemplo, el nombre del gran científico médico de la novela, Godwin Baxter, se abrevia a veces como “Dios” (God) para enfatizar el paternalismo y el poder de crear y destruir, entre otras interpretaciones.</p>
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<a href="https://images.theconversation.com/files/570022/original/file-20240118-27-24tau4.jpeg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=1000&fit=clip"><img alt="Portada de la edición española de _¡Pobres criaturas!_, de Alasdair Gray." src="https://images.theconversation.com/files/570022/original/file-20240118-27-24tau4.jpeg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=237&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/570022/original/file-20240118-27-24tau4.jpeg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=928&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/570022/original/file-20240118-27-24tau4.jpeg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=928&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/570022/original/file-20240118-27-24tau4.jpeg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=928&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/570022/original/file-20240118-27-24tau4.jpeg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=1166&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/570022/original/file-20240118-27-24tau4.jpeg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=1166&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/570022/original/file-20240118-27-24tau4.jpeg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=1166&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px"></a>
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<span class="caption">Portada de la edición española de <em>¡Pobres criaturas!</em>, de Alasdair Gray.</span>
<span class="attribution"><a class="source" href="https://www.anagrama-ed.es/libro/panorama-de-narrativas/-pobres-criaturas-/9788433908254/PN_355">Anagrama</a></span>
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<p>La práctica creativa de Gray es “multimodal”, entrelazando la palabra escrita con su propio arte visual. En <em>Pobres criaturas</em>, este enfoque se aprecia en las imágenes, que incluyen retratos, ilustraciones anatómicas, mapas y frenéticas secciones manuscritas. Estos aspectos aportan una dimensión interpretativa añadida al texto y refuerzan, replantean o incluso contradicen los elementos escritos.</p>
<p>Estos componentes constituyen un placentero rompecabezas literario, pero la complejidad de la novela también tiene su lado serio. Una interpretación convincente de Bella Baxter es la de una figura feminista que frustra los intentos de los hombres de controlarla a ella y a su narrativa. </p>
<p>En <em>Pobres criaturas</em> se cuestiona la autoridad, tanto la normal como la que asumen los propios autores. Se vuelve una mirada crítica sobre la historia victoriana y el Imperio Británico, y el papel de la literatura en esa historia.</p>
<h2><em>Glasgow made</em></h2>
<p><em>Pobres criaturas</em> se publicó el mismo año que la obra de Gray <a href="https://canongate.co.uk/books/220-why-scots-should-rule-scotland-1997/"><em>Why Scots Should Rule Scotland</em></a> (Por qué los escoceses deberían gobernar Escocia), un alegato antiimperialista y democrático-socialista que abogaba por un nacionalismo cívico en el que las personas fueran participantes iguales y activas en la sociedad escocesa. Era partidario sin paliativos de una Escocia independiente y un apasionado republicano, lo que quedó plasmado en <a href="https://www.thenational.scot/politics/18137079.alasdair-gray-work-live-early-days-better-nation/">su repetida orden</a> de “trabajar como si viviera en los primeros días de una nación mejor”.</p>
<p>La ilustración de Bella en la novela está etiquetada como “Bella Caledonia”. Calendonia es un nombre romántico utilizado para referirse a Escocia. Esto sugiere que Gray planteaba el personaje como una metáfora de Escocia: enredada en una historia difícil pero orientada al futuro y llena de potencial. El hecho de que Bella haya nacido en Inglaterra apoya este argumento de forma contraintuitiva. Una nación cívica tiene que ver con la gente que la habita, más que con las personas nacidas en ella.</p>
<p>Trasplantada la acción a Londres, poco de Glasgow o de Escocia puede percibirse en la película de Lanthimos. Pero el argumento intelectual y la conciencia social de <em>Pobres criaturas</em> son dependientes de Glasgow. Gray fue moldeado por el espíritu radical y la arquitectura única de la ciudad, que inspiraron su ficción y sus obras de arte. </p>
<p>Gray estudió en la Escuela de Arte de Glasgow, cuya experiencia se ficcionaliza en partes de su obra magna <a href="https://www.gla.ac.uk/myglasgow/library/files/special/exhibns/month/may2002.html"><em>Lanark: una vida en cuatro libros</em></a> (1981). Además, realizó retratos, paisajes familiares y extraños y ambiciosos murales que aún pueden verse en Glasgow. </p>
<p>Para quien aún no la haya visitado, el estereotipo de Glasgow es el de una ciudad industrial en horas bajas, con pesados conventillos victorianos, costumbre de beber mucho y constantes lluvias torrenciales. Es una imagen que ha sido difícil de eliminar. </p>
<p>En <em>Lanark</em>, el protagonista Duncan Thaw se lamenta de lo difícil que es imaginar Glasgow de forma creativa, una tarea a la que Gray se aplicó con asiduidad a lo largo de su carrera. En la propia <em>Lanark</em>, una epopeya que combina una vívida fantasía con un realismo evocador, tiene lugar gran parte de esa imaginación. Su grandeza y ambición encajarían perfectamente en una superproducción.</p>
<p>La película de Lanthimos y el texto de Gray son obras independientes pero relacionadas. Conviene recordar que las adaptaciones no tienen ninguna obligación de ser fieles al material original. No hay un órgano rector que dictamine ni un código de leyes que aplicar. Sin embargo, quedan huellas. Busque el cuestionamiento de la autoridad, la imaginación de un futuro alternativo y el espíritu indomable de Bella Baxter. Después, lea algo de Alasdair Gray.</p><img src="https://counter.theconversation.com/content/221378/count.gif" alt="The Conversation" width="1" height="1" />
<p class="fine-print"><em><span>Joe Jackson no recibe salario, ni ejerce labores de consultoría, ni posee acciones, ni recibe financiación de ninguna compañía u organización que pueda obtener beneficio de este artículo, y ha declarado carecer de vínculos relevantes más allá del cargo académico citado.</span></em></p>
Pintor y escritor radical, la obra de Alasdair Gray estaba llena de audaces visiones de una Escocia independiente.
Joe Jackson, Associate Professor in Twentieth-Century and Contemporary English Literature, University of Nottingham
Licensed as Creative Commons – attribution, no derivatives.
tag:theconversation.com,2011:article/220890
2024-01-11T18:11:39Z
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“Anatomía de una caída” y la (re)interpretación del relato
<figure><img src="https://images.theconversation.com/files/568617/original/file-20231017-21-r8dcxu.jpg?ixlib=rb-1.1.0&rect=16%2C0%2C1537%2C862&q=45&auto=format&w=496&fit=clip" /><figcaption><span class="caption">En esta película de juicios tan locuaz, se cuestiona constantemente el estatus literario de la narración.</span> <span class="attribution"><span class="source">Allociné</span></span></figcaption></figure><blockquote>
<p>– ¡No está contextualizándolo, está desvariando por un detalle!</p>
<p>– ¡Una novela no es la realidad, un autor no es un personaje!</p>
<p>– ¡Pero un autor puede expresar sus ideas a través de sus personajes!</p>
</blockquote>
<p>Estos diálogos pertenecen a la película de Justine Triet <em>Anatomía de una caída</em>, ganadora de la Palma de Oro en el último Festival de Cannes. El filme retrata el juicio de la escritora Sandra Voyter, acusada de matar a su marido Samuel.</p>
<p>Mucho se ha dicho sobre la forma en que la película de Justine Triet aborda las relaciones, el género, la inocencia y la culpabilidad. Pero hay otra cuestión que atraviesa la película: la interpretación de la narrativa literaria (estando la pareja formada por una escritora de éxito y un aspirante a escritor). Sobre todo cuando esta narrativa juega en ciertos márgenes turbios, entre la ficción y la no ficción, la representación artística y la fidelidad mimética a la realidad, y cuando se enfrenta a otras narrativas que tienen sus propios criterios de coherencia, validez y admisibilidad: narrativas jurídicas, pero también narrativas periodísticas, narrativas psicoanalíticas, narrativas médicas, narrativas periciales, etc.</p>
<p>El paso de una lengua a otra en la película –del inglés al francés y viceversa– nos permite escuchar literalmente esta polifonía. </p>
<p><strong>Avisamos de que, a partir de este momento, se diseccionan detalles relevantes del argumento de la película.</strong> </p>
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<h2>El arte de difuminar los límites entre ficción y realidad</h2>
<p>“¿Qué quieres saber?”, pregunta Sandra al principio de la película a una estudiante que ha venido a entrevistarla. Lo que quiere es averiguar qué es verdad y qué ficción en la escritura de Sandra Voyter, y si ella cree que sólo podemos inventar, crear, a partir de la realidad. La producción literaria de Sandra se inscribe en un género que puede denominarse <a href="https://theconversation.com/faut-il-en-finir-avec-lautofiction-72690">autoficción</a>.</p>
<p>El término fue utilizado por primera vez en 1977 por el escritor y crítico <a href="http://www.editions-galilee.fr/f/index.php?sp=liv&livre_id=2812">Serge Doubrovsky</a> (para describir su relato <em>Fils</em>). Combina lo que a primera vista podrían parecer opuestos: autobiografía y ficción. La autoficción es una narración inspirada en la vida del autor del relato, pero una narración que se deja romantizar, imaginar, que no quiere plegarse a los criterios de sinceridad, autenticidad y conformidad con los hechos que suelen asociarse a la autobiografía tradicional (y al “<a href="https://www.editionspoints.com/ouvrage/le-pacte-autobiographique-philippe-lejeune/9782020296960">pacto autobiográfico</a>”).</p>
<p>El término “autoficción” ha dado lugar a numerosas definiciones y críticas, como <a href="https://www.seuil.com/ouvrage/autofiction-philippe-gasparini/9782020973977">ha demostrado</a> el investigador <a href="https://www.seuil.com/ouvrage/est-il-je-roman-autobiographique-et-autofiction-philippe-gasparini/9782020589338">Philippe Gasparini</a>. </p>
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À lire aussi :
<a href="https://theconversation.com/que-pasa-con-la-autoficcion-en-la-literatura-168505">¿Qué pasa con la autoficción en la literatura?</a>
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<p>En particular, no es fácil distinguirla de la novela autobiográfica. <a href="https://www.honorechampion.com/fr/champion/10584-book-08534510-9782745345103.%20html">Sylvie Jouanny explicaba</a> que podemos diferenciar dos tendencias: una, referencial, que se basa en la homonimia entre narrador/a, autor/a y personaje y que considera que “la autoficción es una novela que trata de la realidad, aunque recurra a la ficción”; y otra, ficcional, que defiende “la ficción más que la autobiografía” y se interesa por el trabajo de “ficcionalización del yo” (pudiendo poner en tela de juicio la homonimia entre narrador/a, autor/a y personaje).</p>
<p>En <em>Anatomía de una caída</em>, Sandra Voyter escribe una autoficción basada en elementos de su propia vida (en particular, el accidente de su hijo, pero también su relación con su padre). Cuando la estudiante intenta distinguir entre lo que es real y lo que es inventado, Sandra cambia de tema. Pero a lo largo de la película, tendrá que responder a las mismas preguntas de la policía, de sus abogados, antes y durante el juicio.</p>
<p>Tendrá que hablar de sí misma, de sus libros, y cada elemento de su discurso será diseccionado, cada palabra pronunciada será analizada como se haría en una explicación de texto.</p>
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<img alt="" src="https://images.theconversation.com/files/554799/original/file-20231019-30-mxpz19.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/554799/original/file-20231019-30-mxpz19.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=324&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/554799/original/file-20231019-30-mxpz19.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=324&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/554799/original/file-20231019-30-mxpz19.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=324&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/554799/original/file-20231019-30-mxpz19.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=408&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/554799/original/file-20231019-30-mxpz19.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=408&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/554799/original/file-20231019-30-mxpz19.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=408&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px">
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<span class="caption">Para el fiscal (Antoine Reinartz), la obra de ficción producida por la acusada contiene elementos susceptibles de incriminarla.</span>
<span class="attribution"><span class="source">Allociné</span></span>
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<h2>¿Realmente vamos a entrar en un debate literario?</h2>
<p>Cuando, a pesar de las protestas de uno de los abogados de la defensa (“No juzgamos libros, juzgamos hechos”), uno de los libros de Sandra sale a colación en el juicio, nos encontramos en el centro de debates del mundo de la investigación y la crítica literarias.</p>
<p>Las cuestiones que se plantean son fundamentales: ¿quién habla, el personaje o el autor? ¿Podemos entender el significado de un extracto (de un libro o de una grabación –como una discusión de pareja–) sin relacionarlo con un contexto más amplio? ¿Quién decide el significado de un texto, la persona que produce el discurso o la que lo recibe?</p>
<p>La acusación lee un extracto de un libro de Sandra Voyter que narra los pensamientos de un personaje que siente el deseo de matar. Quiere así establecer un vínculo mimético entre este pasaje y la muerte de Samuel, declarar que Sandra ha prefigurado su deseo de matar en su novela.</p>
<p>Para la defensa, esto es inaceptable. El extracto no está contextualizado; se trata de un personaje secundario, que en realidad no lleva a cabo el acto. Incluso como texto literario, es sólo una fantasía, no un hecho. Insiste en que hay que distinguir entre el autor y el personaje. Hay una diferencia entre el mundo de la ficción (del personaje) y el de la realidad (del autor).</p>
<p>La acusación lo justifica diciendo: “Los libros de Sandra Voyter forman parte del juicio, ella pone su vida en ellos, en particular su pareja”. Sus narraciones tienen inspiración autobiográfica, por lo que es posible establecer esta conexión entre personaje y autor.</p>
<p>Pero para la defensa, no se trata de autobiografía, sino de autoficción, género que permite reintroducir la ficción en la autoescritura.</p>
<h2>Literatura o jugar con los límites</h2>
<p>Frente a la confusión creada por la narración literaria, una grabación de una discusión entre Sandra y su marido parece constituir un relato fiable. Pero en realidad, como dice el abogado defensor, esta discusión resulta ser un “documento ambiguo”, tanto como el texto de Sandra Voyter, por dos razones.</p>
<p>En primer lugar, una grabación es sólo un extracto, un momento de la relación entre dos personas y no puede representar la totalidad de sus vidas: la grabación no es la realidad, sólo una parte de la realidad. Son sus intercambios, sus palabras, sus voces, pero no son ellos, todo su ser, la suma de sus interacciones, sus cuerpos.</p>
<p>Por otra parte, mientras creemos, con esta grabación, que estamos seguramente en el reino de la realidad, de los hechos (y no de la ficción y de la representación), nos enteramos, a través del abogado defensor, de que Samuel grababa momentos de su vida y los transcribía, que intentaba escribir “autoficción” inspirándose en el método de su mujer. </p>
<p>Así trabaja <a href="https://theconversation.com/loeuvre-dannie-ernaux-a-lheure-de-la-reconnaissance-internationale-115166">Annie Ernaux</a>, que transcribe su diario (en <em>Perderse</em> o <em>No he salido de mi noche</em>) e incluye fotografías en sus libros. También Neige Sinno reproduce en <em>Triste Tigre</em> artículos de prensa sobre su infancia y la detención de su padrastro por violación.</p>
<p>En términos más generales, podemos pensar en las producciones que se desarrollan desde los años sesenta, y que la investigadora Marie-Jeanne Zenetti denomina <a href="https://classiques-garnier.com/factographies-l-enregistrement-litteraire-a-l-epoque-contemporaine.html">factografías</a>. Las factografías buscan una nueva forma de expresar la realidad mediante la captación de imágenes, sonidos y discursos. Formalmente, pueden adoptar la forma de recopilaciones de notas, transcripciones o reproducciones de archivos. En estas narraciones de “escritura grabadora”, el objetivo es “jugar al documento y con el documento”, en palabras de Zenetti.</p>
<p>¿Acaso la grabación realizada por Samuel Voyter no es también un objeto literario? La defensa se pregunta si Samuel podría haber provocado la disputa con el fin de obtener material para su libro. El orden tradicional (la literatura viene después de la vida, transcribe la vida, representa la vida) se invierte: primero estaría la literatura (el deseo de escribir, la puesta en escena) y después la vida. </p>
<h2><em>Anatomía de una caída</em> o la “puesta en abismo” de la narración</h2>
<p>Al filmar al público durante el juicio, el director refleja nuestra situación como espectadores: estamos viendo a los asistentes al juicio, que se estremecen ante el anuncio de un posible giro… igual que nosotros. La película nos recuerda nuestras expectativas sobre el tipo de historia que queremos ver (u oír, o leer…).</p>
<p>Por ejemplo, en una de las tertulias televisivas de la segunda parte de la película –con la que Sandra Voyter tropieza al cambiar de canal–, la cuestión de su culpabilidad o inocencia ya no está vinculada a los hechos, sino, de forma más cínica (¿o desde un punto de vista más literario?), al interés de la historia: “La idea de una escritora que asesina a su marido es mucho más interesante que la de un profesor que se suicida”.</p>
<p>Por un lado, encontramos las emociones potencialmente románticas de la pareja, el peligroso vínculo entre ficción y no ficción. Por otro, la muerte banal de un hombre que fracasó como escritor. La conclusión judicial del proceso parece avalar la segunda historia (el suicidio), ya que Sandra es absuelta, pero es la primera historia (la esposa culpable) la que se escenifica. ¿Porque eso es lo que el público (el público del juicio, el público de la película) quería ver?</p>
<p>“Creo que ha habido demasiadas palabras en este juicio y ya no tengo nada que decir”, dice Sandra Voyter al final. Pero hay mucho que decir sobre <em>Anatomía de una caída</em>, hasta el silencio final de Sandra: la multitud de historias no conduce a una verdad proclamada, sino a lo indecible, lo inverificable, lo opaco. </p>
<p>¿Rechazar una conclusión tranquilizadora es una deconstrucción de la narrativa tradicional… o una variación de un tipo de narrativa a la que ya estamos acostumbrados, una narrativa abierta, una narrativa reflexiva, una narrativa que juega con abismarse a sí misma, en definitiva la narrativa de una película literaria?</p><img src="https://counter.theconversation.com/content/220890/count.gif" alt="The Conversation" width="1" height="1" />
<p class="fine-print"><em><span>Laelia Véron ne travaille pas, ne conseille pas, ne possède pas de parts, ne reçoit pas de fonds d'une organisation qui pourrait tirer profit de cet article, et n'a déclaré aucune autre affiliation que son organisme de recherche.</span></em></p>
La película de Justine Triet juega con los límites difusos entre ficción y no ficción, representación artística y fidelidad a la realidad.
Laelia Véron, Maîtresse de conférence en stylistique et langue française, Université d’Orléans
Licensed as Creative Commons – attribution, no derivatives.
tag:theconversation.com,2011:article/217036
2023-12-27T22:34:07Z
2023-12-27T22:34:07Z
Historia del eterno romance entre la música y el cine
<figure><img src="https://images.theconversation.com/files/566836/original/file-20231220-19-u1d2j2.jpg?ixlib=rb-1.1.0&rect=0%2C6%2C2048%2C1355&q=45&auto=format&w=496&fit=clip" /><figcaption><span class="caption">Proyección de la película 'Las aventuras del príncipe Achmed' con música en vivo de la Camerata Arko´s.</span> <span class="attribution"><a class="source" href="https://www.flickr.com/photos/utpl/13759057393/in/album-72157643750222013/"> Universidad Técnica Particular de Loja/Flickr</a>, <a class="license" href="http://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0/">CC BY-NC-SA</a></span></figcaption></figure><p>La relación entre el cine y la música es tan antigua como la propia historia del séptimo arte. El idilio entre ambos se remonta a 1894, cuando el británico William K.L. Dickson, quien trabajaba para <a href="https://www.thoughtco.com/thomas-edison-1779841">Thomas Edison</a>, rodó la primera película sonora experimental de la historia. </p>
<p>Se trata de un cortometraje de apenas 20 segundos en el que el propio Dickson aparece tocando el violín delante de un fonógrafo. Esta primera película musical, de carácter no narrativo, se realizó para el <a href="https://aprimavistaph.wordpress.com/2015/11/07/que-fue-el-kinetofono-por-que-desaparecio/">kinetófono</a>, en un intento por demostrar sincronía entre imagen y sonido.</p>
<p>Ahora que estamos a punto de dejar atrás 2023, es preciso recordar que este año la primera película sonora en español ha celebrado su centenario. Se trata de <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film344601.html"><em>From far Seville</em></a>, dirigida por Lee De Forest en 1923. </p>
<p>En este cortometraje documental, la joven actriz y cantante Concha Piquer, con solo 17 años, actúa, canta y baila diferentes piezas musicales. La película se rodó con el <a href="https://eltestamentodeldoctorcaligari.com/2014/01/31/inicios-del-cine-sonoro-lee-de-forest-y-phonofilm/">phonofilm creado por De Forest</a> y, de nuevo, para mostrar la sincronía sonora, se eligieron varios momentos musicales. Es claro, por tanto, que el noviazgo entre cine y música estaba predestinado desde los albores del propio cine. </p>
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<h2>La música elegida con una intención</h2>
<p>Las reflexiones existentes sobre la música y sus funciones en el cine son numerosas. De hecho, <a href="https://www.visionlibros.com/index.php?route=product/product&product_id=3208">se pueden mencionar hasta una treintena</a>. La música sirve para generar tono, atmósfera, construir personajes, trasladar mensajes, definir tramas, y, sobre todo, para conectar emocionalmente con el espectador. </p>
<p>Ya en la etapa del cine silente se acompañaban las proyecciones con música seleccionada. Lo que empezó como una cuestión pragmática (ocultar el ruido que hacían los proyectores), acabó siendo algo habitual para enriquecer el espectáculo.</p>
<p>Wagner, Chopin, Mozart y Beethoven no solo se usaron como música ornamental. El catálogo del italiano <a href="https://themoviescores.com/inicio/biografias-de-compositores-de-bandas-sonoras/giuseppe-becce-biografia/">Giuseppe Becce</a> se convirtió en el primer gran documento que recogía la intencionalidad musical de diferentes composiciones clásicas y detallaba las sensaciones concretas que expresaban. Después llegarían las primeras partituras pensadas y destinadas para una película, a cargo de <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Camille_Saint-Sa%C3%ABns">Camille Saint-Saëns</a> y <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Mija%C3%ADl_Ippol%C3%ADtov-Iv%C3%A1nov">Mihail Ippolitov-Ivanov</a> en 1908. </p>
<p>Desde entonces hasta hoy, la lista de compositores que han contribuido a la evolución del cine resulta inabarcable. Entre los más recordados suelen aparecer nombres como Max Steiner, E. W. Korngold, Miklós Rózsa, Franz Waxman, Maurice Jarre, Bernard Hermann, Henry Mancini, Jerry Goldsmith, John Barry, Nino Rota, Ennio Morricone, James Horner, Vangelis, Ryuichi Sakamoto y los aún en activo John Williams, Howard Shore, Hans Zimmer, Alexander Desplat y Phillip Glass. Una lista interminable de autores sin los cuales no se entiende el medio cinematográfico. </p>
<h2>¿Para qué se suele usar la música en el cine?</h2>
<p>Por resumir algunas de las funciones que cumple la música en una película, podemos destacar cuatro. </p>
<p>En primer lugar, la más habitual es que cumpla una función dramática. Es decir, que intervenga con la finalidad de proporcionar al espectador un elemento que le permita identificar una emoción. Aquí interviene la asociación del espectador entre música e imágenes, que permite desde crear un <a href="https://dle.rae.es/leitmotiv"><em>leitmotiv</em></a> hasta remarcar la evolución de los personajes o la trama. A este respecto, merece la pena ver cualquiera de los análisis musicales de Jaime Altozano <a href="https://www.youtube.com/watch?v=y5LLHZf9ebU">analizando diferentes partituras de películas</a>.</p>
<p>En segundo lugar, la música puede cumplir una función lírica, contribuyendo a reforzar la imagen y la densidad dramática. Ciertas secuencias se convierten en memorables no tanto por sus imágenes sino por su acompañamiento musical. Poco o nada tiene que ver, por ejemplo, el final de <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film712041.html"><em>La guerra de las galaxias</em></a> sin la famosa partitura de John Williams.</p>
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<p>Además, la música suele cumplir una función rítmica, que tiene como objetivo establecer una cadencia, una atmósfera, un tono que condiciona la recepción del mensaje del espectador. A día de hoy, ciertos géneros, como el <a href="https://theconversation.com/que-hace-que-la-banda-sonora-de-una-pelicula-de-miedo-216668">cine de terror</a>, apenas se pueden entender sin un uso musical que vaya en esta dirección. </p>
<p>Por último, la música suele cumplir una función de enlace, sirviendo como elemento homogeneizador. Así, puede unir dos o más acciones, integrar nudos de acción o dar continuidad a diferentes imágenes de espacios y tiempos distintos. </p>
<p>En este aspecto, hay casi un subgénero dentro del propio cine, el de las famosas “secuencias de montaje”: momentos que sirven para condensar largos periodos de tiempo en apenas unos minutos, aderezados con música de fondo. Algunas de estas secuencias, como las de los entrenamientos de <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film192554.html"><em>Rocky</em></a>, son tan reconocibles que hasta han trascendido sus propias películas. </p>
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<h2>Cuando lo revolucionario es la ausencia musical</h2>
<p>Una de las críticas que suelen recibir la música de buena parte de las películas actuales es <a href="https://www.mundobso.com/editorial/la-musica-de-cine-sigue-viva">la saturación y la falta de rumbo</a>, ya que muchas contienen más minutos con banda sonora que sin ella. Ante espectadores cada vez más acostumbrados a un fondo musical constante, algunos cineastas han optado por prescindir de la música en sus películas. Esto se manifiesta casi como un acto revolucionario frente a la corriente dominante. </p>
<p>El <a href="https://macguffin007.com/2012/03/01/manifiesto-dogma-95/">manifiesto Dogma 95</a> firmado por varios cineastas daneses ya reparaba en esta cuestión. Siguiendo su segunda máxima, cineastas europeos como Michael Haneke, Thomas Vinterberg, los hermanos Dardenne y Nuri Bilge Ceylan, entre otros, han hecho películas sin banda sonora o canciones. </p>
<p>Esto contrasta con el otro extremo de la balanza, el cine musical. Por tanto, más allá de ser una cuestión estética o narrativa, podríamos decir, referenciando a <a href="https://www.cinefagos.net/index.php/articulos-y-ensayos/278-la-moral-de-una-cra.html">la famosa frase de Jean Luc Godard</a>, que el uso de la música en una película se trata, casi, de una cuestión moral.</p><img src="https://counter.theconversation.com/content/217036/count.gif" alt="The Conversation" width="1" height="1" />
<p class="fine-print"><em><span>Ignacio Lasierra Pinto no recibe salario, ni ejerce labores de consultoría, ni posee acciones, ni recibe financiación de ninguna compañía u organización que pueda obtener beneficio de este artículo, y ha declarado carecer de vínculos relevantes más allá del cargo académico citado.</span></em></p>
¿Cómo ha evolucionado la relación entre cine y música a lo largo de la historia? ¿Cuáles son las funciones más habituales que la música cumple en una película?
Ignacio Lasierra Pinto, Profesor de Comunicación Audiovisual, Universidad San Jorge
Licensed as Creative Commons – attribution, no derivatives.
tag:theconversation.com,2011:article/198617
2023-12-02T09:44:32Z
2023-12-02T09:44:32Z
Las mil interpretaciones de Concha Velasco
<figure><img src="https://images.theconversation.com/files/508415/original/file-20230206-21-9ewtha.jpg?ixlib=rb-1.1.0&rect=9%2C3%2C2035%2C1358&q=45&auto=format&w=496&fit=clip" /><figcaption><span class="caption">Concha Velasco en el posado para prensa durante el pase gráfico de "Reina Juana" en el Teatro Abadía de Madrid, en abril de 2016.</span> <span class="attribution"><a class="source" href="https://www.flickr.com/photos/gerdoblas/26656883130/">Germán Doblas / Flickr</a>, <a class="license" href="http://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/">CC BY-NC-ND</a></span></figcaption></figure><p>Multidisciplinar, cercana e incombustible, Concha Velasco fue una artista que se granjeó el respeto de crítica y público por méritos propios. Su larga trayectoria profesional abarca muchas décadas, lo que unido a su extrema polivalencia hizo posible que varias generaciones la viesen destacar en múltiples ámbitos artísticos.</p>
<p>Nacida en Valladolid como Concepción Velasco Varona el 29 de noviembre de 1939, sus aptitudes para el baile encaminaron sus pasos hacia el Conservatorio Nacional, del que salió participando en compañías como las de Manolo Caracol o Celia Gámez. Tanto en el baile clásico como en el español, Velasco destacó por su increíble tesón y profesionalidad, lo cual también se extrapoló al mundo del cine.</p>
<h2>El nacimiento de una chica ye-ye</h2>
<p>Su capacidad interpretativa pronto llamó la atención de los directores de la década de los cincuenta, quienes, tras sus primeras apariciones en películas como <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film679218.html"><em>La reina mora</em></a> (1955, Raúl Alfonso), vieron en Concha Velasco la encarnación de una España que necesitaba ver reflejada en la pantalla la esperanza de un futuro mejor.</p>
<p>En esta primera etapa, Velasco supo interpretar el papel de joven pulcra y decente, una “española de bien” como requerían las icónicas comedias del desarrollismo, tal como mostraba en <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film187839.html"><em>Las chicas de la Cruz Roja</em></a> (1958) o <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film128264.html"><em>El día de los enamorados</em></a> (1959). </p>
<figure class="align-right zoomable">
<a href="https://images.theconversation.com/files/508410/original/file-20230206-31-m9po6e.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=1000&fit=clip"><img alt="Cartel con un hombre y los rostros de cuatro mujeres sobre su cabeza." src="https://images.theconversation.com/files/508410/original/file-20230206-31-m9po6e.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=237&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/508410/original/file-20230206-31-m9po6e.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=945&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/508410/original/file-20230206-31-m9po6e.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=945&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/508410/original/file-20230206-31-m9po6e.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=945&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/508410/original/file-20230206-31-m9po6e.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=1187&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/508410/original/file-20230206-31-m9po6e.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=1187&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/508410/original/file-20230206-31-m9po6e.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=1187&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px"></a>
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<span class="caption">Cartel de la película <em>El día de los enamorados</em>, de Fernando Palacios.</span>
<span class="attribution"><a class="source" href="https://www.filmaffinity.com/es/filmimages.php?movie_id=128264">FilmAffinity</a></span>
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<p>No obstante, Concha Velasco jamás se atuvo a los cánones preestablecidos, sino que supo trasladar a la gran pantalla su propia personalidad carismática y desenfadada. Sus personajes siempre fueron el rival perfecto para sus coprotagonistas, haciendo alarde de una sagacidad, perspicacia e inteligencia deudoras de las grandes féminas del cine de Howard Hawks. </p>
<p>Junto a sus compañeros Alfredo Landa, Fernando Fernán Gómez, Manolo Escobar y, especialmente, Tony Leblanc ofreció una imagen de mujer decidida y fuerte, sin ceder a los melindres del estereotipo femenino del régimen.</p>
<p>A pesar de que contextualmente formó parte del plantel ineludible del cine del franquismo, Velasco siempre supo mantener su individualidad y resistencia a las imposiciones de la época, asumiendo retos interpretativos y personales. </p>
<p>De este modo, en los años sesenta llegaría incluso a consagrarse como intérprete musical gracias a la canción de Augusto Algueró para <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film311494.html"><em>Historias de la televisión</em></a> (1965, José Luis Sáenz de Heredia). Con su interpretación de la “La chica ye-ye” Velasco entraría en la exclusiva nómina de yeyés europeas como France Gall, Sylvie Vartan o Sheila.</p>
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<iframe width="440" height="260" src="https://www.youtube.com/embed/GxdLJ8hKVMo?wmode=transparent&start=0" frameborder="0" allowfullscreen=""></iframe>
<figcaption><span class="caption">Concha Velasco cantando ‘La chica ye-ye’ en la película <em>Historias de la televisión</em>.</span></figcaption>
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<p>Mientras su éxito mediático se incrementaba, no dejó de ahondar en los retos interpretativos, alcanzando un enorme prestigio sobre las tablas con títulos de Sandy Wilson, Alfonso Paso, Muriel Resnik, José Zorrilla o Terence Frisby, a los que se unirían en décadas posteriores Antonio Buero Vallejo, Antonio Gala, Adolfo Marsillach, Marsha Norman o Tennessee Williams. </p>
<h2>La mujer de la Transición</h2>
<p>Como primera dama del cine español, Velasco denotó la propia evolución del cine patrio con una transición interpretativa que coincidió en el cambio político del país. </p>
<p>Así exploró todas las posibilidades artísticas que le ofrecía la carrera interpretativa, ahondando en papeles que se hicieron paulatinamente más complejos, cuyos roles se imbuían en un cine más comprometido y social como <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film985276.html"><em>Pim, pam, pum… ¡fuego!</em></a> (1975, Pedro Olea), <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film178040.html"><em>Las largas vacaciones del 36</em></a> (1976, Jaime Camino), la arriesgada <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film203815.html"><em>Esposa y amante</em></a> (1977, Angelino Fons), <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film812038.html"><em>La colmena</em></a> (1982, Mario Camus) o la prestigiosa <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film991284.html"><em>Esquilache</em></a> (1989, Josefina Molina), por la que obtuvo su primera nominación al Premio Goya a mejor actriz de reparto. </p>
<p>Precisamente ese rodaje le posibilitó trabajar con una de las personas más determinantes en su carrera, Josefina Molina, quien le abriría las puertas al éxito en otro de los medios que Velasco dominó: la televisión.</p>
<h2>Concha catódica (pero no solo)</h2>
<p>Su papel en la serie <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film610046.html"><em>Teresa de Jesús</em></a> (1984), dirigida por Molina y escrita por Víctor García de la Concha y Carmen Martín Gaite, no solo marcó un hito en la televisión española, sino que otorgó una nueva dimensión a la carrera interpretativa de Concha Velasco. </p>
<p><div data-react-class="Tweet" data-react-props="{"tweetId":"1184016140030414849"}"></div></p>
<p>En televisión también encontraría una nueva veta como presentadora, labor que realiza en variados programas a lo largo de las décadas, como <a href="https://www.antena3internacional.com/programas/20-aniversario/noticias/encantada-vida_201607205b031aef0cf2a7ba0a1c773c.html"><em>Encantada de la vida</em></a> y <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Sorpresa_%C2%A1Sorpresa!"><em>Sorpresa, sorpresa</em></a> en los noventa, hasta <a href="https://www.rtve.es/television/20200926/concha-velasco-alaska-cine-barrio/2043101.shtml"><em>Cine de barrio</em></a> (de 2011 a 2020).</p>
<p>Entretanto, el cine y el teatro no dejaron de estar presentes en su vida, alcanzando hitos personales como trabajar bajo las órdenes de Luis García Berlanga en <em>París-Tombuctú</em> (1999) o subiéndose a las tablas para dar vida a clásicos como <a href="https://www.teatroespanol.es/espectaculo/hecuba"><em>Hécuba</em></a> o protagonizando las obras teatrales de su hijo Manuel Velasco en <a href="https://madridesteatro.com/el-funeral/"><em>El funeral</em></a> (de 2018 a 2020) o <a href="https://www.elteatroreinavictoria.com/obra-de-teatro/la-habitacion-de-maria/"><em>La habitación de María</em></a> (de 2020 a 2021)</p>
<p>Su vida dedicada a la interpretación desembocó también en la obtención de numerosos galardones y tributos, entre los que destacan el Goya de Honor en 2013 o dos nominaciones, por la ya mencionada <em>Esquilache</em> y, a mejor actriz protagonista, <a href="https://www.premiosgoya.com/pelicula/mas-alla-del-jardin/">por <em>Más allá del jardín</em></a> (1996). Tampoco ha de olvidarse que Velasco obtuvo cuatro premios del Círculo de Escritores cinematográficos (1958, 1974, 1996, 2010), dos Fotogramas de Plata (1974, 1984) y uno de Honor (2010), o la Antena de Oro por <em>Teresa de Jesús</em> (1984) </p>
<p>Pero, sobre todo, Concha Velasco siempre será la artista a la que, de tan cercana y familiar, se nos olvidó valorar como auténtica renovadora de la interpretación española. Alguien capaz de brillar con luz propia en ámbitos artísticos diversos y de abrirse camino en un contexto difícil que supo capear con profesionalidad, constancia y gentileza.</p>
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<a href="https://images.theconversation.com/files/508414/original/file-20230206-19-4u3j0u.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=1000&fit=clip"><img alt="Una mujer de rodillas en un escenario se lamenta." src="https://images.theconversation.com/files/508414/original/file-20230206-19-4u3j0u.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/508414/original/file-20230206-19-4u3j0u.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=401&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/508414/original/file-20230206-19-4u3j0u.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=401&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/508414/original/file-20230206-19-4u3j0u.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=401&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/508414/original/file-20230206-19-4u3j0u.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=504&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/508414/original/file-20230206-19-4u3j0u.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=504&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/508414/original/file-20230206-19-4u3j0u.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=504&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px"></a>
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<span class="caption">Concha Velasco sobre las tablas interpretando <em>Hécuba</em>.</span>
<span class="attribution"><a class="source" href="https://www.teatroespanol.es/espectaculo/hecuba">Teatro Español</a></span>
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</figure><img src="https://counter.theconversation.com/content/198617/count.gif" alt="The Conversation" width="1" height="1" />
<p class="fine-print"><em><span>Lucía Tello Díaz no recibe salario, ni ejerce labores de consultoría, ni posee acciones, ni recibe financiación de ninguna compañía u organización que pueda obtener beneficio de este artículo, y ha declarado carecer de vínculos relevantes más allá del cargo académico citado.</span></em></p>
La actriz vallisoletana Concha Velasco muere a los 84 años, una artista que se granjeó el respeto de crítica y público por méritos propios.
Lucía Tello Díaz, Doctora. Coordinadora del Grado en Comunicación de la Universidad Internacional de La Rioja, UNIR - Universidad Internacional de La Rioja
Licensed as Creative Commons – attribution, no derivatives.
tag:theconversation.com,2011:article/217388
2023-11-28T20:44:32Z
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Cuando Franco decidió controlar el cine español
<figure><img src="https://images.theconversation.com/files/559084/original/file-20231113-24-o0pmhz.jpg?ixlib=rb-1.1.0&rect=28%2C19%2C1051%2C756&q=45&auto=format&w=496&fit=clip" /><figcaption><span class="caption">Ciudadanos ante la cartelera del cine Avenida de Burgos en 1938, tras la conquista de la ciudad por el bando franquista.</span> <span class="attribution"><a class="source" href="http://bdh.bne.es/bnesearch/detalle/bdh0000071153">BNE</a>, <a class="license" href="http://creativecommons.org/licenses/by/4.0/">CC BY</a></span></figcaption></figure><p>El franquismo fue el primer régimen que pensó y practicó una política cinematográfica en España. </p>
<p>Eso no quiere decir que los sistemas políticos o gobiernos anteriores no tomasen decisiones sobre el cine. La monarquía de Alfonso XIII, por ejemplo, legisló sobre la censura cinematográfica desde al menos 1912 para prohibir en las películas el sexo, la violencia o las ideas contrarias al legislador. También <a href="https://www.grimh.org/index.php?option=com_content&view=article&id=41&Itemid=716&lang=fr">dictó normas de seguridad para las salas de cine</a> con el fin de evitar incendios como el del Cine Concert de Málaga en 1923, que provocó 30 muertos, en su mayoría niños aplastados por quienes huían presa del pánico. </p>
<p>La república, por su parte, instó la firma de convenios de trabajo para los empleados del cine con el fin de evitar la crisis laboral que supuso la llegada del cine sonoro para músicos, actores y trabajadores de otros espectáculos. También se apoyó, en todo momento, el cine educativo para mejorar las tasas de analfabetismo.
Pero todo esto eran políticas a remolque, dictadas bajo la presión de la Iglesia, del público, de los trabajadores o de los intelectuales.</p>
<p>La primera vez que el poder político en España pensó en el cine como un todo y, más aún, <a href="https://dialnet.unirioja.es/servlet/articulo?codigo=755630">la primera vez que un gobierno español pensó una política cinematográfica para comunicarse con los españoles fue durante el franquismo</a>. Por cierto, Francisco Franco, también cinéfilo, ha sido el único gobernante español que ha escrito un guión y que lo ha rodado, casi por su cuenta, como productor ejecutivo: <a href="https://www.rtve.es/play/videos/filmoteca/raza-1941/3336985/"><em>Raza</em></a> (1941). </p>
<h2>La comunicación es poder</h2>
<p>La posibilidad de desarrollar una política cinematográfica sucedió porque las grandes fuerzas que formaban el Estado –la Iglesia, la Patronal, la Falange y el Ejército– intervinieron o aportaron a esa política unas prácticas de raíz guerracivilista y fascista.</p>
<p>Ya tras la Primera Guerra Mundial y la Revolución Rusa se había hecho evidente que <a href="https://theconversation.com/y-ahora-que-hacemos-con-la-propaganda-197463">no se podía gobernar sin una política de comunicación audiovisual</a>. En España, durante la guerra civil, tanto el bando republicano como el nacional utilizaron el cine. Pero la política cinematográfica que “montaron” los anarquistas, por ejemplo, solo duró unos años y se aplicó en ciertas zonas del país. La franquista, en cambio, duró casi 40 años y terminó afectando a todo el territorio. Fue un verdadero instrumento de <em>soft power</em> ensamblado desde el aparato político.</p>
<figure class="align-center zoomable">
<a href="https://images.theconversation.com/files/558616/original/file-20231109-15-np2fyf.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=1000&fit=clip"><img alt="Cuatro jóvenes están en un descampado, mirando fuera del encuadre, mientras uno observa algo por una cámara de cine." src="https://images.theconversation.com/files/558616/original/file-20231109-15-np2fyf.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/558616/original/file-20231109-15-np2fyf.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=449&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/558616/original/file-20231109-15-np2fyf.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=449&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/558616/original/file-20231109-15-np2fyf.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=449&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/558616/original/file-20231109-15-np2fyf.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=564&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/558616/original/file-20231109-15-np2fyf.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=564&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/558616/original/file-20231109-15-np2fyf.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=564&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px"></a>
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<span class="caption">Fotograma del documental <em>La primera mirada</em> (2023) de Luis E. Parés en el que se narra la historia de la Escuela Oficial de Cine de España.</span>
<span class="attribution"><a class="source" href="https://www.seminci.com/peliculas/la-primera-mirada/">Seminci</a></span>
</figcaption>
</figure>
<p>Todas las partes de la política cinematográfica configuraban una narrativa sobre lo que era el régimen, una ficción que el ciudadano español no siempre percibía como tal. Y con partes nos referimos, por ejemplo, a la <a href="https://www.culturaydeporte.gob.es/cultura/areas/cine/mc/fe/colecciones/peliculas/colecciones-destacadas/escuela-de-cine.html">Escuela Oficial de Cine</a>, fundada en 1947 para, en teoría, formar una elite de cineastas franquistas; al <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Festival_Internacional_de_Cine_de_San_Sebasti%C3%A1n">Festival de San Sebastián</a>, fundado en 1953 para romper el aislamiento internacional; a las subvenciones, aplicadas desde 1939 para controlar lo que se rodaba o al reglamento de espectáculos públicos, actualizado constantemente para que las salas de cine fuesen seguras.</p>
<p>Así, el espectador podía no entender que estaba siendo manipulado a través de las pantallas. <a href="https://theconversation.com/el-doblaje-y-la-auto-censura-en-el-cine-durante-el-franquismo-189908">Podía no saber que <em>Mogambo</em> (1953) había sido cambiada para convertir a dos amantes en hermanos</a>. Podía no ser consciente de que el cine español era, en realidad, cine franquista pagado con los impuestos de todos los españoles. Y nadie le informaba de que había cineastas, como Luis Buñuel, contra los que se dictó orden de detención por parte de la policía y que terminaron en el exilio <a href="https://puz.unizar.es/2493-los-anos-rojos-de-luis-bunuel.html">por rodar cine “rojo”</a>.</p>
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Leer más:
<a href="https://theconversation.com/el-doblaje-y-la-auto-censura-en-el-cine-durante-el-franquismo-189908">El doblaje y la (auto)censura en el cine durante el franquismo</a>
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<h2>Beneficios para todos los implicados</h2>
<p>Este montaje se desarrolló basándose en la restricción de la libertad de expresión, el Estado corporativo, la propaganda y la violencia política. Evidentemente, estas cuatro prácticas se aplicaron de forma diferente a lo largo de 40 años. Con el paso del tiempo, se fue rebajando su rigor y se fueron desajustando, al punto de borrarse su raíz guerracivilista y fascista.</p>
<p>En concreto, la censura cinematográfica fue una de las victorias que la Iglesia consiguió al participar y ganar la Guerra Civil. Eliminó de las pantallas el sexo, el adulterio, el divorcio, el suicidio, los ataques al patriarcado, la violencia, el menosprecio de la figura del sacerdote…</p>
<p>La subvención o, más ampliamente, una política proteccionista para el cine español fue la victoria que arrancó la Patronal. A cambio de darles dinero, el Estado consiguió que los productores aceptasen un cine dirigido, que rodasen el cine de Cruzada –es decir, sobre la Guerra Civil– de los años cuarenta, el cine anticomunista de los años cincuenta, el cine de la apertura de los años sesenta… y, sobre todo, películas para no pensar: el cine folclórico, todo tipo de comedias, el <em>spaghetti western</em>…</p>
<p>El control sobre la propaganda cinematográfica fue el pago obtenido por la Falange y su máximo éxito fue crear y controlar <a href="https://www.rtve.es/filmoteca/no-do/">el NO-DO</a>. Ese era el nombre con el que se conocía al único noticiario cinematográfico permitido en el país desde 1943, que se emitía antes de las películas. Solo NO-DO pudo captar imágenes informativas en España hasta que fue sustituido por el Telediario de TVE. El NO-DO hizo que Franco fuese el español más visto en el cine.</p>
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<a href="https://images.theconversation.com/files/558612/original/file-20231109-21-gu1r6g.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=1000&fit=clip"><img alt="Cabecera del _NO-DO_, el noticiario cinematográfico del franquismo." src="https://images.theconversation.com/files/558612/original/file-20231109-21-gu1r6g.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/558612/original/file-20231109-21-gu1r6g.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=338&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/558612/original/file-20231109-21-gu1r6g.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=338&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/558612/original/file-20231109-21-gu1r6g.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=338&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/558612/original/file-20231109-21-gu1r6g.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=425&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/558612/original/file-20231109-21-gu1r6g.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=425&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/558612/original/file-20231109-21-gu1r6g.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=425&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px"></a>
<figcaption>
<span class="caption">Cabecera del <em>NO-DO</em>, el noticiario cinematográfico del franquismo.</span>
<span class="attribution"><a class="source" href="https://www.rtve.es/noticias/20230104/80-anos-no-do-noticiero-franquismo/2413746.shtml">RTVE</a></span>
</figcaption>
</figure>
<h2>El Ejército seguía batallando</h2>
<p>Finalmente, el Ejército impuso la violencia política. En realidad no era un colectivo que pensase mucho en el cine. Durante la guerra, defendía que el dinero había que destinarlo a comprar armas y no a celuloide para rodar películas de propaganda. Nada de <em>soft power</em>, <em>manu militari</em>. </p>
<p>Aunque el ejército fuese exaltado en el cine, como en <em>Harka</em> (1941), <em>Los últimos de Filipinas</em> (1945) o las distintas versiones de <em>Botón de ancla</em> (1948 y 1961), lo que querían las fuerzas armadas, incluida la policía y los grupos defensores de la dialéctica de los puños y las pistolas, era controlar a los intelectuales y prohibirles escribir, rodar, interpretar… Les metían en la cárcel y les amenazaban con la pena capital. </p>
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<a href="https://images.theconversation.com/files/558607/original/file-20231109-15-m7xazi.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=1000&fit=clip"><img alt="Cabecera de la revista _Nuestro Cinema_." src="https://images.theconversation.com/files/558607/original/file-20231109-15-m7xazi.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=237&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/558607/original/file-20231109-15-m7xazi.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=217&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/558607/original/file-20231109-15-m7xazi.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=217&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/558607/original/file-20231109-15-m7xazi.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=217&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/558607/original/file-20231109-15-m7xazi.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=273&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/558607/original/file-20231109-15-m7xazi.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=273&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/558607/original/file-20231109-15-m7xazi.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=273&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px"></a>
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<span class="caption">Cabecera de la revista <em>Nuestro Cinema</em>.</span>
<span class="attribution"><a class="source" href="https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Cabecera_Nuestro_Cinema.jpg">Lahorte/Wikimedia Commons</a>, <a class="license" href="http://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0/">CC BY-SA</a></span>
</figcaption>
</figure>
<p>Y estas amenazas no eran exageraciones. El crítico <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Juan_Piqueras_Mart%C3%ADnez">Juan Piqueras</a> fue asesinado en julio de 1936 en Venta de Baños (Palencia) por dirigir una revista <em>comunista</em>, <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Nuestro_Cinema"><em>Nuestro cinema</em></a> (1932-1935). El anarquista <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Ram%C3%B3n_Ac%C3%ADn_Aquilu%C3%A9">Ramón Acín</a> fue ejecutado en Huesca semanas después por, entre otras razones, producir el documental de Luis Buñuel <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Las_Hurdes,_tierra_sin_pan"><em>Las Hurdes, tierra sin pan</em></a> (1933-1936). </p>
<p>Terminada la guerra, Francisco Carrasco de la Rubia, también anarquista, cronista cinematográfico de <em>La Vanguardia</em> y realizador de documentales, desistió de huir a Francia porque su mujer acababa de tener un niño y pensaba que el bebé moriría en el viaje. Además, decía, él no había hecho nada. Sin embargo, fue denunciado por un compañero del periódico, encarcelado en Montjuic y <a href="https://www.mpr.gob.es/memoriademocratica/mapa-de-fosas/Paginas/visorvictimas.aspx?vid=78583">fusilado en mayo de 1939</a>, a los 33 años. Caminó hacia el pelotón de fusilamiento descalzo y con el cabello completamente encanecido.</p>
<p>En fin, después del franquismo hubo que desmontar todo esto: acabar con <a href="https://www.boe.es/buscar/doc.php?id=BOE-A-1977-9008">la censura del Estado</a> (1977), <a href="https://www.rtve.es/filmoteca/no-do/historia/#:%7E:text=El%2010%20de%20Enero%20de,en%20el%20Ente%20P%C3%BAblico%20RTVE.">cerrar el NO-DO</a> (1981) y apartar al Ejército, aunque se resistió <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/El_crimen_de_Cuenca#Controversia">con casos como el de la censura a la película <em>El crimen de Cuenca</em></a> (1979-1981), que tardó año y medio en estrenarse. </p>
<p>Solo permaneció y permanece la subvención, muy criticada en cuanto que ha supuesto otra forma de dirigismo, pero defendida por empresarios y trabajadores del cine con el argumento de la excepción cultural.</p><img src="https://counter.theconversation.com/content/217388/count.gif" alt="The Conversation" width="1" height="1" />
<p class="fine-print"><em><span>Emeterio Diez Puertas no recibe salario, ni ejerce labores de consultoría, ni posee acciones, ni recibe financiación de ninguna compañía u organización que pueda obtener beneficio de este artículo, y ha declarado carecer de vínculos relevantes más allá del cargo académico citado.</span></em></p>
Durante el franquismo se puso en marcha una política cinematográfica con el objetivo de utilizar las películas para enviar un mensaje concreto.
Emeterio Diez Puertas, Profesor Doctor, Universidad Camilo José Cela
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2023-11-22T11:39:11Z
2023-11-22T11:39:11Z
¿Disparó realmente Napoleón contra las pirámides? La verdad que se esconde tras la última película de Ridley Scott
<p>Los directores de largometrajes históricos se enfrentan a una difícil tarea: ¿cómo hacer que los personajes resulten familiares para el público sin reducirlos a la caricatura? ¿Cómo pueden asegurarse de que saber el desenlace –batallas ganadas o perdidas, imperios construidos y luego arruinados– no haga que parezca que la historia se escribe sola? </p>
<p>El director Ridley Scott no es historiador, y su objetivo no es instruirnos sino entretenernos. Pero la cuestión de cuánto de verdad histórica hay en su cinta es interesante. </p>
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<figcaption><span class="caption">Tráiler de la película <em>Napoleón</em>.</span></figcaption>
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<h2>¿Quién es el “verdadero” Napoleón?</h2>
<p>No es fácil conocer al “verdadero” Napoleón. Hay una versión reconocible de él: el general confiado y querido por sus tropas, el táctico e instintivo militar que podía funcionar casi sin energía durante días enteros, su mirada severa y algo petulante. Pero gran parte de esto es producto de capas de narración histórica, acumuladas por el trabajo de generaciones de artistas, periodistas y memorialistas, y, por supuesto, del propio Napoleón.</p>
<p>Por ejemplo, la espectacular <a href="https://www.youtube.com/watch?v=6504eRh5h6M">película muda</a> <em>Napoleón</em> (1927), de Abel Gance, narraba la vida y carrera de Napoleón hasta su partida como general militar para la campaña de Italia en 1796. En una escena, una fuerte nevada de invierno interrumpe las clases en el colegio militar al que asiste. Los chicos salen a jugar e inevitablemente empiezan a lanzarse bolas de nieve. La escena muestra a un jovencísimo Napoleón emergiendo como un comandante natural, dirigiendo el combate como si estuviera en el campo de batalla.</p>
<p>Sin embargo, la veracidad de este momento se basa principalmente en un único relato: las <a href="https://archive.org/details/memoirsofnapole01bour/page/n7/mode/2up">memorias</a> de uno de los amigos de la infancia de Napoleón, <a href="https://www.britannica.com/biography/Louis-Antoine-Fauvelet-de-Bourrienne">Louis de Bourrienne</a>, que asistió a la misma escuela. El autor fue más tarde empleado de Napoleón, quien lo despidió por malversación de fondos en 1802.</p>
<p>Muchos años después, en 1829, de Bourrienne <a href="https://www.gutenberg.org/files/3567/3567-h/3567-h.htm">escribió unas memorias</a> con la esperanza de sacar provecho del apetito popular por relatos auténticos sobre el general. Lo que creemos saber del “verdadero” Napoleón se filtra a menudo a través de narraciones interesadas y parciales como ésta.</p>
<p>He aquí los hechos y las leyendas que se esconden tras algunas de las principales escenas de la nueva película biográfica sobre Napoleón de Ridley Scott.</p>
<h2>¿Napoleón se coronó a sí mismo?</h2>
<p>Napoleón hizo todo lo posible por crear una imagen de gobernante benigno y hombre del pueblo, a menudo recurriendo al talento de los artistas. </p>
<p>El más notorio fue <a href="https://www.britannica.com/biography/Jacques-Louis-David-French-painter">Jacques-Louis David</a>, a quien encargó una serie de grandes pinturas <a href="https://artsandculture.google.com/story/story-of-a-coronation-palace-of-versailles/NgWhI7emoChPKw?hl=en">que representaban su coronación</a> en la catedral de Notre Dame, París, en diciembre de 1804. En la más famosa vemos a Napoleón colocar una corona sobre la cabeza de la nueva emperatriz Josefina mientras un reticente papa Pío VII observa la escena.</p>
<p>En un asombroso acto de arrogancia, Napoleón ya había colocado una corona sobre su propia cabeza, aunque el óleo sólo lo muestra con hojas de laurel para destacar sus triunfos marciales. Lo que la película de Scott retrata es la magnificencia de los cuadros, que mostraban a Napoleón y a su emperatriz bajo una luz halagadora, más que la ceremonia de coronación en sí. </p>
<h2>Su relación con Josefina</h2>
<p>No cabe duda de que Napoleón sintió una profunda pasión por <a href="https://www.britannica.com/biography/Josephine">Marie Joséphe Rose de la Pagerie</a> –conocida por él como Josephine–, con quien se casó en 1796, cuando su carrera militar estaba en ascenso. Sin embargo, su representación en la película de Ridley Scott como una joven seductora probablemente se basa más en el cliché sexista que en la indudable seguridad en sí misma que tenía Josefina. </p>
<p>Cuando se conocieron, ella era seis años mayor que Napoleón, viuda y madre de dos niños pequeños, y los sentimientos del joven general eran aparentemente más fuertes que los de ella. Mientras estaba en campaña, le escribía prácticamente todos los días. Su pluma a veces perforaba el pergamino, tal era la fuerza de sus emociones. Sin embargo, algunas de estas <a href="https://books.google.co.uk/books/about/Josephine.html?id=KS1MXwAACAAJ&redir_esc=y">cartas</a> quedaron sin abrir. </p>
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Leer más:
<a href="https://theconversation.com/napoleon-un-centauro-entre-el-carisma-y-la-leyenda-218166">Napoleón: un centauro entre el carisma y la leyenda</a>
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<p>Su relación fue tan tumultuosa como apasionada, y ambos cónyuges tuvieron varias aventuras. Sin embargo, cuando Napoleón instigó el divorcio en 1809 por falta de heredero, este fue sorprendentemente amistoso. La emperatriz conservó el título imperial hasta su muerte en 1814 y se le permitió seguir viviendo en el <a href="https://musees-nationaux-malmaison.fr/chateau-malmaison/en/history-chateau-de-malmaison">Château de Malmaison imperial</a>.</p>
<h2>¿Estuvo Napoleón presente en la ejecución de María Antonieta?</h2>
<p>El otoño de 1793 fue especialmente ajetreado para Napoleón, dado su papel cada vez más importante en el <a href="https://www.britannica.com/event/Siege-of-Toulon">sitio de Tolón</a>. Los rebeldes federalistas habían entregado la flota francesa al <a href="https://www.britannica.com/biography/Samuel-Hood-1st-Viscount-Hood">almirante británico Samuel Hood</a>, y el joven oficial de artillería comandó la operación que consiguió recuperarla. </p>
<p>Por lo tanto, es muy poco probable que se aventurara a ir a París en octubre para estar entre la multitud que presenció la ejecución de <a href="https://www.britannica.com/biography/Marie-Antoinette-queen-of-France">la reina María Antonieta</a>. </p>
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<figcaption><span class="caption">Otro tráiler de <em>Napoleón</em> muestra los prolegómenos de la ejecución de María Antonieta.</span></figcaption>
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<p>En una <a href="https://ia800909.us.archive.org/7/items/lettersofdocumen006632mbp/lettersofdocumen006632mbp.pdf">carta a su hermano mayor José</a>, sin embargo, Napoleón sí que afirmó haber presenciado el <a href="https://revolution.chnm.org/d/319">asalto al Palacio de las Tullerías</a> por una multitud enfurecida de manifestantes republicanos en junio de 1792. Lo encontró repulsivo.</p>
<h2>¿Disparó realmente Napoleón contra las pirámides?</h2>
<p>Napoleón comenzó su campaña egipcia en 1798. El legado cultural de la campaña puede verse en la bien surtida sección de egiptología del <a href="https://www.louvre.fr/en/explore/the-palace/a-royal-setting-for-egyptian-antiquities">Museo del Louvre</a>. Pero el lugar también fue escenario de atrocidades. </p>
<p>En un momento dado, varios miles de <a href="https://www.bloomsbury.com/uk/napoleon-9781408854693/">soldados otomanos</a> fueron fusilados o arrojados al mar por orden de Napoleón, en lugar de ser apresados. No hace falta inventar trampas de hielo ni que Napoleón ordene a sus hombres disparar contra las pirámides, como hace la película biográfica de Ridley Scott, para dejar ver su cruel desprecio por la vida. </p>
<p>Fue el rumor de que Napoleón había ordenado envenenar a sus propias tropas en Jaffa, afectadas por la peste, lo que acabó por empañar su reputación a principios del siglo XIX. El rumor perduró, <a href="https://www.napoleon.org/en/history-of-the-two-empires/paintings/2-bonaparte-visiting-the-plague-victims-of-jaffa/">por brillante que fuera la respuesta del artista Antoine-Jean Gros</a>, a quien Napoleón encargó en 1804 que pintara una historia diferente.</p>
<p>La película de Ridley Scott no recoge el pasado sino que se basa en los relatos e imágenes que han representado a Napoleón desde su muerte, muchos de ellos creados por sus propias manos.</p><img src="https://counter.theconversation.com/content/218284/count.gif" alt="The Conversation" width="1" height="1" />
<p class="fine-print"><em><span>Joan Tumblety está afiliada como miembro ordinario del Partido Laborista.</span></em></p>
Un filme histórico no tiene que responder a la realidad. Además, ¿qué es realidad en la historia de Napoleón, si él controló muchos de sus relatos?
Joan Tumblety, Associate Professor of French History, University of Southampton
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2023-10-30T16:15:06Z
2023-10-30T16:15:06Z
¿Qué hace que la banda sonora de una película dé miedo?
<p>Piense en la película más terrorífica que haya visto. Más allá de los gritos que hielan la sangre o los latidos del corazón, seguro que hay otro sonido que se le queda grabado en la memoria: su música. </p>
<p>Tal vez sean las cuerdas chillonas de <a href="https://www.youtube.com/watch?v=0WtDmbr9xyY"><em>Psicosis</em></a> (1960), o la melodía de piano pulsante y el bajo ominoso de la franquicia <a href="https://www.youtube.com/watch?v=8_tGvktfjjk"><em>Halloween</em></a> (1971-2022). Tal vez sea <a href="https://noisegate.com.au/behind-the-score-suspiria-by-goblin/#:%7E:text=La%20banda%20sonora%20de%20Suspiria%20es,los%20personajes%20est%C3%A1n%20en%20peligro">la ecléctica partitura de <em>Suspiria</em></a> (1997), que combinaba sintetizadores, el <a href="https://hobgoblin.com/instruments/instrument/bouzouki">bouzouki griego</a>, la <a href="https://www.bsmny.org/instrument-discovery/tabla/">tabla india</a> y susurros. </p>
<p>¿O acaso las <a href="https://www.sensesofcinema.com/2020/the-shining-at-40/reappraising-the-score-of-the-shining/">inquietantes citas</a> de compositores vanguardistas como <a href="https://theconversation.com/cien-anos-de-gyorgy-ligeti-ilusionista-del-lenguaje-musical-contemporaneo-200678">Ligeti</a> y <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Krzysztof_Penderecki">Penderecki</a> de <em>El resplandor</em> (1980) siguen atormentando sus pesadillas?</p>
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<figcaption><span class="caption">Lontano, de György Ligeti, aparece en <em>El resplandor</em>.</span></figcaption>
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<p>Las películas de terror incorporan <a href="https://www.bloomsbury.com/uk/spectre-of-sound-9781839020612/">variadas</a> <a href="https://www.routledge.com/Music-in-the-Horror-Film-Listening-to-Fear/Lerner/p/book/9780415992039">influencias musicales</a>. Pero hay algunos recursos que comparten con las partituras que inducen miedo o tensión en otros géneros, como el <em>thriller</em> y las películas de acción contemporáneas. Estos recursos contribuyen a crear una atmósfera musical ambigua.</p>
<p>Esta sensación de incertidumbre se consigue a menudo mediante la falta de melodía convencional y armonías disonantes (que chocan entre sí) que no se resuelven fácilmente. Las melodías cortas repetidas transmiten tensión, al igual que las técnicas de trémolo (sonidos que <a href="https://www.oxfordreference.com/display/10.1093/acref/9780199579037.001.0001/acref-9780199579037-e-6912?fromCrossSearch=true">literalmente tiemblan o se estremecen</a>), que implican la reiteración rápida de un tono o la alternancia entre dos tonos. </p>
<p>Estas características moldean las <a href="https://www.bloomsbury.com/uk/spectre-of-sound-9781839020612/">expectativas del público</a> a través de la repetición, creando inquietud cuando el desarrollo previsto no se produce. La entrada de instrumentos adicionales, el aumento del volumen y la regularidad de las repeticiones, o la subida secuencial del tono en cada iteración, pueden aumentar la tensión, en parte porque no promueven una evolución melódica sustancial. </p>
<h2>La ciencia de una partitura que asusta</h2>
<p>La música del compositor <a href="https://www.npr.org/2000/10/30/1113215/bernard-herrmanns-score-to-psycho">Bernard Herrmann</a> para la secuencia de la ducha de <em>Psicosis</em> es el ejemplo por excelencia. Evita la melodía en favor de los tonos agudos repetidos del violín y se construye añadiendo gradualmente cuerdas para ampliar el acorde disonante subyacente. </p>
<p>Técnicas similares son también habituales en las partituras de <em>thrillers</em> más recientes de compositores como <a href="https://www.britannica.com/biography/Hans-Zimmer">Hans Zimmer</a>. Tomemos como ejemplo <a href="https://www.theguardian.com/music/2010/jul/29/inception-soundtrack-edith-piaf"><em>Origen</em></a> (2010), con su recurrente motivo de guitarra y sus acordes de cuerda disonantes.</p>
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<figcaption><span class="caption">La icónica banda sonora de <em>Origen</em>.</span></figcaption>
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<h2>Buscando partituras de miedo</h2>
<p>Los drones (notas sostenidas o figuras repetidas) también ayudan a crear atmósferas tensas. Suelen aparecer en los graves, a veces junto a estruendos de baja frecuencia. Esto puede escucharse en la reciente película <a href="https://www.youtube.com/watch?v=oOhpTxcUxy0"><em>Oppenheimer</em></a> (2023), durante las escenas en torno a la <a href="https://www.youtube.com/watch?v=5ZYD-H4V2M0&t=54s">Prueba Trinity</a>. Estos zumbidos transmiten espacio y ambigüedad, dado el vacío entre ellos y cualquier fragmento melódico agudo.</p>
<p>El investigador musical <a href="https://www.bloomsbury.com/uk/spectre-of-sound-9781839020612/">K.J. Donnelly</a> ve una conexión entre estos tonos extremos de las bandas sonoras de las películas de terror y los sonidos corporales. Las líneas de cuerda agudas de las bandas sonoras de películas como <em>Psicosis</em> imitan acústicamente la “aspereza” o <a href="https://pubs.aip.org/asa/jasa/article/147/6/EL540/965901">las cualidades ásperas de los gritos</a>. Las voces susurradas o gritadas aparecen a menudo en las partituras de terror, al igual que los sonidos <a href="https://citeseerx.ist.psu.edu/document?repid=rep1&type=pdf&doi=5fc9ea5def45b1c7c96432c9eef4dccc48ba1bb7">que emulan los latidos del corazón humano</a>. </p>
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<figcaption><span class="caption">Música de la escena de la prueba Trinity en <em>Oppenheimer</em>.</span></figcaption>
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<p>Sin embargo, aunque estos sonidos enfatizan lo físico y vulnerable, el uso frecuente de instrumentos electrónicos y la difuminación de la música y el diseño sonoro también crean una ambigüedad que evoca la tecnología y lo inhumano. Esto puede apreciarse en el uso que hace <em>Oppenheimer</em> del tic-tac del contador Geiger, un dispositivo utilizado para detectar la radiación.</p>
<p>En contraste con estas atmósferas sonoras ambiguas, a menudo aparecen también fuertes estallidos repentinos de sonido o música (<em>stingers</em>) que funcionan como sustos. <a href="https://www.bloomsbury.com/uk/spectre-of-sound-9781839020612/">Donnelly</a> describe estos sonidos como “primarios”, reflejando el <a href="https://www.sciencedirect.com/science/article/pii/S1571064513000638">trabajo psicológico</a> que enumera el reflejo del tronco cerebral (respuestas instintivas a eventos sónicos repentinos) como un medio musical de inducir emociones. </p>
<p><a href="https://journals.sagepub.com/doi/full/10.1177/03057356211073478">Se ha demostrado</a> que las fuertes explosiones musicales que acompañan y preceden a los choques visuales en las películas de terror aumentan las respuestas de estrés de los espectadores. El silencio repentino puede funcionar de forma similar, como en <em>Oppenheimer</em> durante la prueba de detonación de una <a href="https://theconversation.com/oppenheimer-has-an-epic-layered-soundtrack-but-its-real-power-is-in-the-silence-210983">bomba nuclear</a>. Del mismo modo, la penetrante entrada del violín en la escena de la ducha de <em>Psicosis</em> se ve acentuada por la ausencia de música.</p>
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<figcaption><span class="caption">La escena de la ducha de <em>Psicosis</em> se ve acentuada por la ausencia de música que la precede.</span></figcaption>
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<p><a href="https://www.routledge.com/Music-in-the-Horror-Film-Listening-to-Fear/Lerner/p/book/9780415992039">El uso de elementos musicales en escenarios desconocidos</a> también subvierte las expectativas y, en las películas de terror, yuxtapone lo inocente y familiar al contenido oscuro. </p>
<p>Se invocan referencias a la religión y la infancia a través de instrumentos como el órgano y la caja de música, y alusiones a himnos y canciones de cuna. Del mismo modo, música alegre o nostálgica preexistente que resulte <a href="https://link.springer.com/book/10.1007/978-3-030-00506-1">incongruente</a> puede utilizarse para atraer o distanciar al público. Un ejemplo es cuando “<a href="https://intellectdiscover.com/content/journals/10.1386/st.7.2.119_1">Over the Rainbow</a>” de Olivia Newton-John acompaña un tiroteo en el <em>thriller</em> de acción <a href="https://www.youtube.com/watch?v=o7b1isiyVBI">Face/Off</a> (1997).</p>
<p>Estas estrategias nos afectan física y psicológicamente. Aunque los estudiosos de la música de cine llevan muchos años observándolo, ha sido en las últimas décadas cuando los investigadores de la psicología han empezado a explorar empíricamente cómo.</p>
<p>Si bien estos elementos no aparecen en todas las escenas de tensión, es probable que al menos algunos hayan contribuido al aumento de la frecuencia cardíaca, la piel de gallina o los sobresaltos de los espectadores. Estas reacciones son una de las principales razones por las que volvemos a ver películas de miedo y demuestran claramente el impacto emocional de la música de cine.</p><img src="https://counter.theconversation.com/content/216668/count.gif" alt="The Conversation" width="1" height="1" />
<p class="fine-print"><em><span>David Ireland no recibe salario, ni ejerce labores de consultoría, ni posee acciones, ni recibe financiación de ninguna compañía u organización que pueda obtener beneficio de este artículo, y ha declarado carecer de vínculos relevantes más allá del cargo académico citado.</span></em></p>
Las películas de terror incorporan influencias musicales variadas, pero hay algunas cosas que muchas bandas sonoras tienen en común.
David Ireland, Associate Professor in Film Music Studies and Music Psychology, University of Leeds
Licensed as Creative Commons – attribution, no derivatives.
tag:theconversation.com,2011:article/215469
2023-10-18T21:04:10Z
2023-10-18T21:04:10Z
Crueldades, amarguras y (des)esperanzas: el conflicto palestino-israelí en el cine de ficción actual
<figure><img src="https://images.theconversation.com/files/554391/original/file-20231017-23-dhr8ai.jpg?ixlib=rb-1.1.0&rect=4%2C8%2C1493%2C988&q=45&auto=format&w=496&fit=clip" /><figcaption><span class="caption">Fotograma de _Todo pasa en Tel Aviv_, de Sameh Zoabi.</span> <span class="attribution"><a class="source" href="https://www.filmaffinity.com/es/filmimages.php?movie_id=347576">FilmAffinity</a></span></figcaption></figure><p>Se han vertido, se vierten y se verterán ríos de tinta acerca del conflicto en Palestina e Israel, analizando sus causas, efectos y consecuencias, buscando una solución que nadie encuentra. Precisamente la actual ofensiva cruenta protagonizada por Hamás contra Israel, y el ataque a la Franja de Gaza, dos hechos que ya acumulan miles de muertos y heridos, vuelven a poner ese escenario en el disparadero. </p>
<p>También el cine se ha ocupado de este tema a lo largo de estas décadas desde distintos puntos de vista y sensibilidades. Resulta muy interesante que, a través de las imágenes, no pocas veces se ha buscado interceder por un final dialogado o por un entendimiento entre las partes, más que una solución concreta. No hay nada que humanice más a las personas que la gran pantalla nos haga ver que los seres humanos, a pesar de nuestras diferencias culturales o religiosas, somos iguales. Amamos, odiamos y, sobre todo, anhelamos vivir en paz. </p>
<h2>Retrato amargo</h2>
<p>Desde <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film732294.html"><em>Éxodo</em></a> (Otto Preminger, 1960) hasta <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film294046.html"><em>La traición de Huda</em></a> (Hany Abu-Assad, 2021) las perspectivas que ha ofrecido el cine sobre esta tierra en disputa son muy distintas. Aunque la diferencia de estilos y composición cinematográfica es variada, en lo fundamental ha primado una exhortación al diálogo y un retrato amargo de la vida en los territorios palestinos. </p>
<p>A destacar, entre una selección de realizaciones de ficción actuales, <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film445490.html"><em>Caminar sobre las aguas</em> </a>(Eytan Fox, 2004), que aborda cómo a Israel le pesan más los prejuicios contra los palestinos que la memoria del Holocausto. El filme aboga por construir un futuro no desde el odio, sino desde el amor, a través de las figuras de un agente del Mossad que ha visto como su mujer se suicida, y un joven alemán, cuyo abuelo era nazi. </p>
<p>Otro enfoque sería el de <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film852912.html"><em>Domicilio privado</em></a> (Saverio Costanzo, 2004). En ella se recrea el conflicto en el microcosmos de una familia palestina que ve cómo un grupo de soldados israelíes irrumpe y ocupa parte de su casa. La situación se convierte en una dura prueba de resistencia física y moral.</p>
<p><a href="https://www.filmaffinity.com/es/film558219.html"><em>Paradise now</em></a> (Hany Abu-Assad, 2005) se adentra en un mundo muy delicado como es el terrorismo suicida. Lo hace a través de dos palestinos cuyas motivaciones (o falta de ellas), personalidad y dudas antes de cometer un atentado dejan en evidencia que ambos encarnan a una generación atrapada y desorientada, fácilmente manipulable por los fanáticos de turno. </p>
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<a href="https://images.theconversation.com/files/554393/original/file-20231017-23-jmznq7.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=1000&fit=clip"><img alt="Cartel de la película _Los limoneros_, de Eran Riklis." src="https://images.theconversation.com/files/554393/original/file-20231017-23-jmznq7.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=237&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/554393/original/file-20231017-23-jmznq7.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=848&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/554393/original/file-20231017-23-jmznq7.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=848&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/554393/original/file-20231017-23-jmznq7.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=848&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/554393/original/file-20231017-23-jmznq7.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=1065&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/554393/original/file-20231017-23-jmznq7.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=1065&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/554393/original/file-20231017-23-jmznq7.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=1065&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px"></a>
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<span class="caption">Cartel de la película <em>Los limoneros</em>, de Eran Riklis.</span>
<span class="attribution"><a class="source" href="https://www.filmaffinity.com/es/film751693.html">FilmAffinity</a></span>
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<p><a href="https://www.filmaffinity.com/es/film751693.html"><em>Los limoneros</em></a> (Eran Riklis, 2008) ofrece la visión del conflicto desde una perspectiva femenina. Una viuda sola y desamparada ve cómo un ministro israelí y su mujer se van a vivir enfrente de su casa, junto a su campo de limoneros, que quieren cortar por temas de seguridad. Soledad, amargura e incomprensión configuran una realidad donde la viuda es víctima de la tiranía del conflicto, en la metáfora de unos limoneros que no suponen una amenaza para nadie. </p>
<h2>Dos visiones diferentes</h2>
<p>Ofrecer los dos puntos de vista de la situación como un modo de crear puentes para ir confrontando las diferencias insalvables que existen entre ambas comunidades es el punto de partida de otras tres películas. </p>
<p>La primera, <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film724941.html"><em>El hijo del otro</em></a> (Lorraine Levy, 2012), es una metáfora sobre qué ocurriría si en una maternidad se confundieran a la hora de entregar a dos bebés a sus familias. Durante años, un joven palestino viviría como israelí y un israelí como palestino, hasta tener que volver a su lugar, dejando en evidencia sus traumas, las exageraciones y los prejuicios que se han instaurado entre ellos.</p>
<p>En <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film346300.html"><em>Una botella en el mar de Gaza</em></a> (Thierry Binisti, 2012), una joven israelí y un joven palestino llevan a cabo un intercambio de correos electrónicos. En ellos confrontarán sus dos visiones del conflicto –los miedos y los temores que sienten–, hasta darse cuenta de que encarnan a una nueva generación que puede intentar cambiar la situación confiando en el otro. </p>
<p>Finalmente, <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film486749.html"><em>Crescendo</em></a> (Dror Zahavi, 2019), inspirada en una orquesta real formada por jóvenes israelíes y palestinos, pone en solfa la enorme problemática y las tensiones existentes entre ambas comunidades. La trama plantea que hay que buscar el modo de superar desde el amor o el respeto. </p>
<figure class="align-center zoomable">
<a href="https://images.theconversation.com/files/554388/original/file-20231017-17-t8au7w.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=1000&fit=clip"><img alt="Un grupo de jóvenes salta y ríe en una pradera en el monte." src="https://images.theconversation.com/files/554388/original/file-20231017-17-t8au7w.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/554388/original/file-20231017-17-t8au7w.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=300&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/554388/original/file-20231017-17-t8au7w.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=300&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/554388/original/file-20231017-17-t8au7w.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=300&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/554388/original/file-20231017-17-t8au7w.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=377&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/554388/original/file-20231017-17-t8au7w.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=377&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/554388/original/file-20231017-17-t8au7w.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=377&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px"></a>
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<span class="caption">Fotograma de <em>Crescendo</em>, de Dror Zahavi.</span>
<span class="attribution"><a class="source" href="https://www.filmaffinity.com/es/film486749.html">FilmAffinity</a></span>
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<h2>De la risa…</h2>
<p>Tampoco han faltado las comedias. Aunque no se hayan prodigado tanto por las dificultades que arrastra el tema, son otra manera de ayudar a desdramatizar la semblanza de una realidad tan dura. En este apartado se incluye <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film373613.html"><em>Un cerdo en Gaza</em></a> (Sylvain Estibal, 2011), en la que un pobre pescador se encuentra un cerdo y sufre toda una serie de vicisitudes para intentar venderlo. Es un filme bienintencionado que, no obstante, también crítica abiertamente a Hamás.</p>
<p><a href="https://www.filmaffinity.com/es/film347576.html"><em>Todo pasa en Tel Aviv</em></a> (Sameh Zoabi, 2018) es una logradísima comedia en la que un joven palestino se convierte en guionista de una telenovela palestina, de gran éxito de público en Israel, gracias a su colaboración con un oficial israelí que quiere deslumbrar a su mujer. </p>
<p>Finalmente, <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film720963.html"><em>Gaza Mon Amour</em></a> (Mohammed Abou Nasser y Ahmad Abou Nasser, 2020) relata la historia de un pescador que, un buen día, encuentra entre sus redes una estatua griega. La película desvela la pesadumbre y esperanzas existentes en un territorio mísero y sin futuro, pero donde caben el amor y las buenas emociones. </p>
<figure class="align-center zoomable">
<a href="https://images.theconversation.com/files/554386/original/file-20231017-25-m2t7qw.jpg?ixlib=rb-1.1.0&rect=1%2C5%2C967%2C640&q=45&auto=format&w=1000&fit=clip"><img alt="Un hombre sujeta la cara de una mujer mientras ambos se miran." src="https://images.theconversation.com/files/554386/original/file-20231017-25-m2t7qw.jpg?ixlib=rb-1.1.0&rect=1%2C5%2C967%2C640&q=45&auto=format&w=754&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/554386/original/file-20231017-25-m2t7qw.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=400&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/554386/original/file-20231017-25-m2t7qw.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=400&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/554386/original/file-20231017-25-m2t7qw.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=400&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/554386/original/file-20231017-25-m2t7qw.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=503&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/554386/original/file-20231017-25-m2t7qw.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=503&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/554386/original/file-20231017-25-m2t7qw.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=503&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px"></a>
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<span class="caption">Fotograma de la película <em>Gaza mon amour</em>, de Mohammed Abou Nasser y Ahmad Abou Nasser.</span>
<span class="attribution"><a class="source" href="https://www.filmaffinity.com/es/film720963.html">FilmAffinity</a></span>
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<h2>… a las lágrimas</h2>
<p>También, hay realizaciones que representan el lado más descorazonador y crudo del conflicto como <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film139252.html"><em>Inch'Allah</em></a> (Anaïs Barbeau-Lavalette, 2012), <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film791836.html"><em>Omar</em></a> (2013) y <em>La traición de Huda</em> (2021), ambas del incómodo, pero excelente, cineasta palestino-israelí Hany Abu-Assad. </p>
<figure class="align-right zoomable">
<a href="https://images.theconversation.com/files/554394/original/file-20231017-28-2wot5e.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=1000&fit=clip"><img alt="Cartel de la película _Omar_, de Hany Abu-Assad." src="https://images.theconversation.com/files/554394/original/file-20231017-28-2wot5e.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=237&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/554394/original/file-20231017-28-2wot5e.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=849&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/554394/original/file-20231017-28-2wot5e.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=849&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/554394/original/file-20231017-28-2wot5e.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=849&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/554394/original/file-20231017-28-2wot5e.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=1067&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/554394/original/file-20231017-28-2wot5e.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=1067&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/554394/original/file-20231017-28-2wot5e.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=1067&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px"></a>
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<span class="caption">Cartel de la película <em>Omar</em>, de Hany Abu-Assad.</span>
<span class="attribution"><a class="source" href="https://www.filmaffinity.com/es/film791836.html">FilmAffinity</a></span>
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</figure>
<p>En el primero, una joven voluntaria canadiense intenta ayudar y aportar su granito de arena colaborando en un campo de refugiados en Cisjordania. El contexto es tan desdichado que ella misma acaba considerando la violencia como la única manera de cambiar las cosas. El argumento presenta un universo tan terrible que parece que la única salida es la acción terrorista. Pero el filme no es tanto una apología del terrorismo como una denuncia de la situación opresiva y desesperada que viven los palestinos. </p>
<p>La segunda es una historia de amor frustrada entre dos jóvenes provocada por las miserias que trae consigo la fría y cruel naturaleza del conflicto. Y la tercera es un acercamiento (y denuncia) a una mirada turbia y desgarradora sobre la situación de indefensión de las mujeres palestinas y el colaboracionismo. </p>
<p>En suma, es una pena que visionar estas historias no haya servido para revertir esta cruda realidad .</p><img src="https://counter.theconversation.com/content/215469/count.gif" alt="The Conversation" width="1" height="1" />
<p class="fine-print"><em><span>Igor Barrenechea Marañón no recibe salario, ni ejerce labores de consultoría, ni posee acciones, ni recibe financiación de ninguna compañía u organización que pueda obtener beneficio de este artículo, y ha declarado carecer de vínculos relevantes más allá del cargo académico citado.</span></em></p>
Las películas sobre el conflicto palestino-israelí de las últimas décadas ha buscado interceder por un final dialogado o por un entendimiento entre las partes.
Igor Barrenechea Marañón, Profesor y Doctor en Historia Contemporánea, UNIR - Universidad Internacional de La Rioja
Licensed as Creative Commons – attribution, no derivatives.
tag:theconversation.com,2011:article/215785
2023-10-17T21:17:12Z
2023-10-17T21:17:12Z
Ver películas puede mejorar nuestra salud mental
<figure><img src="https://images.theconversation.com/files/554117/original/file-20231016-27-lbbygb.jpg?ixlib=rb-1.1.0&rect=0%2C0%2C6170%2C4311&q=45&auto=format&w=496&fit=clip" /><figcaption><span class="caption">La filmoterapia puede ayudarnos a procesar emociones difíciles.</span> <span class="attribution"><a class="source" href="https://www.shutterstock.com/image-photo/group-people-watching-sad-movie-cinema-2087654509">Zoran Zeremski/ Shutterstock</a></span></figcaption></figure><p>A muchos de nosotros nos gusta lo que sentimos cuando nos sentamos a ver una buena película. Si es triste puede ayudarnos a liberar emociones, mientras que una comedia puede levantarnos el ánimo. Incluso pueden ofrecernos la oportunidad de conectar con nuestras emociones y explorarlas de forma segura.</p>
<p>Este efecto justifica que cada vez haya más interés en utilizar las películas <a href="https://books.google.co.uk/books/about/Reel_Therapy.html?id=xQcGAAAACAAJ&redir_esc=y">como herramienta terapéutica</a>. Aunque este campo es todavía muy nuevo, mi revisión de la investigación realizada hasta ahora muestra que la filmoterapia <a href="https://onlinelibrary.wiley.com/doi/full/10.1002/capr.12658">puede resultar eficaz</a> para ayudar a las personas a procesar emociones difíciles y, como consecuencia, a mejorar la salud mental.</p>
<p>Sin ir más lejos, hablar de lo que le ocurre a los personajes de las películas puede resultar más cómodo que hablar de los problemas directamente, ya que permite cierta <a href="https://onlinelibrary.wiley.com/doi/full/10.1002/jcad.12270">distancia emocional</a> frente a lo que estamos viviendo. Las películas también pueden ayudarnos a aprender <a href="https://onlinelibrary.wiley.com/doi/10.1002/j.1556-6676.1986.tb01229.x">habilidades para la vida</a> a partir de cómo los personajes <a href="https://www.sciencedirect.com/science/article/pii/S0191886920305882">afrontan sus retos</a>. </p>
<p>Mi revisión también sacó a relucir que la filmoterapia <a href="https://onlinelibrary.wiley.com/doi/10.1002/jcad.12270">reduce el conflicto</a> entre padres y adolescentes, aumenta la empatía y el diálogo entre ambos, y les ayuda a mejorar las habilidades comunicativas. Además, se ha demostrado que <a href="https://www.sciencedirect.com/science/article/pii/S1877042814024331">el cine se puede usar como herramienta para reducir la ansiedad</a> e incluso hacer la terapia más atractiva. </p>
<p>Existen determinados grupos de personas que pueden beneficiarse especialmente de la filmoterapia. Entre ellas, los <a href="https://onlinelibrary.wiley.com/doi/10.1002/jclp.22997">jóvenes con autismo</a>, que frente a la gran pantalla pueden identificar sus puntos fuertes positivos y desarrollar resiliencia. El cine también puede ayudar a <a href="https://www.tandfonline.com/doi/abs/10.1521/ijgp.2014.64.2.254">pacientes psiquiátricos</a> a expresar sus pensamientos y sentimientos. Y otro estudio demostró que ver y <a href="https://search.informit.org/doi/10.3316/informit.529826981952514">comentar películas de superhéroes</a> permite a los jóvenes diagnosticados de esquizofrenia encontrar fuerza y sentido a las dificultades a las que se enfrentan.</p>
<p>Pero como la investigación en este campo no ha hecho más que empezar, será importante que se siga investigando para explorar cómo las personas conectan con las películas y quién se beneficia más de este tipo de terapia.</p>
<h2>Cine y conversaciones terapéuticas</h2>
<p>Hace ya siglos que <a href="https://www.penguin.co.uk/books/35250/poetics-by-aristotle/9780241524602">Aristóteles</a> observó que el público de las tragedias griegas parecía pasar por un beneficioso proceso de purga emocional (o catarsis) a través de la empatía con los personajes. El cine y la televisión funcionan de forma similar, ofreciendo un espacio seguro para sentir y expresar emociones sin experimentar las implicaciones del mundo real.</p>
<p>El cine combina <a href="https://hts.org.za/index.php/HTS/article/view/2878">imágenes, historias, metáforas y música</a>, elementos todos ellos que han demostrado tener beneficios terapéuticos. Las películas y la televisión también son accesibles y pueden ofrecer algo familiar y fácil de hablar como base de las conversaciones terapéuticas.</p>
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<img alt="Una joven con auriculares ve una película o un programa en su portátil." src="https://images.theconversation.com/files/553985/original/file-20231016-19-pk3etk.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/553985/original/file-20231016-19-pk3etk.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=316&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/553985/original/file-20231016-19-pk3etk.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=316&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/553985/original/file-20231016-19-pk3etk.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=316&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/553985/original/file-20231016-19-pk3etk.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=398&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/553985/original/file-20231016-19-pk3etk.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=398&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/553985/original/file-20231016-19-pk3etk.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=398&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px">
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<span class="caption">Las películas pueden ofrecer un espacio seguro para expresar emociones.</span>
<span class="attribution"><a class="source" href="https://www.shutterstock.com/image-photo/young-sad-african-american-woman-watching-1956958240">Fractal Pictures / Shutterstock</a></span>
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<p>Sin embargo, aunque las investigaciones demuestran que la filmoterapia puede ser beneficiosa, hasta ahora ha habido poca orientación sobre la mejor manera de utilizar las películas en terapia. Por eso, tras la revisión, he desarrollado el “<a href="https://onlinelibrary.wiley.com/doi/full/10.1002/capr.12658">método MOVIE</a>”, que implica compromiso consciente, observar las respuestas, expresar la experiencia propia, identificar la relevancia personal y explorar nuevas posibilidades. </p>
<h2>¿Con qué personaje me identifico? ¿Se parece a mi propia historia?</h2>
<p>El primer paso del método MOVIE consiste en hacer una comprobación consciente de cómo nos sentimos y de si es un buen día para ver la película que hemos elegido. Es decir, pensar en el efecto que podría tener ver la película o reflexionar sobre ella. </p>
<p>Si decidimos seguir adelante, es esencial ser conscientes de nuestros propios pensamientos, sentimientos y respuestas físicas mientras la vemos. Alejarnos de nuestros sentimientos sin juzgarlos, en lugar de dejarnos llevar por ellos.</p>
<p>Después de ver la película, conviene expresar o nombrar las emociones que sentimos, anotándolas si puede resultar útil. Es esencial sentir curiosidad por nuestros sentimientos y fijarnos en si percibimos físicamente tensión o relajación. También cabe la opción de pensar qué necesita ese sentimiento (por ejemplo, amabilidad o comprensión) e <a href="https://www.tarabrach.com/selfcompassion1/">imaginar que lo recibimos</a>. </p>
<p>El siguiente paso es identificar lo que la película significa para nosotros. Detectar con quién nos identificamos y cómo el viaje del personaje puede recordarnos a nuestros propios retos y logros. Aunque las películas pueden ofrecer una visión de las vidas de diferentes grupos y culturas, conviene asegurarse de <a href="https://onlinelibrary.wiley.com/doi/10.1002/jclp.22999">pensar críticamente</a> sobre cómo se representan estos personajes o temas. Así evitamos reforzar estereotipos o representaciones inexactas. </p>
<p>En suma, podemos ver las películas y las series identificando cómo pueden ayudarnos a explorar nuevas posibilidades y estrategias de crecimiento. Pensar en cómo resolvieron los problemas los personajes y en todo lo que podemos aprender de ello. Observar los vínculos entre la historia en la ficción y nuestra historia personal. Analizar si cambiaríamos la historia o escribiríamos una secuela. </p>
<p>En definitiva, sentarnos a ver una película con la intención de aprovechar al máximo la experiencia. Aplicar los métodos de la cineterapia puede ayudarnos a aprender cosas nuevas sobre nosotros mismos.</p><img src="https://counter.theconversation.com/content/215785/count.gif" alt="The Conversation" width="1" height="1" />
<p class="fine-print"><em><span>Jenny Hamilton no recibe salario, ni ejerce labores de consultoría, ni posee acciones, ni recibe financiación de ninguna compañía u organización que pueda obtener beneficio de este artículo, y ha declarado carecer de vínculos relevantes más allá del cargo académico citado.</span></em></p>
La filmoterapia es una estrategia nueva y prometedora que permite usar el cine y la televisión para aumentar la empatía, reducir la ansiedad o ayudar a los autistas a desarrollar resiliencia.s
Jenny Hamilton, Senior Lecturer in Counselling/ Psychological Therapies/ Programme Leader for MSc Counselling, University of Lincoln
Licensed as Creative Commons – attribution, no derivatives.
tag:theconversation.com,2011:article/215173
2023-10-16T21:27:34Z
2023-10-16T21:27:34Z
Los microbios son “buena gente”: cinco películas y series que lo demuestran
<figure><img src="https://images.theconversation.com/files/553179/original/file-20231011-20-aguaoe.jpg?ixlib=rb-1.1.0&rect=305%2C89%2C5685%2C3898&q=45&auto=format&w=496&fit=clip" /><figcaption><span class="caption">
</span> <span class="attribution"><a class="source" href="https://www.shutterstock.com/es/image-photo/hilversum-netherlands-february-14-2014-avatar-177229865">Twin Design/Shutterstock</a></span></figcaption></figure><p>Si ponemos juntas las palabras “microbios” y “cine”, seguramente más de uno pensará en epidemias terribles como la peste, en largas filas de cadáveres envueltos en bolsas de plástico e incluso en zombis comedores de cerebros. Sin embargo, la inmensa mayoría de los microbios no son patógenos, sino que cumplen funciones ecológicas esenciales en el mantenimiento de la biosfera. </p>
<p>No solo eso, también nos hacen la vida más placentera gracias a la cerveza, el vino, los quesos, etc. E incluso nos curan porque son los principales productores de medicamentos como los antibióticos. </p>
<p>Aunque en el cine casi siempre interpreten el papel de “malos”, en realidad los microbios son “buena gente”. Y hay cinco películas y series conocidas por el gran público que así lo reflejan: <em>Avatar</em>, <em>Marte</em>, <em>Soy Leyenda</em>, <em>The Walking Dead</em> y <em>The Last of Us</em>.</p>
<h2><em>Avatar</em>, James Cameron (2009)</h2>
<p>En una secuencia muy famosa de esta película, el personaje de Sigourney Weaver es herido gravemente y el poblado de los Na’vi intenta transferir su consciencia desde su forma humana a su avatar alienígena. </p>
<p>Para ello la trasladan al luminoso Árbol de la Vida. A continuación, toda la tribu se dispone en círculos concéntricos, conectando los “USB biológicos” de sus coletas a las raíces del árbol. Lo que vemos entonces es que se forman ondas luminosas pulsantes mientras todos cantan rítmicamente. </p>
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<a href="https://images.theconversation.com/files/553222/original/file-20231011-24-jxoqmq.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=1000&fit=clip"><img alt="Inmensos árboles en un bosque." src="https://images.theconversation.com/files/553222/original/file-20231011-24-jxoqmq.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/553222/original/file-20231011-24-jxoqmq.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=338&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/553222/original/file-20231011-24-jxoqmq.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=338&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/553222/original/file-20231011-24-jxoqmq.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=338&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/553222/original/file-20231011-24-jxoqmq.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=424&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/553222/original/file-20231011-24-jxoqmq.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=424&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/553222/original/file-20231011-24-jxoqmq.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=424&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px"></a>
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<span class="caption">Los árboles de <em>Avatar</em> tienen propiedades mágicas.</span>
<span class="attribution"><a class="source" href="https://www.imdb.com/title/tt0499549/mediaindex">TM & © 2007 Twentieth Century Fox</a></span>
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<p>Toda esa secuencia tiene mucho que ver con la microbiología, concretamente con los trabajos realizado por los científicos <a href="https://theconversation.com/la-vida-social-de-las-bacterias-premio-princesa-de-asturias-2023-207280">Jeffrey I. Gordon, Peter Greenberg y Bonnie L. Bassler</a>, recientemente galardonados con el Premio Princesa de Asturias por sus estudios sobre la microbiota y las interacciones de los microorganismos entre sí y con otros seres vivos. Los filamentos que salen de las coletas de los Na’vi hacia las raíces del árbol se asemejan a las <a href="https://theconversation.com/la-red-social-subterranea-que-conecta-a-las-plantas-y-las-ayuda-frente-al-cambio-climatico-180712">micorrizas</a>, la asociación entre plantas y hongos que permiten una absorción de nutrientes mucho más eficiente. </p>
<p>En cuanto a los pulsos de bioluminiscencia, guardan un enorme parecido con la simbiosis mutualista que se da entre <a href="https://theconversation.com/what-is-bioluminescence-and-how-is-it-used-by-humans-and-in-nature-100472">la bacteria marina <em>Allivibrio fischeri</em> y la sepia hawaiana <em>Euprymna scolopes</em></a>. Esta tiene en su interior un órgano especial en el que aloja a la bacteria. Durante el día el número de bacterias crece gracias a los nutrientes que le suministra la sepia. Y cuando llega la noche la densidad poblacional de las bacterias es tan alta que entonces todas comienzan a emitir luz al unísono. Este fenómeno se conoce como “percepción de quorum” (en inglés <em>quorum sensing</em>). </p>
<p>¿Y para qué le sirve a la sepia esa luz? Pues no es para ver, sino para no ser vista. Aunque esta sepia hawaiana es un cazador nocturno, es tan pequeña que sería una presa fácil para cualquier depredador situado en el fondo marino. Para no ser un cazador cazado, la luz que genera la convierte en un punto luminoso muy similar a una estrella.</p>
<h2><em>Marte</em>, Ridley Scott (2015)</h2>
<p>En una de las muchas ocasiones en las que Matt Damon <a href="https://time.com/4162254/cost-of-rescuing-matt-damon/">debe ser rescatado en una película</a>, en <em>Marte</em> se ve obligado a plantar patatas en el planeta rojo para poder sobrevivir mientras espera el rescate. Pero además de patatas necesita abono, que consigue gracias a la abundante provisión de heces envasadas al vacío que habían dejado sus compañeros. </p>
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<a href="https://images.theconversation.com/files/553212/original/file-20231011-15-zewfin.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=1000&fit=clip"><img alt="Un hombre agachado entre una plantación de patatas en un invernadero." src="https://images.theconversation.com/files/553212/original/file-20231011-15-zewfin.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/553212/original/file-20231011-15-zewfin.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=370&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/553212/original/file-20231011-15-zewfin.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=370&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/553212/original/file-20231011-15-zewfin.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=370&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/553212/original/file-20231011-15-zewfin.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=464&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/553212/original/file-20231011-15-zewfin.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=464&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/553212/original/file-20231011-15-zewfin.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=464&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px"></a>
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<span class="caption">Matt Damon planta patatas en Marte para sobrevivir.</span>
<span class="attribution"><span class="source">20th Century Fox</span></span>
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<p>Lo que estaba haciendo el bueno de Matt era aplicar el llamado primer mandamiento de la microbiología ambiental y que fue enunciado por el microbiólogo holandés Lourens Bass Becking: <a href="https://doi.org/10.1111/j.1462-2920.2006.01017.x">todo está en todas partes, pero el medio ambiente selecciona</a>. </p>
<p>Nuestras heces están llenas de microorganismos de nuestra microbiota, con diferentes capacidades metabólicas. Aunque la inmensa mayoría de ellos están adaptados a interaccionar con nuestras células, en unas nuevas condiciones como puede ser el suelo y la rizosfera de una planta se van a seleccionar aquellos microorganismos que mejor se adapten. </p>
<p>Lo cierto es que, en el año 2017, <a href="https://phys.org/news/2017-03-indicators-potatoes-mars.html">un experimento de la NASA mostró que era posible</a> hacer crecer patatas en una simulación del suelo marciano al que se había añadido una porción de fertilizante terrestre.</p>
<h2><em>Soy leyenda</em>, Francis Lawrence (2007)</h2>
<p>Se suponía que no íbamos a hablar de microbios haciendo de “malos”, pero es que a veces los guionistas de cine cogen las buenas ideas científicas y las retuercen para escribir su historias. Esta película es la más reciente adaptación de la <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Soy_leyenda">famosa novela homónima de Richard Matheson</a>. </p>
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<a href="https://images.theconversation.com/files/553214/original/file-20231011-25-ctw66m.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=1000&fit=clip"><img alt="Un hombre con bata blanca observa la pantalla de un ordenador." src="https://images.theconversation.com/files/553214/original/file-20231011-25-ctw66m.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/553214/original/file-20231011-25-ctw66m.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=399&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/553214/original/file-20231011-25-ctw66m.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=399&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/553214/original/file-20231011-25-ctw66m.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=399&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/553214/original/file-20231011-25-ctw66m.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=501&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/553214/original/file-20231011-25-ctw66m.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=501&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/553214/original/file-20231011-25-ctw66m.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=501&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px"></a>
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<span class="caption">La solución a un problema acaba causando otro en <em>Soy leyenda</em>.</span>
<span class="attribution"><a class="source" href="https://www.filmaffinity.com/es/filmimages.php?movie_id=356363">FilmAffinity</a></span>
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<p>En el libro original, la mayor parte de los humanos se han transformado en vampiros debido al uso de una bacteria utilizada como arma biológica. Pero en esta película los guionistas decidieron que eso estaba muy visto. Así que en los cinco primeros minutos de la película vemos a una científica, interpretada por Emma Thompson, que explica que han modificado genéticamente un virus para eliminar el cáncer. A continuación, aparece la ciudad de Nueva York completamente abandonada y una frase que pone “cinco años después”. </p>
<p>Posteriormente los protagonistas discutirán sobre la conveniencia de que el ser humano manipule a los seres vivos para su beneficio o que incluso intente curar las enfermedades. A mí me parece que es un mensaje bastante claro sobre los peligros de la biotecnología. Algo que se ve en muchas otras películas, como por ejemplo <em>El origen del planeta de los simios</em>.</p>
<p>Menos mal que los científicos no suelen hacer ningún caso a los guionistas de Hollywood. En la época en que se estrenó <em>Soy leyenda</em>, varios grupos estaban estudiando la idea de usar virus para destruir células tumorales. De hecho, en el año 2012 se anunciaron los primeros éxitos de lo que ahora conocemos como terapias CAR-T. </p>
<p>Uno de esos <a href="http://curiosidadesdelamicrobiologia.blogspot.com/2012/12/como-convertir-uno-de-tus-peores.html">primeros éxitos fue el caso de Emma Whitehead</a>. Con 7 años se le diagnosticó una leucemia linfoide crónica. La forma de tratarla fue modificar sus células T utilizando un virus VIH modificado. Actualmente, Emma tiene 18 años.</p>
<h2><em>The Walking Dead</em></h2>
<p>Tras más de doce años desde su estreno en televisión, esta serie de televisión se ha convertido en uno de los mayores fenómenos de masas de todos los tiempos. </p>
<p>Quienes hayan visto la primera temporada recordarán que aparece el Centro para el Control de Enfermedades de Atlanta (el famoso CDC). Allí, un científico le confiesa al protagonista que “todos están infectados” por el virus que provoca la zombificación. Simplemente se activa cuando uno se muere.</p>
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<a href="https://images.theconversation.com/files/553216/original/file-20231011-17-dhki5g.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=1000&fit=clip"><img alt="Dos zombis y una mujer sin infectar caminan por un campo." src="https://images.theconversation.com/files/553216/original/file-20231011-17-dhki5g.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/553216/original/file-20231011-17-dhki5g.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=386&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/553216/original/file-20231011-17-dhki5g.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=386&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/553216/original/file-20231011-17-dhki5g.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=386&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/553216/original/file-20231011-17-dhki5g.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=485&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/553216/original/file-20231011-17-dhki5g.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=485&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/553216/original/file-20231011-17-dhki5g.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=485&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px"></a>
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<span class="caption">Fotograma de <em>The Walking Dead</em>.</span>
<span class="attribution"><a class="source" href="https://www.filmaffinity.com/es/film561333.html">FilmAffinity</a></span>
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<p>Hay que reconocer que esta vez los guionistas acertaron, porque es verdad que todos estamos infectados. Entre un 3 y un 5 % del genoma de cada una de nuestras células tiene su origen en antiguos retrovirus que <a href="https://doi.org/10.3389%2Ffmicb.2020.01140">infectaron a nuestros ancestros hace millones de años</a>. Son los llamados retrovirus endógenos. Pero lo más curioso es que algunos de esos retrovirus producen proteínas que son esenciales para nuestro desarrollo. Una de esas proteínas son las sincitinas, encargadas de permitir la fusión de las células maternas y las células del feto cuando se desarrolla la placenta. Es decir, que sin esos retrovirus no existiríamos.</p>
<h2><em>The Last of Us</em></h2>
<p>Terminamos con la última serie dedicada a los zombis, aunque en este caso la novedad está en que no son causados por la infección de un virus o una bacteria, sino por <a href="http://curiosidadesdelamicrobiologia.blogspot.com/2013/10/the-last-of-us-o-como-nos-convertimos.html">un mutante de <em>Ophiocordyceps unilateralis</em></a>, un hongo entomófago de las selvas tropicales. </p>
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<a href="https://images.theconversation.com/files/553211/original/file-20231011-17-8dixkl.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=1000&fit=clip"><img alt="Un hombre con la cara deformada se mueve por una habitación a oscuras." src="https://images.theconversation.com/files/553211/original/file-20231011-17-8dixkl.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/553211/original/file-20231011-17-8dixkl.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=400&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/553211/original/file-20231011-17-8dixkl.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=400&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/553211/original/file-20231011-17-8dixkl.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=400&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/553211/original/file-20231011-17-8dixkl.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=503&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/553211/original/file-20231011-17-8dixkl.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=503&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/553211/original/file-20231011-17-8dixkl.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=503&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px"></a>
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<span class="caption">En <em>The Last of Us</em>, un hongo transforma a las personas en algo parecido a zombis.</span>
<span class="attribution"><a class="source" href="https://www.imdb.com/title/tt3581920/mediaviewer/rm1901081089?ref_=ttmi_mi_all_sf_35">IMDB</a></span>
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<p>En el mundo real este hongo infecta fundamentalmente a hormigas. Si la espora se deposita en una articulación del insecto, puede conseguir penetrar en su interior. Una vez dentro, comienza a crecer hacia el cerebro hasta tomar el control del insecto. </p>
<p>Al contrario de lo que uno podría pensar, las hormigas zombi no se ponen a perseguir a otras hormigas para devorar sus cerebros y convertirlas en nuevos zombis. Lo que hace la hormiga infectada es trepar por una planta y colocarse en el envés de una hoja que esté a unos 25 centímetros de altura. Una vez allí, muerde con fuerza el nervio central de la hoja y muere. En ese lugar las condiciones de humedad y temperatura son óptimas para que el hongo produzca el cuerpo fructífero donde se generarán más esporas, que serán liberadas sobre el suelo de la selva y que infectarán a nuevas hormigas.</p>
<figure class="align-right zoomable">
<a href="https://images.theconversation.com/files/553180/original/file-20231011-22-4d5udy.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=1000&fit=clip"><img alt="" src="https://images.theconversation.com/files/553180/original/file-20231011-22-4d5udy.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=237&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/553180/original/file-20231011-22-4d5udy.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=378&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/553180/original/file-20231011-22-4d5udy.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=378&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/553180/original/file-20231011-22-4d5udy.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=378&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/553180/original/file-20231011-22-4d5udy.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=475&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/553180/original/file-20231011-22-4d5udy.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=475&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/553180/original/file-20231011-22-4d5udy.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=475&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px"></a>
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<span class="caption">El hongo ‘Ophiocordyceps unilateralis’ toma el control de las hormigas a las que infecta, que se vuelven ‘zombis’</span>
<span class="attribution"><a class="source" href="https://www.shutterstock.com/es/image-photo/ophiocordyceps-genetically-related-fungus-kills-insects-2271390027">Paulo Cesar Ayres/Shutterstock</a></span>
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<p>Los hongos entomófagos tienen un potencial biotecnológico enorme como bioinsecticidas. Hace unos años se fundó una <em>spin-off</em> en la Universidad de Alicante que luego fue adquirida por la empresa Symborg. El producto que habían desarrollado era <a href="https://symborg.com/es/beauveria-bassiana-203/">un preparado del hongo entomófago <em>Beauveria bassiana</em></a>, que ataca al gorgojo conocido como “picudo rojo” (<em>Rhynchophorus ferruginenus</em>), una plaga capaz de destruir a una palmera en tan solo seis meses. La ventaja de estos bioinsecticidas es que son una buena alternativa al uso de plaguicidas sintéticos.</p>
<p>Espero que la próxima vez que vaya al cine y vea una película en la que aparezca una terrible enfermedad infecciosa causada por un microbio no olvide que solo es un papel interpretativo, porque los microbios son, normalmente, “buena gente”.</p><img src="https://counter.theconversation.com/content/215173/count.gif" alt="The Conversation" width="1" height="1" />
<p class="fine-print"><em><span>Manuel Sánchez Angulo no recibe salario, ni ejerce labores de consultoría, ni posee acciones, ni recibe financiación de ninguna compañía u organización que pueda obtener beneficio de este artículo, y ha declarado carecer de vínculos relevantes más allá del cargo académico citado.</span></em></p>
Aunque en el cine casi siempre interpreten el papel de “malos”, en realidad los microbios no son patógenos, sino que cumplen funciones ecológicas esenciales en el mantenimiento de la biosfera. Cinco conocidas películas y series lo reflejan.
Manuel Sánchez Angulo, Miembro de la Sociedad Española de Microbiología. Profesor Titular de Microbiología, Universidad Miguel Hernández
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2023-10-08T19:55:01Z
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Picasso, también artista de la gran pantalla
<figure><img src="https://images.theconversation.com/files/538587/original/file-20230720-29-vlp4kc.png?ixlib=rb-1.1.0&rect=0%2C2%2C1424%2C1063&q=45&auto=format&w=496&fit=clip" /><figcaption><span class="caption">Picasso pintando en la película 'Visita a Picasso', de Paul Haesaerts.</span> <span class="attribution"><a class="source" href="https://www.youtube.com/watch?v=jyaPbReAumw">Eyeworks Film</a></span></figcaption></figure><p>En el aniversario de la guerra de Ucrania, <a href="https://www.lamoncloa.gob.es/presidente/intervenciones/Paginas/2023/prsp23022023.aspx">el presidente del Gobierno español Pedro Sánchez dijo</a> que el país estaba prestando la ayuda y la atención internacional que no tuvo durante la guerra civil (1936-1939). </p>
<p>El drama de ese abandono internacional y de la destrucción de España quedó inmortalizado en <em>Guernica</em>, de Picasso, obra inagotable <a href="https://theconversation.com/guernica-una-invocacion-encapsulada-203519">de la que tanto se ha escrito</a>. </p>
<h2><em>Guernica</em> cinematográfico</h2>
<p>En este 2023 del aniversario Picasso se están produciendo muchos homenajes y citas a esta grandiosa obra y a la figura del genio malagueño. Una de ellas ha sido el acaso anecdótico <a href="https://redcollectors.com/products/eugenio-ampudia-1"><em>Refugio</em> de Eugenio Ampudia en Arco 2023</a>, en el <em>stand</em> de la galería Max Estrella. </p>
<p>Hace unos años se produjo otra aportación importante por parte de un gran artista, el director de fotografía y maestro de la luz del cine español José Luis Alcaine. En un artículo para la revista especializada <em>Cameraman</em>, Alcaine <a href="http://www.doopaper.com/visor_html5/cameraman/alcaine#page/1">señalaba</a> que la película <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film926842.html"><em>Adiós a las armas</em></a> (Frank Borzage, 1933), adaptación de la inmortal obra de Ernest Hemingway de 1929, podía haber sido una fuente de inspiración para <em>Guernica</em>. </p>
<p>En el análisis establece una hipótesis audaz sobre el asombroso paralelismo visual entre algunos fotogramas de la secuencia del bombardeo de la película de Borzage y determinados espacios del cuadro. </p>
<p>Sostiene que Picasso bien pudo haber visto en algún momento la película en París a mediados de los años 30 y encontrar en esa secuencia una inspiración visual para componer las terribles estampas de sufrimiento y tragedia que presenta el cuadro.</p>
<figure class="align-center zoomable">
<a href="https://images.theconversation.com/files/538596/original/file-20230720-15-rutelo.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=1000&fit=clip"><img alt="Varios hombres trajeados posan delante del inmenso mural 'Guernica' creado por Pablo Picasso, en el que, con estilo cubista, plasma el bombardeo de la ciudad de Guernica durante la guerra civil." src="https://images.theconversation.com/files/538596/original/file-20230720-15-rutelo.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/538596/original/file-20230720-15-rutelo.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=443&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/538596/original/file-20230720-15-rutelo.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=443&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/538596/original/file-20230720-15-rutelo.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=443&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/538596/original/file-20230720-15-rutelo.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=557&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/538596/original/file-20230720-15-rutelo.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=557&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/538596/original/file-20230720-15-rutelo.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=557&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px"></a>
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<span class="caption">Varias personalidades contemplan el Guernica de Picasso durante su visita al pabellón de España en la Exposición Internacional de París, entre ellos el Comisario General del pabellón español, José Gaos, el comisario del gobierno vasco, José María Uzelai, el presidente de Euzkadi, José Antonio Aguirre, y varios miembros del gobierno español.</span>
<span class="attribution"><a class="source" href="http://pares.mcu.es/ParesBusquedas20/catalogo/description/12898045">MCD. Archivos Estatales (España)</a></span>
</figcaption>
</figure>
<h2>Picasso delante de las cámaras</h2>
<p>Este no es el único vínculo del malagueño con el séptimo arte, ni mucho menos. La relación de Picasso con el cine ha sido analizada en profundidad por <a href="https://books.google.es/books/about/Picasso_en_el_cine_tambi%C3%A9n.html?id=FDg3AQAAIAAJ&redir_esc=y">Carlos Fernández Cuenca</a> y <a href="https://www.todocoleccion.net/libros-segunda-mano-biografias/picasso-vv-aa-madrid-2002-fundacion-cultural-mapfre-vida-2002%7Ex209838515">Agustín Sánchez Vidal</a>. Ambos han señalado el documental <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film337929.html"><em>Esencia de verbena</em></a> (Ernesto Giménez Caballero, 1930) como la primera película que contiene la imagen de una obra de Picasso. </p>
<p>Aparece junto a otras de Goya, Maruja Mallo o Picabia, según rezan los créditos de entrada de la película. En el filme, un histriónico Gómez de la Serna desafía, desde una caseta de feria, la puntería de los transeúntes en un tono que evoca a la película <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film607299.html"><em>Entreacto</em></a> (René Claire, 1924). </p>
<p>La segunda presencia cronológica de Picasso en el cine fue en las imágenes de <a href="https://www.cervantesvirtual.com/obra-visor/pabellon-espanol-en-la-exposicion-internacional-de-paris-1937--0/html/0003a762-82b2-11df-acc7-002185ce6064_2.html"><em>Pabellón de España en la Exposición Internacional de París de 1937</em></a>, rodadas por militantes afines a Popular Film y al Partido Comunista de España. Picasso participó en la muestra con cinco esculturas, además de <em>Guernica</em>. </p>
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<iframe width="440" height="260" src="https://www.youtube.com/embed/O9ELSzRbH6A?wmode=transparent&start=0" frameborder="0" allowfullscreen=""></iframe>
<figcaption><span class="caption">Extracto del documental <em>Pathe Journal 1937</em>, sobre la exposición universal de París de 1937, en donde aparece <em>Guernica</em>.</span></figcaption>
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<p>Pasada la Guerra Civil y la II Guerra Mundial, Paul Haesaerts rodó en 1949 a Picasso pintando sobre cristal en <a href="https://youtu.be/jyaPbReAumw"><em>Visite à Picasso</em></a>. En los años 50, el malagueño tendría una presencia más importante en <a href="https://youtu.be/1nHaSIbgkCo?si=IpPs0VStgMpVopbY"><em>Guernica</em></a> (Hessens-Resnais, 1951) –con un escalofriante texto del poeta francés Paul Elouard– y <a href="https://www.filmaffinity.com/es/film272610.html"><em>Picasso</em></a> (Luciano Emmer, 1953). </p>
<p>Con todo, la película más importante sobre el artista fue rodada unos años más tarde: <a href="https://historia-arte.com/obras/el-misterio-picasso"><em>El misterio Picasso</em></a> (Henry G. Clouzot, 1955), que empezó siendo un cortometraje y acabó siendo un trabajo agotador para el propio pintor. Este es su filme más celebrado, con diversos premios y reconocimientos, entre los que se incluye el <a href="https://www.filmaffinity.com/es/movie-awards.php?movie-id=510152">Premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes de 1956</a>. </p>
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<iframe width="440" height="260" src="https://www.youtube.com/embed/Nxes8pyHkJc?wmode=transparent&start=0" frameborder="0" allowfullscreen=""></iframe>
<figcaption><span class="caption">Fragmento de <em>El misterio Picasso</em> en el que se ve al artista pintando un cuadro durante el rodaje del documental.</span></figcaption>
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<h2>Picaso detrás de las cámaras</h2>
<p>Pero es más desconocida la existencia de <a href="https://dialnet.unirioja.es/servlet/articulo?codigo=6062058">la película que convirtió a Picasso en cineasta</a>. </p>
<p>En realidad, se trató de un intento de película y sucedió unos años antes. Supuso la incursión de Picasso en un arte cuya técnica desconocía, pero a la que sumó, como no podía ser de otro modo, su indiscutible genio. </p>
<p>Después de la guerra, Picasso se había trasladado a vivir a la Costa Azul. Fue allí donde recibió el encargo el director de la Cinemateca Francesa, Henry Langlois, de dirigir una película <em>de artista</em> en clave simbólica y centrada en un tema que Picasso había tratado previamente en su pintura. El título inicial era <em>La mort de Charlotte Corday</em>. Trataba de la mujer que había asesinado al periodista y político francés Jean-Paul Marat, partidario del Reinado del Terror durante la Revolución Francesa. </p>
<p>Fue rodada durante cuatro intensas semanas en película de 16 mm. con material cedido por el MoMA. Iba a contar con la colaboración, entre otros, del músico <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/%C3%8Dgor_Stravinski">Igor Stravinsky</a>, amigo de Picasso, encargado de componer la banda sonora. </p>
<p>Conociendo el temperamento del artista malagueño, no es de extrañar que se entregara apasionadamente a todas las tareas de la película. Inauguró sin saberlo algunos géneros importantes que el arte contemporáneo iba a descubrir un par de décadas después, como las <em>combine paintings</em> de Robert Rauschenberg, el <em>body art</em>, el <em>happening</em> o la <em>performance</em>.</p>
<p>La película, a pesar del derroche creativo de Picasso, no llegó a comercializarse y <a href="https://dialnet.unirioja.es/servlet/articulo?codigo=4128736">solo se proyectó en el festival de Antibes</a>. Hoy en día quedan secuencias sueltas del corpus total de rodaje. </p>
<p>Es posible que <a href="https://riuma.uma.es/xmlui/bitstream/handle/10630/14139/PICASSO%20Y%20LA%20PEL%C3%8DCULA%20QUE%20OCULTA%20OTRA%20PEL%C3%8DCULA.pdf?sequence=3">los documentos más significativos de la película sean las fotografías tomadas durante el rodaje</a> por amigos de Picasso. Georges Sadoul, que estuvo presente junto a su compañera Ruta, publicó algunas imágenes pertenecientes a los primeros días de trabajo. También quedaron como testimonio de aquella experiencia <a href="https://photo.rmn.fr/archive/16-513618-2C6NU0A478ZYD.html">las fotografías</a> del ceramista y vecino de Picasso, Robert Picault. Documentó <a href="https://photo.rmn.fr/archive/16-513604-2C6NU0A4786L5.html">las jornadas del pintor</a> en medio de su incontenible despliegue creativo, ejerciendo como verdadero cineasta integral: actor, director, dibujante, escultor, creador de máscaras, de cerámicas, etc. </p>
<p>Aunque de un modo efímero, este fue el verdadero, si bien poco conocido, Picasso cineasta. </p>
<p>El director ruso Sergei Eisenstein, gran admirador de Picasso, decía que El Greco fue el primer cineasta español, por la cualidad cinematográfica de su mirada y el sentido del montaje presente en las vistas de Toledo. Siglos después, <a href="https://www.museodelprado.es/actualidad/exposicion/picasso-el-greco-y-el-cubismo-analitico/29c209f0-0268-4733-94e1-61cdcba92124">además de unirles el cubismo</a>, ambos genios de la pintura española parecen estar enlazados por el séptimo arte. Aunque uno de ellos ni siquiera supiese que eso iba a existir.</p><img src="https://counter.theconversation.com/content/208074/count.gif" alt="The Conversation" width="1" height="1" />
<p class="fine-print"><em><span>Ignacio Oliva Mompeán no recibe salario, ni ejerce labores de consultoría, ni posee acciones, ni recibe financiación de ninguna compañía u organización que pueda obtener beneficio de este artículo, y ha declarado carecer de vínculos relevantes más allá del cargo académico citado.</span></em></p>
Picasso dominó muchas artes. Además de participar en diversos productos audiovisuales, fue cineasta y dirigió una película, que a día de hoy se ha perdido.
Ignacio Oliva Mompeán, Profesor de cinematografía, Universidad de Castilla-La Mancha
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2023-10-04T20:03:55Z
2023-10-04T20:03:55Z
Profes de película: personajes de ficción que despertaron muchas vocaciones docentes
<figure><img src="https://images.theconversation.com/files/552144/original/file-20231004-29-i1mmqv.jpeg?ixlib=rb-1.1.0&rect=17%2C0%2C1894%2C1074&q=45&auto=format&w=496&fit=clip" /><figcaption><span class="caption">El profesor Keating a hombros de sus alumnos en la película El club de los poetas muertos.</span> <span class="attribution"><a class="source" href="https://www.filmaffinity.com/es/filmimages.php?movie_id=315826">Filmaffinity.</a></span></figcaption></figure><p><em>Heterodoxos, idealistas, perseverantes, valientes: la historia del cine ofrece ejemplos de docentes de película que ponen de relieve la importancia social y humana de su papel, muchas veces olvidada en un día a día menos glamuroso.</em> </p>
<p><em>Hemos preguntado a nuestros expertos cuáles fueron especialmente inspiradores para ellos. Esta es una posible selección de los mejores retratos cinematográficos de la profesión docente. Sirva como homenaje a nuestros maestros preferidos y a los millones que se dedican cada día a la enseñanza.</em></p>
<hr>
<figure class="align-center zoomable">
<a href="https://images.theconversation.com/files/552146/original/file-20231004-23-47ag4z.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=1000&fit=clip"><img alt="Un hombre y una mujer sentados en el suelo juegan con un niño pequeño." src="https://images.theconversation.com/files/552146/original/file-20231004-23-47ag4z.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/552146/original/file-20231004-23-47ag4z.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=364&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/552146/original/file-20231004-23-47ag4z.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=364&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/552146/original/file-20231004-23-47ag4z.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=364&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/552146/original/file-20231004-23-47ag4z.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=457&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/552146/original/file-20231004-23-47ag4z.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=457&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/552146/original/file-20231004-23-47ag4z.jpg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=457&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px"></a>
<figcaption>
<span class="caption">Fotograma de <em>El pequeño salvaje</em> de François Truffaut.</span>
<span class="attribution"><a class="source" href="https://www.imdb.com/title/tt0064285/">IMDB</a></span>
</figcaption>
</figure>
<h2>Jean Itard, <em>El pequeño salvaje</em> (1970), de François Truffaut</h2>
<p>Victor von Aveyron, como le bautizó el doctor Jean Itard, fue un niño que apareció en el bosque en el año 1800, cuando tenía aproximadamente (pues nunca se pudo comprobar) 12 años. Un “niño-lobo” que no había tenido contacto con la civilización. Incapaz de hablar, ni comprender, se le trató como persona con sordomudez y con discapacidad intelectual hasta que el profesor Itard expresó su interés. Itard estaba convencido de que el comportamiento irracional del niño sólo era fruto del entorno salvaje en el que había crecido y lo adoptó, trabajando intensamente en su socialización.</p>
<p>La película que recrea esta historia real nos acerca de forma humanista al planteamiento de Kant de cómo el hombre sólo es hombre gracias a la educación. Es un magnífico ejemplo de una concepción socializadora de la escuela y no sólo entendida como transmisora de contenidos o procedimientos. </p>
<p>La película, grabada en formato documental, sigue siendo vigente a pesar del tiempo transcurrido. Los principios de la pedagogía y psicología de la educación se visualizan con sencillez y desde la comprobación científica. Es, finalmente, una visión dulce que muestra cómo la educación precisa de vínculo y de confianza para poder ser realmente significativo lo que se aprende. </p>
<p><strong><em>Sylvie Pérez Lima</em></strong></p>
<hr>
<figure class="align-center zoomable">
<a href="https://images.theconversation.com/files/552138/original/file-20231004-15-hv5seu.jpeg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=1000&fit=clip"><img alt="El maestro don Gregorio interpretado por Fernando Fernán Gómez." src="https://images.theconversation.com/files/552138/original/file-20231004-15-hv5seu.jpeg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/552138/original/file-20231004-15-hv5seu.jpeg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=338&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/552138/original/file-20231004-15-hv5seu.jpeg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=338&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/552138/original/file-20231004-15-hv5seu.jpeg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=338&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/552138/original/file-20231004-15-hv5seu.jpeg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=424&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/552138/original/file-20231004-15-hv5seu.jpeg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=424&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/552138/original/file-20231004-15-hv5seu.jpeg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=424&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px"></a>
<figcaption>
<span class="caption">Fotograma de <em>La lengua de las mariposas</em>, de José Luis Cuerda.</span>
<span class="attribution"><a class="source" href="https://www.filmaffinity.com/es/film545489.html">Filmaffinity.</a></span>
</figcaption>
</figure>
<h2>Don Gregorio, <em>La lengua de las mariposas</em> (1999), de José Luis Cuerda</h2>
<p>Cuando pienso en profes en el cine me viene a la cabeza el personaje de Fernando Fernán Gómez en <em>La lengua de las mariposas</em>, don Gregorio. Creo que su actuación encarna a la perfección ese profesor que, en lugar de impartir conocimiento, estimula la genuina curiosidad de sus alumnos. </p>
<p>Don Gregorio consigue despertar ese interés por las cosas pequeñas e invisibles, incluso cuando hay un contexto tan desfavorable para ello como el que refleja la película. Entiendo que esa debe ser la esencia de un profesor, alguien que “rompe” con nuestra preestablecida forma de pensar y nos invita a observar la belleza que configura nuestro mundo de forma pausada, reflexiva y de cerca. </p>
<p>Si no… ¿cómo sabríamos que las mariposas tienen lengua? </p>
<p><strong><em>Juan F. Luesia Lahoz</em></strong></p>
<hr>
<figure class="align-center zoomable">
<a href="https://images.theconversation.com/files/552139/original/file-20231004-31-eedaki.jpeg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=1000&fit=clip"><img alt="La actriz Michelle Pfeiffer en su papel de Lou Anne Johnson." src="https://images.theconversation.com/files/552139/original/file-20231004-31-eedaki.jpeg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/552139/original/file-20231004-31-eedaki.jpeg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=411&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/552139/original/file-20231004-31-eedaki.jpeg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=411&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/552139/original/file-20231004-31-eedaki.jpeg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=411&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/552139/original/file-20231004-31-eedaki.jpeg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=517&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/552139/original/file-20231004-31-eedaki.jpeg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=517&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/552139/original/file-20231004-31-eedaki.jpeg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=517&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px"></a>
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<span class="caption">Fotograma de <em>Mentes peligrosas</em>, de John N. Smith.</span>
<span class="attribution"><a class="source" href="https://www.filmaffinity.com/es/film872398.html">Filmaffinity.</a></span>
</figcaption>
</figure>
<h2>Louanne Johnson, <em>Mentes peligrosas</em> (1995), de John N. Smith</h2>
<p>Un film que visualicé de adolescente y me llevó a interesarme, aún más, por la docencia y la búsqueda de oportunidades con ese férreo compromiso con los más desfavorecidos de la protagonista, la profesora de secundaria Lou Anne Johnson (en cuyas memorias está basada la película), interpretada por Michelle Pfeiffer. </p>
<p>Ese cóctel de problemas sociales en cada estudiante me inspiró a valorar la lucha del docente por los más desfavorecidos –aun cuando en un primer momento no se lo ponen nada fácil–, por buscar el lado bueno de esos estudiantes y esas estudiantes de un barrio conflictivo, donde abundan la violencia, las drogas y los malos tratos. Un argumento convencional, que busca el correcto funcionamiento de la escuela, más que solucionar el problema del aprendizaje.</p>
<p><strong><em>Purificación Alcaide</em></strong></p>
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<a href="https://images.theconversation.com/files/552141/original/file-20231004-15-i7zcrl.jpeg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=1000&fit=clip"><img alt="Robin Williams como el profesor Keating." src="https://images.theconversation.com/files/552141/original/file-20231004-15-i7zcrl.jpeg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&fit=clip" srcset="https://images.theconversation.com/files/552141/original/file-20231004-15-i7zcrl.jpeg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=600&h=360&fit=crop&dpr=1 600w, https://images.theconversation.com/files/552141/original/file-20231004-15-i7zcrl.jpeg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=600&h=360&fit=crop&dpr=2 1200w, https://images.theconversation.com/files/552141/original/file-20231004-15-i7zcrl.jpeg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=600&h=360&fit=crop&dpr=3 1800w, https://images.theconversation.com/files/552141/original/file-20231004-15-i7zcrl.jpeg?ixlib=rb-1.1.0&q=45&auto=format&w=754&h=452&fit=crop&dpr=1 754w, https://images.theconversation.com/files/552141/original/file-20231004-15-i7zcrl.jpeg?ixlib=rb-1.1.0&q=30&auto=format&w=754&h=452&fit=crop&dpr=2 1508w, https://images.theconversation.com/files/552141/original/file-20231004-15-i7zcrl.jpeg?ixlib=rb-1.1.0&q=15&auto=format&w=754&h=452&fit=crop&dpr=3 2262w" sizes="(min-width: 1466px) 754px, (max-width: 599px) 100vw, (min-width: 600px) 600px, 237px"></a>
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<span class="caption">Fotograma de <em>El club de los poetas muertos</em>, de Peter Weir.</span>
<span class="attribution"><a class="source" href="https://www.filmaffinity.com/es/filmimages.php?movie_id=315826">Filmaffinity.</a></span>
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<h2>John Keating, <em>El club de los poetas muertos</em> (1989), de Peter Weir</h2>
<p>Si hay un docente en la cinematografía que responda al adjetivo “inspirador”, ese es el profesor Keating. Recién aterrizado en el elitista Instituto Welton, este profesor de Literatura interpretado por Robin Williams logra encandilar a los estudiantes gracias a su pasión por la enseñanza, a su amor hacia la literatura y, sobre todo, a la mirada que tiene hacia sus alumnos. Una mirada de confianza en ellos y de fe en su potencial, que no les juzga por lo que son, sino que sabe ver en ellos aquello en lo que pueden convertirse. </p>
<p>Dejando a un lado algunas facetas de su labor que pueden resultar discutibles, se trata sin duda de un profesor inspirador, de esos que dejan una huella en sus alumnos, y que logra despertar en ellos el afán por ser mejores y encontrar su verdadera vocación en la vida. </p>
<p><strong><em>Eduardo Baura</em></strong></p><img src="https://counter.theconversation.com/content/214421/count.gif" alt="The Conversation" width="1" height="1" />
<p class="fine-print"><em><span>Las personas firmantes no son asalariadas, ni consultoras, ni poseen acciones, ni reciben financiación de ninguna compañía u organización que pueda obtener beneficio de este artículo, y han declarado carecer de vínculos relevantes más allá del cargo académico citado anteriormente.</span></em></p>
¿Qué profesores o profesoras cinematográficos han sido los que más vocaciones han contribuido a crear? Algunos de nuestros expertos comparten sus referentes de película en el Día del Docente.
Sylvie Pérez Lima, Psicopedagoga. COPC 29739. Profesora asociada Master Dificultades del Aprendizaje y Trastornos del Lenguaje., UOC - Universitat Oberta de Catalunya
Eduardo Baura García, Doctor en Humanidades. Profesor de Historia Contemporánea y Educación, Universidad CEU San Pablo
Juan F. Luesia Lahoz, Psicómetra, Universidad Loyola Andalucía
Purificación Alcaide Pulido, PhD, Profesora Adjunta (Lecturer), Departamento de Comunicación y Artes, Universidad Loyola Andalucía
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